Yoko Ono y Kusama, niponas, veteranas y geniales

 

La perla de la semana en la agenda cultural de Buenos Aires ha sido, Yoko Ono en Malba, precedida del suceso del MoMA de Nueva York y del León de Oro de Venecia. La veterana nipona no viajó a Buenos Aires -lo que quitaba el sueño del director Agustín Pérez Rubio-, pero sí grabó un video cálido, directo y cercano. Como la muestra, que a pesar de los años transcurridos mantiene la frescura. La genialiadad de Yoko sigue siendo la capacidad para involucrar al otro, para hacer de la contemplación una experiencia participativa. Dream come true son sus Instrucciones. A cada uno le pegan dónde más siente, dónde más duele. Por ejemplo, en la foto de arriba con su amado Lennon habla del fin de la guerra, pero… agrega la leyenda If you want it. Cada uno elige: clavar un clavo, reparar una tasa de porcelana, celebrar a la madre, pintar una pared. Todo indica que Yoko Ono repetirá el éxito de Yayoi Kusama, otra nipona veterana. ¿Sincronicidad Junguiana? Kusama es una campeona de la popularidad y pasa las noches en un neuropsiquiátrico. En estos días cautiva al público tejano en el Museo de Bellas Artes de Houston, como lo hizo en Malba o en las vidrieras de Louis Vuitton. Combinación de talento, marketing, potencia visual y acción directa. Cada espectador dejó su sticker pegado en Malba, una huella adhesiva. Sin edad y sin límite. En ambos casos, las redes sociales fueron los motores de la difusión, las activadores de las selfies. Instagram tiene 500 millones de usuarios. Y las veteranas niponas son las protagonistas. Kusama nació en 1929. Yoko Ono en 1933. Saquen la cuenta.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Modigliani, el elegido de los coleccionistas

 

 

 

 

 

 

 

 

El martillo bajó en las subastas londinenses de Christie’s y Sotheby’s para Amedeo Modigliani, el artista amado por los coleccionistas que desde hace un año empinó su cotización, cuando un coleccionista chino pagó el récord de 170,4 millones de dolares por Desnudo recostado. Obra perfecta de tamaño, fecha, origen y calidad. Liu Yigian, el chino, que ganó sus primeros yuanes manejando un taxi, sabía de qué se trataba. No en vano tiene dos museos. Desde entonces, Modigliani, cuya marca registrada son los cuellos largos, las caras lánquidas, de rostros apenas tallados como una escultura de Brancusi, se convirtió en el elegido de los coleccionistas de todas partes. Esta semana las rematadoras anotaron buenas marcas de precio en el varano boreal por obras del italiano que amó mucho y vivió poco. Sotheby’s subastó por 56,6 millones de U$ un retrato de Jeanne Hébuterne, musa, modelo y amante, convertida en la imagen reconocible de un artista que encontró su manera, en el sentido que lo hicieron Piero della Francesca o Botero. Supo haber en Buenos Aires, y tuve el privilegio de visitarla, una colección de cindo pinturas estupendas de Modigliani compradas por el coleccionista Rafael Crespo, cuando era un joven argentino anclado en París. Cuenta la leyenda que Crespo tenía de vecino a Modigliani, un pintor sin un franco en el bolsillo, con un talento formidable que pagaba el alquiler de su cuarto con los cuadros que le compraba Crespo. Chapeau por el argentino!!. No ví más esas pinturas y el petit hotel donde estaban colgadas es hoy Casa Cavia. Una linda casal proyectada por el arquitecto Christophersen. Bueno entre los mejores.

Retrato de Jeanne Hébuterne con foulard, 56,6 millones U$ en Sotheby’s

Amedeo Modigliani nació en Livorno, Italia, en 1884, se mudó a París a los veintipico, vivió como pudo y pintó en 13 años más de 300 obras. Entre los más buscados están los desnudos de la modelo amada Jeanne Hébuterne. Y entre los más cotizados siempre, los desnudos apaisados como el comprado por el chino a precio récord. La apabullante alza de los precios tiene mucho que ver con los compradores orientales, que al acelerar la demanda impulsaron la aparición de modiglianis en todas las ventas. Leyes de mercado que se cumplen a rajatabla. El retrato subastado en Sotheby’s por 56.6 millones de dólares equivalente a 38 millones de libras, había sido vendido en 1986 por 1,94 millón de U$. Dato que explica claramente la fiebre Modigliani.

Desnudo recostado, subasta en Christie’s al récord de 170.4 millones de U$

 

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En la ciudad de El Bosco, 500 años después

Puede un artista poner una ciudad en el mapa? Sí. Si se llama Jeronimus Bosch con 48 pinturas y dibujos atribuidos a su autoría distribuidos en10 países, 18 ciudades y 20 colecciones en todo el mundo. Poca producciòn como el gran Vermeer.  A 500 años de la muerte de El Bosco la ciudad natal del misterioso alquimista del arte decidió celebrarlo con una muestra increíble, multimedia, sonora, paisajistica, virtual,. Cerca de cinco años de preparación, una inversiòn de 10 millones de euros y la pequeña villa de aires medievales se convirtió en un centro turístico de alto vuelo. El arte y los museos, dicho y repetido hasta el cansancio, son hoy el principal motor del turismo. Jeronimus van Aken nació circa 1450 en Hertogenbosch, de donde sacó su nombre que lo llevó a la fama global por su principal obra El jardín de las delicias, eje de la muestra del Museo del Prado (hasta el 11 de septiembre), que no prestó el magnífico tríptico para la muestra holandesa, esa gloriosa celebración en Hertogenbosh, cercana de Maastricht, sede de la más exquistiva y exclusiva feria de arte del mundo TEFAF. En Visiones de un genio se exhibieron 25 paneles del artista y 25 dibujos con un montaje digno de admiración, luz tenue, paredes borravino y un recorrido didáctico fuera de serie. Llevar la obra de Bosch a su propio entorno además de un esfuerzo económico resultó la oportunidad para revivir escenas que inspiraron sus pinturas, señalamientos de la ciudad de los lugares por donde pasó el maestro y detalles de ese paisaje singular del sur de Holanda. Allí  la imaginación voluptuosa de Bosch imaginó un mundo  poblado de seres fantásticos, ¿salidos de una mente, alucinada? “El Bosco vivió en dos mundos diferentes; el real que lo rodeaba y el universo de su imaginación”. Así comienza el libro-catálogo editado para esta fiesta del arte.  Cuando el maestro murió en 1516 se convirtió en el artista de culto imitado hasta el cansancio. En la obra de Brueghel circulan modos, estéticas y escenas “bosquianas”. Su patern trasunta una manera de ver el mundo, por momentos surrealista, onírica, audaz, que no suscribe a ningún género salvo el propio universo donde se observan detalles, escenas, acciones de la vida cotidiana de Hertogenbosch. La vida cotidiana atravesada  por una imaginación sin límites y una paleta personalísima. El Museo Bosch fue restaurado y puesto a todo con las últimas exigencias de montaje, Rabobank contribuyó en la puesta a punto que incluye una recorrida audiovisual extraordnaria. Como la obra de El Bosco.  Montar una muestra de excelencia sin contar con la joya de su producción que es el Jardin de las delicias, patrimonio del Museo del Prado, fue una hazaña singular de los curadores que lograron recrear el clima en las magníficas salas. Parte del programa es hacer un recorrido, almuerzo incluido, camimando y en bote, por esa pequeña villa medieval atravesada por canales. Es la oportunidad para asomarse al mundo mágico desde el agua y conducido por un sabio cicerone.

Recorrer en bote con un guía sabio la ciudad desde los canales. Una experiencia “bosquiana” fuera de serie. 

El Museo Jeronimus Bosch puesto a punto para la celebración de los 500 años de su muerte. Una muestra multidisplinaria con 25 paneles de su obra y 25 dibujos

 

 

 

La ciudad natal, las costumbres, la vida cotidiana, Brueghel estuvo mirando esta escena pintada por Jeronimus Bosch, más conocido como El Bosco

 

 

 

 

 

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En Brasil, la corrupción salpica al arte

 

 

La nota publicada hoy en el matutino El País desnuda una trama de corrupción, arte y altos precios, que tuvo como escenario el Brasil de las última décadas, donde en forma paralela a la fomación de grandes colecciones se concretaron oscuros negocios. Este esperpento, en el sentido de Valle Inclán, sale a la luz con el suceso de la muestra Obras bajo vigilancia, que se exhibe en el Museo Oscar Niemeyer de Curitiba (foto). Una introspección de altísimo costo en las esferas del coleccionismo, que podrá visitarse hasta noviembre. Para los argentinos, el caso más conocido y difundido era hasta hoy el del banquero Edemar Cid Ferreira (foto abajo, instalación de Sol Lewitt en una de sus propiedades), organizador de la muestra Brasil 500 años, un fabuloso mosaico en módulos de la celebración de los 500 años del Descubrimiento. De aquel formato desmesurado, deplegado en los pabellones paulistas del Parque de Ibirapuera, una selección se vio en Buenos Aires, en el Museo Nacional de Bellas Artes (recordado montaje de flores de papel con imágenes del barroco jesuítico) y en la Fundación Proa, con las obras conmovedoras de Bispo da Rosario y de los pacientes internos en un neuropsiquátrico de Rio a mediados del siglo pasado.

 

La muestra de Curitiba ha puesto la lupa en los negocios de arte, cuando Brasil parece decidido a sacar los trapitos al sol. Todos. Allí están colgadas bajo el mismo techo “obras de Picasso, Dalí, Miró, Oiticica, Vik Muniz, Djanira y Heitor dos Prazeres y Renoir”, escribe  Juan José Santos, en El País, y las asocia con el escándalo del “Lavajato” o “Petrolao” que nao tein fin. Muchas de ellas estaban en la casa de Renato Duque, ex ejecutivo de Petrobras, que las ocultaba detrás de un mueble operado con control remoto. Digno de James Bond y del Satánico Doctor No. En sintonía con la exposición del escándalo, la galería Fortes Vilaça, muy conocida de los coleccionistas y operadores argentinos, fundada por el recordado Marcantonio Vilaça, ha colgado en su espacio de San Pablo una serie de retratos de políticos investigados bajo el título El Salón de los Corruptos.

El arte en la mira de la justicia tiene en Brasil el antecedente de Edemar Cid Ferreira, quien además de organizar la muestra 500 años alquiló un palazzo en Venecia, para la edición 49 Bienal de 2001, dio la más lujosa de las fiestas que se recuerden en La Serenísima y organizó una muestra de Ernesto Neto. En 2005, Cid Ferreira, director del Banco Santos, fue declarado culpable de operaciones fraudulentas con arte y condenado a 21 años de cárcel. Su colección estaba considerada entre las mejores de Brasil en arte contemporáneo.

La ola del escándalo en ese momento se extendió a la Fundación Bienal de San pablo, que organiza la cumbre del arte actual, desde que fue fundada en los años 50 del siglo XX por Cicillo Matarazzo. Cid Ferreira llegó a ser presidente de la Fundación y el supuesto  “vaciamiento” determinó, entre otras cosas, un cambió de estrategia en su organización y la realización de la Bienal Vacía de Ivo Mesquita, como una clara señal de alarma frente a los hechos ocurridos.

En el revés de la trama está el lavado de dinero en un mercado de arte boyante, que llevó la cotizaciòn de los artitas brasileros contemporáneos arriba de los 2 millones de dólares, como es el caso de Beatriz Milhazes, entre muchos otros. La escalada en la cotización fue asociada por analistas y galeristas al  “efecto deseado” de la Ley de Mecenazgo, llamada Ley Rouannet, que corregía por supuestas irregularidades la Ley Sarney.  Hoy está todo bajo sospecha. “Han sido en conjunto millones de dólares y miles de obras usadas para lavar dinero. Las consecuencias son la inflación del valor del arte y la potenciación del mercado brasileño. La Operación “Lavajato” sigue destapando delitos y Edemar Cid Ferreira disfruta de su libertad provisional en una casa vecina a su anterior mansión y visita museos cuando puede. Ahora es un espectador más”, palabras de Juan José Santos en El País.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Nuevo director en el Rijksmuseum de Amsterdam

Se llama  Taco Dibbits (48) y será el nuevo director del Rijksmuseum de Amsterdam. O si de prefiere, la casa de Rembrandt, donde se exhibe uno de los cuadros más amados y visitados del planeta “La Ronda nocturna”. Dibbits ganó notoriedad por las muestras de Caravaggio y la consagrada al Ultimo Rembrandt, por lejos una de las más conmovedoras que ví en mi vida. Allí estaban los autorretratos del maestro del claroscuro, pintados con un realismo contemporáneo vehemente. Taco Dibbits, es historiador de arte, fue experto en Old Master s de Christie’s y se desempeña en el museo como curador desde el 2002. Su cargo, a diferencia del formato argentino que es determinado por un concurso,fue anunciado por el chairman del board del museo que es, finalmente, quien maneja la finanzas y la agenda de la institución.

Sucede a Wim Pijbes (foto) de 55 años, director desde 2008, quien deja su puesto para dirigir el Museo Voorlinden, una iniciativa privada financiada por Joop van Caldenborgh, magnate de la industria química, que en septiembre abrirá el museo junto a su casa, cerca de La Haya. El millonario tiene un  jardín de 40 hectáreas, algo fuera de serie en Holanda y que prueba la dimensión de su fortuna.. La colecciòn del Voorlinden está centrada en arte moderno y contemporáneo con obras de Matisse, Dan Graham, Henry Moore, Giuseppe Penone, James Turrell, Richard Serra, Ai Weiwei, Rineke Dijkstra, Tracey Emin, Damien Hirst, Anselm Kiefer, Yayoi Kusama… Debutará como director con un retrospectiva de Ellsworth Kelly.

El Rijksmuseum en los últimos años fue el eje de una transformación histórica, una puesta a punto que costó 415 millones de dólares, a cargo del estudio español Cruz y Ortiz.  En 2015 fue visitado por 2,4 millones de personas. Entre sus últimas adquisiciones se destaca la compra, por 160 millones de euros, de dos retratos tempranos de Rembrandt, a medias con el Louvre de París, que serán expuestos de manera alternativa en ambos museos. Entre otras acciones innovadoras, Taco Dibbits, formado en la Universidad de Cambridge, fue responsable de la puesta en marcha de la página web de museo y de la digitalización de las obras que están ahora disponibles al público.

 

 

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Los mundos de Felisa, en el Centro Borges

Pasada  la efervescencia de arteBA y la celebración del año de plata con buenas ventas, queda en Buenos Aires una oferta cultural descomunal. Algo que asombra al visitante y coloca en aprietos a los locales, sino quieren perderse la agenda impuesta por museos y centro culturales. Recomiendo una escala en el último piso de las Galerías Pacífico, shopping urbano de la zona peatonal de la ciudad, donde está el Centro Cultural Borges. Primero, al ingresar en el shopping, mirar el techo para ver los frescos de Spilimbergo y Berni. Dos enormes artistas que trabajaron con Siquieros en el histórico y restaurado mural Ejercicio Plástico. Ya en el Borges (hay escalera mecánica) la sorpresa es la obra de Felisa Gradowczyk. Conocía sus esculturas blandas y rígidas, pero este recorrido realizado por el curador Edward  Sullivan es soberbio. Permite asomarse a lo que el título describe magistralmente:  Fluir flow, flow fluir. Hasta el 5 de junio, una selección de piezas que integran el mundo, suspendido en el espacio con inquietante levedad, de Felisa. Sullivan, con base en Nueva York, trayectoria y pergaminos internacionales, realizó un registro de obras realizadas entre 1998 y 2016. Se suman dibujos y un video donde se despliega, con igual libertad de acción y expansión, la idea rectora, flujo y expansión de la energía, en otros soportes. Felisa Gradowcsyk es una artista contemporánea, refractaria a los rótulos, a las etiquetas y a las listas “generacionales”. Solo hay que demorase en cada pieza, recorrerla con la mirada y con el cuerpo. Se dejan “envolver” y la experiencia vale la pena. Por último, detenerse en las fotos, intimistas y tiernas, de un departamento desmontado. Memoria de una partida, vigencia del adiós. Son un homenaje a la madre, que cierran, o abren, según se quiera, el recorrido. En los límites de lo que posibilitan el espacio y los recursos, la puesta en escena es también un acierto.

 

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Mauricio Wainrot debuta en la Bienal de Venecia

 

Bajo la consigna Desde el frente, el chileno Alejandro Aravena (foto)

ha convocado a la 15 edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia como director general, en diálogo fluido con el presidente de la Fundación Bienal Paolo Baratta. Será la primera salida internacional del nuevo director de Asuntos Culturales de Cancillería de nuestro paìs, Mauricio Wainrot, aunque el envío argentino corresponde a la gestión anterior, de la saliente embajadora Magdalena Faillace. Alejandro Aravena , Premio Pritzker, se aparta del concepto propio del establishment de este premio que consagra la arquitectura mundial. Su nombre no se asocia a edificios descomunales y estelares, sino atiende las necesidades reales de gente común, con presupuestos a tono con lo cotidiano y no con lo excepcional mediático.

Coreógrafo, bailarín, director de los cuerpos estables del Teatro General San Martín y con una larga trayectoria internacional plena de  reconocimientos, Wainrot (foto)  sale al ruedo a poner en juego sus condiciones de hombre de la cultura y de las artes.

Argentina participará desde el próximo 28 de mayo de la 15ª Bienal de Arquitectura de Venecia, uno de los eventos más destacados del calendario cultural internacional. El Pabellón Argentino, de 450 m2, presentará en esta edición un trabajo denominado “ExperimentAR. Poéticas desde la frontera”, con curaduría del arquitecto Atilio Pentimalli, que propone un abordaje desde  la exploración de lo cotidiano y de las realidades sociales.

La mostra veneciana es el encuentro más importante de la arquitectura mundial, y en esta nueva edición incluirá 88 participantes procedentes de 37 países diferentes, especialmente invitados. Pentimalli ha definido su propuesta como una selección de “obras argentinas que hayan logrado a través de la experimentación y la exploración en lo cotidiano ir más allá de la norma. Obras que hayan conseguido un plus en encargos de bajo presupuesto y quizás pocas pretensiones de arranque. Que hayan podido ganar la batalla diaria contra los códigos, la falta de recursos económicos, las condiciones fluctuantes del país, los tiempos y las exigencias del mercado, a través de la inteligencia, la intuición, el trabajo y el talento argentino para lograr una arquitectura singular, surgida de lo más profundo de nuestro pensamiento y de nuestra tierra, abriendo nuevos horizontes”.

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Basquiat cotiza el doble que Monet

 

 

 

 

Algo ha cambiado bajo el sol desde qu en una tarde de otoño de 1986 un cuadro de  Monet pasó la barrera de los 10 millones de dólares. Fue en su momento el cuadro más caro de la historia, llamado La rue de Mosnier aux paveurs, y demostró que el arte podia ser, también, un activo tangible. Una inversión, un deseo, una carrera de precios, territorio para especuladores, la materia prima para crear nuevas rutas del turismo. Todo eso… Y algo más. Comenzaba a cambiar la matriz del gusto por los acelerados mecanismos de marketing, la difusión y la influencia de referentes en ascenso como el super curador. La semana última se firmó el último capítulo, cuando un cuadro del haitiano Basquiat, niño mimado del mercado en los tardíos 80, victima de su propio éxito, artista de culto, grafitero de origen. A los 22 años pintó el cuadro rematado por Christie’s en 57.3 millones de dólares, el doble que una pintura de Monet, un estanque casi abstracto de la serie de las Ninfeas. Obra del más  longevo de los impresionistas, que dio nombre al movimiento con su obra Impresión del sol naciente. Robada y recuperada del Museo Marmottan, de París, ese cuadro es parte de la historia del arte. Hay quienes sostienen que fue Monet el primer abstracto. La otra mitad de la biblioteca dice que el anciano pintor sufría de cataratas y que la poca visión lo obligó a pintar así, vago, abstracto, nublado, borroso. Loic Gouzer, responsable de las subastas curadas que le dieron millones a Chiristie’s, jugó sus fichas por los contemporáneos. Pero, a ese precio?. Jamás.

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Récord en Christie’s para Maurizio Cattelan

Maurizio Cattelan, Him,human hair, suit, polyester resin and pigment. 2001. Subastado por  $17,189,000 ( £11,887,275 / €15,037,403 ). El chico de rodillas y traje gris de franela, de frente es Hitler. Broma macabra, juego de espejos, derrumbe de mitos. Descarada visión de la historia.Récord mundial para Cattelan  en Subasta.

Una semana después del anuncio de la apertura del museo de François Pinault en París, en la ex Bolsa de Les Halles, tras la reformas que hará el arquitecto Tadao Ando, llega un récord en las subastas neoyorquinas para Maurizio Cattelan. Artista fetiche en la colección del dueño de Christie’s, mayor coleccionista de arte contemporénao y factótum del museo de Venecia Punta della Dogana y del Palazzo Grassi, en la misma ciudad de los canales. El precio récord pagado por una figura hiperrelista del iconoclasta italiano, que sorprende con sus imágenes irritantes, audaces y provocativas, marca el comienzo de la semana de remates en Nueva York, donde Sotheby’s y Christie’s libran una de sus batallas anuales. La segunda es en noviembre con las ventas del otoño boreal. El año último, Christie’s Rockefeller Center marcó la cota más alta lograda jamás al rematar en obras por 1700 millones de U$. El éxito fue, y es,  atribuido, en gran parte , al efecto subasta curada generado por las ideas de un joven experto llamado Loic Gouzer, que le aplicó un golpe de tuerca a la tradicional organización de las ventas públicas iniciadas en el siglo XVIII. Nada parece igual en este 2016, jaqueado por la incertidumbre de un año electoral, por el factor Trump y por que tampoco hay grandes obras en danza. La primera ronda dejó un total de US$78,123,250/ £54,027,144/ €68,344,337, con 97 % de los lotes vendidos. Se establecieron 7 nuevos récords Paola Pivi, Neil Jenney, Olivier Mosset, Daniel Buren, Rebecca Horn, John Armleder y Maurizio Cattelan. Récords también para una escultura de Richard Prince y un video de Bruce Nauman. En el balance, Gouzer dijo a la prensa que la tendencia muestra un entusiamo inédito por obras que desafían “la noción tradicional del suceso comercial”. Estamos frente a un cambio de paradigma que también toca a la feria de Buenos Aires arteBA, que arranca el próximo 19, en La Rural de Palermo. En su edición 25 poco, o nada, tiene que ver con las primeras ferias montadas en el Centro Cutlural Recoleta.

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La colección Pinault en la Bolsa de Parìs

Finalmente, el magnate y coleccionista Francois Pinaut (foto arriba ) ha ganado la batalla y París recibirá parte de su coleccion en el antiguo edificio de la Bolsa de Comercio (abajo) , entre el Louvre y Les halles. Ideal, casi se diria que la ubicación perfecta, a pocas cuadras del Pompidou y en el corazón de Le Marais, el barrio atrapado por la bohemia, el arte y la fascinación gourmet, que nadie conoce mejor que los franceses. Es una larga historia, y tal vez, ha sido necesario que Bernard Arnault , dueño del emporio LVMH, tuviera su museo diseñado por Frank Gehry en los jardines del Bois de Boulogne, para que la alcadesa Anne Hidalgo le diga sí a Pinault. Accionista mayoritario de Christie’s, de las tiendas Le Printemps  y de Converse, entre otras cosas, Pinault, suegro de la  briosa Zalma Hayek, exhibe su pinacoteca y esculturas en la Punta della Dogana, Venecia. La veija aduana de mar fue reacondicionada con respeto para ser un museo de arte actual por Tadao Ando. Una seleccion audaz y fascinante,desde Cattelan y Polke a los hermanos Chapman. Siempre, durante la Bienal de venecia, en la amarra del museo está anclado el yate ILONA de Jeff Koons, cuyo nombre es un homenaje a su ex mujer, la Ciccolina .

Su activa participación en Christie’s, como accionista y comprador, impulsó el alza de los precios del arte contemporáneo y de post guerra, que es hoy el segmento que más ha crecido del mercado. Es obvio que la decisión de la alcadesa y el deseo de Pinault de tener su museo en Paris, con una inversion de 100 millones de euros salidos de su fundación, constituye una victoria para París, que mantiene en alto su prestigio de capital del arte. La Ciudad Luz no tiene  competencia en la alianza turismo y museos. A partir de 2018, estarán también las obras de Cattelan y Koons (abajo),  entre muchas otras.

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