Lista de abandonos

 

Retrocedamos en el tiempo por unos momentos. Pensemos en el París de fines del siglo XIX. Si lo miramos desde nuestra perspectiva actual, en el campo del arte tenemos pintura académica versus los impresionistas, aunque en ese momento no representaban un peligro inminente para lo establecido. En fin, el arte en serio tibiamente amenazado por “los rechazados”. Es un momentos histórico.

Qué alegría vivir en un mundo donde las cosas estaban tan claras!. Ahora no sabemos quiénes son o dónde está “la academia”, y mucho menos dónde y quiénes son “los rechazados”. Tal vez sea mejor vivir en esta confusión, porque después de todo, lo que hoy es demasiado clásico, mañana será “otra vez nuevo”. Además, la fotografía ya no tiene que buscar un lugar entre las artes. Es una más, y tal vez la menos transgresora de todas. ¿Ustedes qué piensan?

Estaba leyendo un libro inmenso (no por las páginas), imprescindible (aunque suene perentorio), y muy fácil de leer (aunque parezca increible) editado por el español Valeriano Bozal, de donde saco la siguiente lista de las muchas cosas heredadas del arte establecido que los jóvenes pintores de fines del siglo XIX tenían que tirar por la ventana para sacarse el traje de la academia:

. La hegemonía de lo intemporal (Basta de religión y misticismo!. Un poco de realidad)

. Las jerarquías de los géneros. (Qué actual!)

. Los tópicos de la docencia académica. (Piensen en nuestras escuelas y talleres)

. Los prejuicios de la composición. (La fotografía tiene una montaña de prejuicios)

. Los prejuicios del lenguaje (¿Fotográfico en nuestro caso?)

. Los prejuicios de la literaturidad de los temas (Una plaga entre nosotros)

Les propongo que sumen sus propios prejuicios (si es que esta breve lista de Valeriano ya no abarcó a todos todos). Y veamos algunos casos prácticos para salirse de ellos. Siempre hablando de fotografía. Les dejo tres imágenes que les pueden servir de guía.

……………………………………………….¿Quién empieza?

Imágenes: Nestor Crovetto (de la serie Crudo). Eduard Manet. Desayuno en la hierba. Paul Cézanne, Los jugadores de Naipes. 

  • http://agrosse.tumblr.com Alejandro Grosse

    Lindo tema! Comparto una reflexión que hago desde mi rol de padre: tengo 40 años y en mis inicios en fotografía mis referentes siempre fueron los “clásicos” como Peter Witkin, Salgado o Cartier-Bresson, quiénes a su vez -más allá que encontraron su propio lenguaje- estuvieron muy influenciados por la pintura y las artes clásicas. No importa que tema aborde, mis fotos siempre tienen cierto aspecto “pictórico”, no es una búsqueda consciente sino que simplemente sucede de esa manera, así las imagino, así me gustan y logicamente asi quedan plasmadas en la imagen final. Como contraposición mi hija de 15 años también empezó a animarse y a jugar con la fotografía (lo cual me da una enorme alegría), y por supuesto sus primeras fotos son totalmente diferentes a las mías. ¿Cuáles son son sus referentes artísticos y culturales? Basicamente el mundo que hoy rodea a los adolescentes: dibujos animados, videojuegos, animé, megaproducciones de cine con efectos especiales, las redes sociales, internet internet internet mucha internet. Temas que para mi son controvertidos y motivo de inspiración como la religión y lo “prohibido” (el desnudo, los obsceno, etc) para ella no existen, no le interesan, ¿porqué deberían llamarle la atención si nació en una familia muy tolerante, practicamente atea y donde esos temas nunca significaron ningún tipo problema ni conflicto? Me imagino que van adivinando hacia donde apunta mi comentario: más allá de nuestras aspiraciones de ser creativos y libres, de despojarnos de todos los prejuicios, somos producto de nuestro entorno y nuestra época. Estos llamados “prejuicios” también forman parte de nuestra identidad, nuestra estética y mirada del mundo. Lejos de renegar con este legado creo debemos ser creativos y originales explotando este bagaje cultural y visual, que en cierta manera es exclusivo de nuestra generación. Y para los grandes saltos, los realmente disruptivos, que quizás inclusive nos cueste aceptar y asimilar, están las nuevas generaciones, que tienen formateada su cabeza de otra manera y que hoy hacen arte desde un celular y en tiempo real.

    • Daniel Merle

      Gracias por tu comentario Alejandro. El mundo que nos rodea, hace ya mucho tiempo (mucho) que no es como lo miraba H.C.B. o Salgado. El último libro de Salgado, Génesis, es una prueba de ello. No es que no exista lo que él fotografió. Lo que no existe más es la posibilidad de ver de esa manera. Salgado ve con ojos de otro siglo (pasado). No es una crítica lo que digo. Simplemente sucede que los modos de mirar van cambiando, como vos bien lo decís con respecto a la experiencia de tu hijita. Volviendo al tema de mi nota, los impresionistas estaban proponiendo una mirada más actual. Esa nueva forma chocaba con lo establecido por las razones que enumero en esa lista de Valeriano Bozal. Entonces, por mirar distinto, se convirtieron en “los rechazados”. ES muy importante que tengamos “rechazados” en los tiempos que corren. Yo no los veo. Todos tratamos de integrarnos y ser reconocidos (me incluyo), y no pensamos en romper el molde de lo establecido. Tal vez porque seguimos mirando con ojos del pasado. No está bien ni está mal. A mi me gustaría poder cambiar, ir hacia adelante desde las enseñanzas de los maestros, y no hacia atrás. ¿O vos te pensás que si Cartier Bressson viviera, y siguiera fotografiando, lo haría de la misma manera que a principios del siglo XX?

      • http://agrosse.tumblr.com Alejandro Grosse

        Claro que no, si Cartier Bresson fuera contemporáneo sacaría fotos totalmente diferentes a las que hizo. Aprovecho para mencionar y destacar a Marcos Lopez, que siendo una fotógrafo de enorme trayectoria sigue probando y experimentado como si fuera un chico, en este momento haciendo microvideos que mezclan esculturas, sus fotos enmarcadas, objetos que trae de sus viajes, etc. (lo tengo como contacto en Facebook). No soy quién para juzgar si lo que hace trascenderá o quedará perdido en el ruido general que hoy tienen las redes sociales, pero si creo que muchas cosas nuevas vendrán desde ese lado, explorando y apropiándose de estas nuevas tecnologías y formatos que hace 15 años ni existían.

  • Stefanie Wolff

    Me sumo a la Lista de Abandonos.
    Tuve que leer La Historia del Arte de Gombrich para entender un poco de dónde venimos (si es que venimos de algún lado en especial).
    Y tomo los tópicos de la docencia académica. Pienso en cómo los géneros son enseñados y aprehendidos según el país, el continente, la escuela que hay detrás. Es decir, hablamos de Retrato, pero no es lo mismo tomar un curso de Retrato en Bs As que en Barcelona o en Berlin. Digamos que ni siquiera es la base lo que prevalece sino es cómo la propia cultura interviene en lo que se expone académicamente hablando, y lo que para unos es un lineamento importante en el devenir del género, para otros es exacerbación de elementos.

    • Daniel Merle

      Totalmente de acuerdo. No se cómo será la enseñanza artística en Europa o incluso en Estados Unidos. Acá, sigue siendo académica “mal”. Incluso la enseñanza de la fotografía lo es. Los “modelos” de muchos de mis alumnos siguen siendo H.C.B. y Salgado (por citar el comentario de Alejandro acá abajo), pero no saben quién era Albert Renger-Patzch o August Sander. O por ser más actuales: los fotógrafos de la escuela de Dusseldorf, que acá tuvieron una exposición como no hubo otra de estos autores juntos. En una palabra, hay una visión romántica de la fotografía. El mundo ya no es blanco y negro/día nublado/sección áurea/escena naturalista. El mundo ha cambiado hace mucho, pero lo seguimos viendo con los mismos anteojos

      • Stefanie Wolff

        Claramente.. seguimos viendo con los mismos anteojos..

  • Darío Belén

    No quisiera ser ni parecer aguafiestas, pero creo que es una discusión que solo puede darse de manera retrospectiva. La mayoría (sino todas), las rupturas que se fueron dando en la historia del arte no fueron conscientes, sino el resultado del devenir de los eventos que las provocaron. No creo que exista algo así como un materialismo dialéctico en el arte, pero si creo que a un elemento o rasgo de una época lo sucede su opuesto; un juego de eros y tánatos, apolíneo y dionisíaco. Quizás tal vez sea la única pauta que sea observable y previsible a través del tiempo con la que podamos contar, el misterio siempre será cual es cual. Me parece casi como un sesgo congnitivo creer que una o tal vez dos generaciones posteriores sean portadoras de una mirada nueva. Tal vez esten en mejores condiciones para adaptarse, e incluso hacer una mejor lectura de aquellas que empiezan a surgir en el presente, ya que hubo un camino que naturalmente no han tenido que recorrer, pero es precisamente las que sí han tenido que hacerlo las que están en mejores condiciones de provocar dichas rupturas, o si se quiere, ir desprendiéndose de ellas cual viejas vestiduras. Por lo que no me parece desacertado que se enseñe a HCB o Salgado, o a cualquier otro clásico, sin nunca dejar de mirar y mostrar lo que se hace actualmente, justamente para someterse a ese juego de confrontación de modos de ver. Por otra parte, no estoy tan seguro de en que medida la tecnología contribuya al desarrollo de nuevas formas de ver, pero si tal vez delimiten y marquen su rumbo. Claro que luego de escribir todo lo anterior no puedo sino empezar a dudarlo. Gracias Daniel por plantear siempre tan interesantes temas.

    • Daniel Merle

      Gracias Darío! Aguafiestas para nada. Al contrario, tu aporte es muy lúcido y útil. Me apena que cuando planteamos aquí estas cosas un poco más problemáticas, la audiencia no se prende tanto a comentar. Pero bueno, estamos en la época de las redes sociales, y ellas tienen sus reglas (o no hay reglas).
      Volviendo a tu comentario, estoy totalmente de acuerdo pero con alguna salvedad. En primer término, no me parece mal que se enseñe a los clásicos, para nada. Pero hay que enseñar a todos, y no solo a algunos. H.C.B. es el caso paradigmático, porque él representaba una forma de hacer periodismo gráfico que para la época era una revolución, pero ahora es imposible. Y ahora mismo que escribo esto pienso qué bueno sería tener algunos reportajes en neutras revistas al estilo H.C.B. serían realmente novedosos. Qué paradoja.
      Ahora, con respecto a la consciencia o no de los artistas a la hora de cambiar algo, yo no creo que Manet supiera que ubicando a una chica desnuda en un planteo formal mitológico, pero resulta que era un picnic, estuviera conscientemente rompiendo con la tradición. Creo que Manet buscaba fervientemente ser aceptado por el arte establecido. No es lo mismo en otros artistas posteriores. Creo que Picasso, Braque, Gris, Duchamp, etc. sabían muy bien qué estaban haciendo. Eran tan genios que también sabían que influenciaban en la academia, en el mercado, en el mundo de los marchantes, etc. Iban y venían de lo “aceptado” a lo vanguardista. Las vanguardias de principios del siglo XX en París fue un momento excepcional y no tengo idea si acaso se repitió de alguna manera en otro lugar en otro momento. .
      Con respecto a la fotografía argentina actual, tengo la sensación de que algunos artistas hacen planteos formales que vienen directamente de artistas que ya los han practicado en sus respectivos países centrales. Y otros, felizmente, se atreven a experimentar sobre esos mismos planteos o a incluso revolucionarlos.
      Tenemos un ejemplo muy bueno en la exposición de la Colección Tedesco que se inauguró ayer en el CC Borges. Hay que ir y ver qué estaban haciendo los consagrados de hoy en los años 90,
      ¿La seguimos?

      • Darío Belén

        Tengo la impresión de que lo verdaderamente revolucionario sucede a pesar del y por el artista. Basta escuchar cualquier declaración, en las que consistentemente cada uno de ellos dice que no eran conscientes de lo que estaban logrando ni de su dimensión, ni se lo habían propuesto en un principio, sino que era consecuencia de una construccion en base a una exploración personal. Si bastara con la intensión entonces casi todos lo hubieran sido.

        Está en mis planes visitar esa exposición. Suena muy interesante.

    • http://agrosse.tumblr.com Alejandro Grosse

      Disiento con el planteo “aguafiestas” (dicho con humor y sin ánimo de ofender) ya que considero que todo el tiempo se están generando nuevas miradas y rupturas respecto a lo que se viene haciendo en fotografía. Muchas surgen de gente joven, otras tienen que ver con las nuevas tecnologías y por supuesto una gran cantidad nace de circunstancias o elementos que yo no soy capaz de identificar ni imaginar. Lo que no vamos a encontrar, y esto creo es el nudo del asunto, son rupturas tan claras y categóricas como la que experimentó la pintura en el siglo XIX, simplemente porque el mundo del arte actual es totalmente diferente, cambió. En aquella época la oferta artística era mucho más limitada y sobre todo existía un consenso sobre lo que era “arte verdadero” de lo que no lo era: si estaba en ciertos museos y galerías de París y Berlin era arte del bueno, sino no. Hoy la situación es totalmente diferente, la producción artística es infinita, heterogénea y crece día a día, al punto que nos cuesta definir qué es la fotografía contemporánea y que artistas son sus referentes. Cada crítico de arte o curador tendrá una respuesta distinta, inclusive existirán quiénes digan que el arte contemporáneo ha muerto (como de hecho sucede) y que en definitiva es un refritado snob que fue corrompido por los mercados de arte y el dinero. Entonces: si no tenemos ni siquiera en claro cuál es el ARTE que marca nuestra época, como podríamos reconocer a los “rechazados” que están a punto de emerger? Si me permiten la analogía, yo veo el arte como un ser vivo que está todo el tiempo mutando, expandiéndose, deborándose a si mismo y donde dificilmente encontremos estos límites claros, categorías bien definidas y cambios abruptos que se daban siglos atrás.

      • Darío Belén

        Creo que la razón porque la que no podemos ver formas claras y categóricas de lo nuevo es porque la única forma de observarlas es cuando ya han ocurrido y se han sedimentado volviéndose la norma, de allí que diga que es aguafiesta mi comentario, porque solo podemos discutir lo que el tiempo y obras sucesivas han construido (y salvado). Francis Bacon decía, si mal no recuerdo el número, que para saber si una obra realmente tenia valor se necesitaban 50 años, pues bien, pienso que ahora tal vez se necesitan más, y eso quizas se deba a que lo realmente relevante debe salir a flote atravesando un gran cúmulo de producciones (dilusiones las llamaría) que, me atrevería a decir, en la mayoria de los casos, agregan poco y nada a lo que ya existe. En el mismo sentido, no creo que, en proporción a la cantidad de habitantes, la oferta artística en el siglo 19 fuera menor a la que es hoy, tal vez las disciplinas fueran menos numerosas, pero existía el mismo fervor artístico que existe ahora, la diferencia fundamental era que en esos tiempos los medios masivos de comunicación tenían menos alcance, y que tanto esa diferencia como la multiplicación de formas artísticas provoca que actualmente percibamos que la cantidad de producciones son más numerosas que lo que eran entonces. La tecnología crea según pienso nuevas disciplinas, nuevos dispositivos artísticos. La idea de lo novedoso parece estar unida a los avances de la tecnología, aunque no necesariamente siempre crean formas novedosas de ver. Nos hemos acostumbrado a ciertas nociones de lo que suponemos debería ser disruptivo, pero a veces solo se trata de inventar nuevas formas de ver lo que ya existe, y partir de allí construir con nuevos ojos. El arte más que un ser vivo es para mi el ser humano.

        Gran discusión, una que podría extenderse hasta poder hablar de lo que en este momento se está gestando, y más allá.

        • http://agrosse.tumblr.com Alejandro Grosse

          Gracias Dario por tu respuesta. Entiendo perfectamente tu planteo y estoy de acuerdo, aunque insisto en que el mundo del arte y del mundo en general ya no es el mismo de antes. Tomando tu comentario de que el arte es el propio ser humano, lo cual me parece atinado, hoy como seres humanos vivimos en un mundo muy diferente al de 2, 3 o 5 siglo atrás, por un lado estamos “globalizados” pero al mismo tiempo tremendamente fragmentados, diversificados, con cambios intergeneracionales muy marcados, tribus urbanas, un bombardeo cultural frenético y que se renueva década a década, mutando constantemente, y justamente creo que el arte actual es un reflejo de todo esto. Tomando como ejemplo la música y su historia, es claro que los ciclos se van acortando: los estilos que siglos atrás eran el mainstream lo largo de muchas generaciones hoy surgen en ciclos muchos más cortos, como el jazz, el rock, la música electrónica, todos nacidos practicamente en un mismo siglo. Lo que antes eran 50 años ahora quizás sean 5, no lo sé. En fin, un tema muy interesante y extenso para debatir, más apropiado para charlar con un café de por medio o tomando un buen vino. Te mando un abrazo!

  • Stefanie Wolff

    Si HCB viviera sería un Beethoven a la décima potencia. Su música sería tan elocuente como sus fotos. Jugaría entre lo clásico y el jazz de Charlie Parker..

    sin duda alguna..

  • http://www.flickr.com/photos/juandiprospero/ Juan_Di_Prospero

    Buen post. Los prejuicios siempre están vinculados al desconocimiento o mejor dicho al pasar por alto ciertos detalles que tienden a marcar la diferencia:
    Cuando nos aproximamos al estudio de la fotografía lo hacemos desde las cuestiones técnicas que comparten la fotografía fotoquímica con la digital pero no marcamos específicamente la diferencia y es allí donde, creo, podemos disparar las ideas a explorar. En definitiva siempre se trata de explorar un tema y no sólo a denotarlo. Pero para esto necesitamos conceptos para generar esas preguntas que nos permitan vincular el qué y el por qué de la fotografía con el tema que fotografiamos, así que desde mi pto. de vista tiro la pelota: (no me refiero a los contextos publicitarios que deben responder a otro objetivo, me refiero a los “procesos personales” que buscan lo artístico).
    Elementos retóricos (aquellas cosas que nos permiten cargar de sentido la foto) en común entre la F fotoquímica y la digital: relación sombra y luz, cámara oscura, t/exp, nºf, ISO, dist. focal, dist de foco, altura de cámara, inclinación de cámara, filtros o no, luz art y/o reflejada o ninguna de ellas, etc. Todas estas herramientas se regulan de tal o cual manera para generar una parte del proceso fotográfico que terminará en una foto (o más).
    Elementos retóricos específicos de la F fotoquímica: B&N manual: elección de película, tipo de revelador, dilución del mismo (y temp.), temp. a la hora del revelado, agitación, cant de seg. de la misma. Similares cuestiones para el paso a papel sumado sus tipos y filtros; o impresión // F Color, elección de película ¿la dejo así o uso cruce de curvas o salto de blanqueador? en el copiado a papel, elección de filtros (esto es = para toda copia color ya sea fq o dig) o impresión.

    Elementos retórico específicos de la fotografía digital (dif. fundamental): ***Hago la postproducción manteniendo correspondencia con lo que fotografié o creo una imagen digital nueva***. Aquí voy a parafrasear a Fontcuberta al final de la “Cámara de Pandora” cuando dice algo así: la fotografía digital para el fotógrafo es lo que un bastidor en blanco al pintor. ¿A qué se refiere? La esencia misma de la fotografía digital es la subordinación absoluta de la imagen registrada a mi dominio cosa que no ocurre con la foto química. Puedo hacer un zoom al 6400% y encuentro la grilla cuadriculadas, los píxeles, a uno rojo lo pinto de amarillo y listo. Ya está, cambié la historia por completo. Tengo un control total sobre como cada mínima porción de esa imagen va a ser afectada.

    Es verdad que la F fq puede ser afectada pero sólo en parte: Xj en la B&N de rev. manual puedo utilizar blanqueadores para disminuir la densidad de plata en esa zona y así hacer una grises más claros en el papel final (para que no sea un unto blanco), pero no puedo saber con exactitud cuanto de ese conglomerado fue destruido o como distribuirlo mejor. Esta diferencia es esencial para la apertura a los planteos que se fueron dando desde que la fdigital empezó a tener mayor calidad como para reemplazar o aportar algo nuevo al mundo fotográfico -la decisión es nuestra-.

    Esto permitió a Andreas Gursky cuestionar y plantear nuevas posibilidades para generar una fotografía. Posibilidades superadoras para “ese” objetivo final. Desde el entendimiento de la diferencia fundamental entre fotografía fotoquímica y digital. A partir de allí nos podemos permitir la exploración con menos prejuicios, pq es diferente y ahí está la ganancia. ¿Cómo evitamos caer en un desastre? Bueno, estudiando y no sólo fotografía sino toda nuestra cultura visual, Stefanie tiró un centro. Discrepo con Darío pq. creo que sí, quienes marcan un nuevo camino son conscientes de las huellas de las nuevas cosas que están sucediendo. Los impresionistas antes de serlo, estudiaron en la academia y tenían las capacidades para hacer y mantener diálogos con sus pares en su contexto. Así fueron oponiéndose, contrargumentando y proponiendo diferencias. Las respuestas a sus planteos son sus cuadros: son sus exploraciones a esos temas, a esas dudas, a esos dolores, sueños y desde ya, frustraciones. Sí, los disparadores son de la subjetividad y por tanto inconscientes, pero aquello que los llevo al camino es la preparación y el compromiso en sus labor. La desición de usarlos definitivamente es consciente.

    Para finalizar, por ahora, el hecho que la imagen sea digital la emparenta mucho más con los otros lenguajes plásticos que se digitalizaron. No sólo pq el medio computadora se transformó en un “”pan-atelier”" sino que esta resignificación fusiona obligadamente la orillas entre todo lo que fagocita y por tanto me pregunto si directamente no deberíamos hablar del medio digital como un todo. Lo que siempre permanecerá original es el planteo del artista, aquello que quiere significar con su ideas y la manera en la que decide mostrarlo.

    En síntesis para desprender los prejuicios tal vez haya que empezar la enseñanza de la fotografía sobre lo conceptual contemporáneo (temporalmente a nosotros) y después ir desglosando lo anterior y siempre cuestionando a todos!! Fin.

  • http://www.flickr.com/photos/juandiprospero/ Juan_Di_Prospero

    1) ¿Podríamos remarcar aquí a Alejandro Chaskielberg por el uso de una post no mimética con series fotográficas miméticas? o sea, el uso de “filtros” en fotos que hablan de temas que aparentemente no deberían ser filtrados pq son serios y perderían solemnidad? Digo, los filtros digitales son contemporáneos a nuestra realidad los usemos o no.
    2) Fuera del ámbito publicitario no sé si se mantienen los géneros. ¿Un fotógrafo documental que realice una serie de un backstage de un desfile de modas con estética propias de las modas hace foto documental o modas? También podríamos hablar de nuevo de Alejandro Chaskielberg. En otro contexto si una foto de arquitectura es intervenida con figuras geométricas en postproducción, ¿es foto de arquitectura o foto arte? Pero gran parte de la foto de arquitectura es foto arte.
    3) Creo que el post que puse debajo va para esta respuesta.
    4) ¿A ver qué les parece esto q encontré?:
    http://petapixel.com/2016/01/30/10-myths-about-the-rule-of-thirds/?utm_content=buffer3efa9&utm_medium=social&utm_source=twitter.com&utm_campaign=buffer

    5) Aquí quizás tengamos un problema similar al del pto. 1 y 2. Ciertos temas manejados desde figuras retóricas, xej.. metáfora no van a ser percibidos como ¿un ensayo documental? tal vez tiendan a restarle importancia por no ser “objetivo”.

    • Daniel Merle

      Me debería tomar unos minutos más para leer tu comentario y todo el posteo de Petapixel. Pero no puedo esperar. Soy muy ansioso. Y te digo Juan: las “bellas” artes no existen más. La dictadura de la sección áurea para hacer que una imagen sea más “armoniosa” ya no va más ni en la pintura tradicional. Los grandes fotógrafos de la escuela de Dusseldorf, por citar un caso ya citado :) , nos demuestran que el arte fotográfico no es precisamente bello si no enigmático, con pretensiones de objetividad, mayormente descriptivo, distante, donde el autor incluso tiende a desaparecer de la escena del crimen. Y tienen grandes “maestros” (como los que reclama Derek) que no son los románticos del número de oro. Son los Becher (que dicen que lo que ellos hacen “no se lleva bien con el arte”), son Walker Evans, Eugene Atget, Sander, etc. Tenemos que lavarnos de los románticos y sus secuelas editoriales y publicitarias y volver a mirar por el visor. En fin.. no me pude contener.
      Después sigo :)

      • http://www.flickr.com/photos/juandiprospero/ Juan_Di_Prospero

        jajajja claro, estoy completamente de acuerdo y de tooodoo eso mismo habla el post de Petapixel, por eso lo cite en el pto 4 “Los prejuicios de la composición”. Decostruye el mito de la regla de los tercios (casi casi sección áurea). Dale! :-)

        • Daniel Merle

          Gracias otra vez Juan. Leí el artículo de Petapixel completo. Guglié a su autor, y me encontré con esto: http://www.ipoxstudios.com/
          un serie interminable de lugares comunes en la fotografía. puff!
          No creo que la opción a la regla de los dos tercios sea la grilla dinámica o como quiera llamarla nuestro amigo. Creo que la fotografía tiene leyes internas que vienen de su constitución técnica y del modo en el que modifica la visión del operador. Podemos verlo en algunos grandes autores. No en las imágenes de Tavis.

          • http://www.flickr.com/photos/juandiprospero/ Juan_Di_Prospero

            ok, es bastante fana! jeje se queda corto para salir de la paternidad de la pintura y las clásicas reglas, a pesar que así lo crea. No vamos esperar que utilice los elementos de connotación (las leyes internas que mencionas) como elementos compositivos en sí mismos, o cualquier otra reflexión que salga del statu quo.

  • https://www.flickr.com/photos/forrest_talbot/sets/ Derek Miles Forrest Talbot

    Estimado Daniel:
    No voy a entrar en el tema Histórico de la Pintura y sus técnicas-comparativas con la fotografía, y quienes hicieron una idea, reformaron o metieron un cambio.
    Creo que desde lo fotográfico, y a este tema me voy a solo referir.
    Historicamente, cualquiera que haya estudiado fotografía durante la vieja época analógica, siempre hemos estudiado a los maestros, o algunos de ese momento, pero no solo como autores si no también como técnicos, y aquí la fotografía, algo mas joven que todas, no tenía un “Historia” antigua, escrita, y en sus formas, era la niña joven, el niño travieso. Había espacio, para experimentar, tanto en la imagen, pero además con lo técnico de laboratorio. Creo que no nos preguntábamos tanto. Ese efecto del cuál uno metía el rollo, exponía y revelaba, siempre te daba un cachito de miedo, al saber, que uno en alguna parte la pifiaba.
    Con lo digital, eso se perdió, ahora todo sale, y si es muy malo vamos a los software para ayudarnos a recomponer y re-armar la foto.
    Con esto quiero decir, que algunos como yo, que venimos de la vieja escuela, mirábamos en ese momento al cambio de lentes, cámaras, papeles, reveladores, etc, como parte de la fotografía. No nos quedábamos con en el oleo, o pincel, o la mano.
    Hoy por hoy se están armando lindos prejuicios, como por ejemplo, el Uso de la tecno celular, las cámaras DX o FX, el lente KIT, el uso de Adobe, O PS, el romanticismo de volver a lo viejo, tanto o desde el Pin hole, Colodium, wet plates o el simple uso de papel RC o Fibra.
    Hoy se está produciendo un prejuicio a la misma fotografía digital para el arte de expo.
    Me hace acordar a los viejos tiempos, cuando lo único que valía era la foto de la ultima maquina.
    Y las cosas donde en nuestro Rubro, sigue estando los 3 prejuicios mayores y no lo consideramos fotografía, Sociales, Casamiento y fotografía familiar.

    • http://www.flickr.com/photos/juandiprospero/ Juan_Di_Prospero

      Es muy significativa el aporte humanístico que mencionó tu profesor en la guía de arriba y desde ya no me refiero a dejar de lado su recomendación. Sin embargo -y sin intenciones de ir a lo técnico por lo técnico-: cuándo querés fotografiar una serie de ideas en dónde el tema lo venís pensando y previsualizando en tu imaginación ¿tenés en cuenta el material de registro como parte del discurso o directamente trabajás el concepto de la fotografía como un todo: es decir, sin entrar en cuestionamientos sobre la génesis de la imagen (desde ya, no en todas tus fotos) en relación a lo que vas a fotografiar?

      Pregunto NO pq considere al “”cómo”" más importante que al “”qué”" -de hecho pienso todo lo contrario- sin embargo, en algunos temas, tener en cuenta las cuestiones “generativas” pueda también aportar a la experimentación con el medio. Insisto, no desde lo material solamente, sino como impulsor de lo significativo, lo connotativo.

  • https://www.flickr.com/photos/forrest_talbot/sets/ Derek Miles Forrest Talbot

    Cuando estudiaba fotografía en el secundario en Inglaterra, con 18 años, y el profe nos mandaba a exposiciones, que luego debíamos realizar un reporte y visión, como tarea. Su respuesta en birome a la derecha..

  • Ricardo Barreto

    ¡Hola! ¿Cómo se llama el libro de Valeriano Bozal al que te referís? Gracias