Si Edward Steichen pensó que la mejor manera de representar la comida era mostrar un trigal, o unas campesinas amasando pan, no estaba del todo errado. En 1955 era esa su visión del mundo. De todos modos, el hambre azotaba ya a algunas zonas del planeta. Pero lo importante era que “La familia del hombre” contuviera un mensaje positivo.

En 1993, Ives Trémorin (arriba) fotografía comida a escala 1/1. Un pan con manteca mordido, unos puerros atados con cinta roja, un pollo pelado con sus visceras empaquetadas. La serie se llamó Naturaleza Muerta. En el detalle está la clave, el duende, el diablo, el mensaje… o como quieran llamarlo. Qué fabuloso fotógrafo este Trémorin!

Estoy en la redacción, tomo café. El ambiente está calmo todavía,  y sigo leyendo los comentarios del post anterior ( tengo un montón de preguntas sin respuesta!). Le doy una mirada muy breve al catálogo de “The 90´s: A Family of Man?” de 1997.  Miro las fotos y los contrastes. Ya a mediados de los 90 era bien difícil representar las categorias que Steichen estableció en su imponente exposición. Han pasado ya diez años de esa muestra en Luxemburgo. Les pregunto: ¿Si en 1955 el amor era esta foto de Roy de Carava, y en los 90 es esta otra de Nan Goldín, cuál es la foto del amor del 2011? Nombres, por favor, Algunos nombres, links. Y conversamos un rato.

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El sábado pasado fui al MNBA a visitar la muestra de Nueva Figuración. 1961-1965. El movimiento pictórico argentino más influyente que conozco.

Les pido que tengan en cuenta que soy un ignorante en la materia.  Me cuesta un Perú identificar a otros grupos que tal vez fueron más trascendentes! Igual, este es un blog de fotografía . En fin, justo justo justísimo llegué a tiempo para seguir una visita guiada. Cada vez me gustan más las visitas guiadas. Estoy seguro que de no ser por la amable explicación de nuestra instructora de turno, no hubiera reparado en tantos detalles significativos en las obras de Macció, De la Vega, Deira, y Noé.

Estos pintores tenían unas ganas  enormes por aquellos años sesenta. ¿Qué tenía de mejor esa época con respecto a los tiempos que vivimos ahora?. Era un mundo más ordenado. Hasta “el mal” era más previsible. Pero estos pibes tenían dos metas marcadas a fuego: 1) Emitir mensajes políticos claros y perturbadores al mismo tiempo (¿?). Y 2) Hacerlo por medio del desafío constante a los límites técnicos y estéticos del medio que utilizaban, la pintura.

Bien. Muy bien. Linda visita. Lindo el peinado de nuestra guía. Qué bravura la de estos pintores!. Muy bien… esteeee.. uuummm… me quedé pensando. Pregunto: ¿Hay una fotografía política hoy en la Argentina? No hablemos de los reporteros gráficos que trabajan sobre temas sociales y políticos. Pienso más en RES y en algunos buenos trabajos que veo en su sitio (abajo). Pienso en parte de la obra de Marcos López, Dani Yako, Adriana Lestido, Daniel Muchiut. Estoy seguro que hay más y que no son conocidos. ¿Me refrescan la memoria?

Pero en casa de herrero… me pasa algo con estos venerables colegas, amigos algunos. ¿Qué me pasa?. Debo empezar a pensar seriamente en esto, porque es evidente que el problema está en mi. A ver, cambio de tema:  Llegó a mis manos el libro Interior, de Adriana Lestido. Leí el prólogo estupendo de Guillermo Saccomano. Pasé varias veces por las imágenes de Adriana. me fascinaron algunas. Reconozco su estilo y alcanzo a ver la punta del desafío estético en su mirada. 

Vuelvo a mis cavilaciones. Pienso en la foto gigante de los dictadores en el banquillo de los acusados, de RES, por ejemplo. Me acuerdo de Extinción de Dani Yako…. ¿A ustedes les pasa lo mismo que a mi?. No es que no quiera nombrar lo que siento. Es que no lo sé! Si busco referentes en el exterior, pienso en Boris Mikhailov, Lars Tunbjörk (¡?), Richard Avedon (perdón!). Ahorita mismo no se me ocurren otros. Pero hay una diferencia. ¿Cuál es?. Si, hay una diferencia.

Perdón amigos, amigas glogueras. Este es un post repleto de hipertextos…  y de preguntas! Les dejo el tema, y les sigo la conversación. ¿Quién empieza?

Ayer compartimos un par de pizzas con algunos amigos del Nano. Nos fuimos a Punto y Banca y pedimos dos muzzas, cuatro de fainá, gaseosas y vino cualquiera (pero frio). Perdón Alejandro!

Mientras masticabamos sin piedad aliviados por una brisita fresca que nadie se esperaba, empezamos a charlar de cosas que no son de fotógrafos, aunque si tienen que ver con la pasión que nos une. Bueno, si son cosas de fotografos! Pero al no charlarlas con los amigos de siempre, se vuelven más frescas, menos teñidas de chismes y cuentos del ambiente.

Nuestro gran amigo Quique Sarcasmo recordó al fotografo ruso Miroslav Tichy.  Obviamente, casi todos lo conocíamos pero nadie recordaba su nombre. Aquí he posteado un comentario acerca de su trabajo. Jimenitus nos contó muy entusiasmada que está planeando hacer estenopeicas gigantes con placas radiograficas. Y las va a revelar con Romek C-2!. Mariano no lo podía creeeer.

Miss Berenjena contó de su pasión  por la serie “Mad Men” y Manu lo relacionó inmediatamente con Humos del Vecino, donde Jim Jarmusch hace una declaración filosófica antes de terminar su último cigarrillo frente a una cámara de cine. (arriba)

Todos puteamos al unísono a Lars Von Trier por su Anticristo (arriba). Pero es una gran película! y el es un tontón engreido. Martin Castillo Morales lo defendió a muerte y hasta vio la peli dos veces.

Cuando llegaba la segunda pizza hablamos sobre fotografía de arte y fotografia de prensa. A mi me parece que no hay razón por la cuál un gran fotógrafo del medio artístico (ejemplo: Marcos López, Res, Nicola Constantino, etc) no pueda ser contratado por un medio para hacer una nota. Manu nos colgó el caso de Nan Goldin (foto que encabeza este post) haciendo una producción de modas! (click aquí). ¿Será por falta de presupuesto?, de carácter!. O de conocimiento tal vez. En fin, yo tengo mi propia opinión. ¿Ustedes qué piensan?

A las 12 en punto de la noche y con la luna en menguante, iniciamos la retirada. Satisfechos de no haber conversado siempre de lo mismo!

Jueves, comienza a funcionar la fábrica de noticias. Les dejo este post con un montón de opciones y casi una docena de links. Pueden opinar de los fotógrafos que cito, de las pelis, de los directores, de los artistas en los medios gráficos, de la pizza! Y por supuesto: ¿de qué hablan cuando no hablan de fotografía? Una lista aquí, por favor!

Charlotte C Haslund-Christensen es la estrella de este domingo. Si, no es domingo todavía. Es viernes… pero últimamente estoy tan nervioso, que adelanto. No me puedo quedar quieto. ¿Y ustedes? ¿Ya vieron la muestra “Natives: The Danes” en el Centro Cultural Recoleta?. Arriba, una de las fotos expuestas. Charlotte tiene toda una declaración escrita acerca de sus intenciones como “expedicionaria” de la fotografía. “La búsqueda del otro” dice ella.. y yo, amigos/amigas, no entiendo muy bien.

Pero por suerte, las fotos de Charlotte son la mejor explicación para sus conceptos escritos. En “Natives…” Me gusta:

. El registro. Quiero decir: la clara intención de fotografiar a todos los grupos de la misma manera. La variedad está en la gente y no en el punto de vista del fotógrafo

. La simplicidad con que resuelve las tomas. ¿Y este punto es engañoso, no? A parte de la linea dibujada en el piso para ubicar a los personajes. Charlotte juega el mismo fondo en las dos posiciones de los retratados. Entonces los sujetos se tienen que dar la vuelta! y por momentos me parece que ni se han movido. Eso es bien difícil. Grande Charlotte. Y hay mil dificultades más que ni siquiera puedo imaginar. ¿Me dan una mano aquí?

. Estoy un poco aburrido de estos estilos documentalesantropológicosdelsigloXIX, pero en el caso de este trabajo y de Who´s Next, por ejemplo, me parece que Charlotte se lo toma con mucho humor, o una pizca quizás. Lo suficiente para que sus imágenes no tengan la pretendida gravedad de otros autores… alemanes!

. Y en “The Dog in Me” nos da la clave de su espíritu juguetón. Nada de medio formato, trípode y decisiones previas…. Grande Charlotte (Aunque las fotos no sean buenas )

. En este punto, me gustaría preguntarles sobre el sitio web de esta chica. ¿Qué les parece? Es claro, es confuso, es efectista, es minimalista, sirve, no sirve. Vieron algo mejor. ¿Para qué sirve tener un sitio?

. Lo que fotografió Charlotte en “The Natives…” Me gusta la idea, me sorprende comprobar que las personas vistas de atrás primero, damos una impresión de cómo nos verán de frente. Pero! ahhh! en algunas de las imágenes se puede comprobar que no hay reglas, y que no todas las caras tienen algo que ver con sus respectivos culos… Concluyo apresuradamente afirmando (sin ningún fundamento) que para conocer mejor a las personas hay que verlas por delante.. y por detrás. Gracias Charlotte.

. La muestra en el Recoleta. ¿Qué les pareció el montaje?. Yo creo que tiene un buen recorrido. Pero no pude detenerme en las fotos de la misma manera que lo estoy haciendo ahora mismo en el sitio web. Me pregunto por qué será… en la foto de arriba la puesta se ve muy bien, pero algo no funciona cuando uno la recorre en vivo y en directo. ¿Ustedes qué piensan?

. Y la última pregunta: De lo que están viendo en el Festival de la Luz, ¿qué les gusta más y por qué?

Si querés publicar tu foto en esta sección, enviala a dmerle@lanacion.com.ar. El documento debe estar a 600 pixeles de lado mayor, 72 dpi de resolución y comprimido en jpg. También podés agregar los datos técnicos de la toma y la cámara que fue utilizada.

Koudelka fotografió el fin de la primavera de Praga en 1968 casi de casualidad. Hoy, podemos ver esas fotos en Buenos Aires. Dicen los que fueron que al no ser las copias originales, lo que gana en impacto lo pierde en sabor. En el MALBA inaugura Geometria en el Siglo XX en la Daimler Art Collection. Y la  obra de Warhol (abajo) no importa demsiado si es un original o una copia de la copia original. Uno es arte por necesidad. Otra es arte por encargo. Las dos involucran a la fotografía. Pero bueno! que no es esto lo que quiero discutir… aunque si  a ustedes les gusta, me prendo.

Lo que a mi me intriga ahorita mismo es saber cuál es el soporte adecuado. ¿Por qué voy a una muestra de copias “vintage” y resulta que me desilusiona?(Brassaï). Pero en otras, como aquella de  Edward Curtis (hace unos años en el Museo Fernandez Blanco) resultan toda una experiencia sensorial!. Este auto de Warholl me da lo mismo verlo en el catálogo o en la muestra. Warholl siempre es parte de algo más que lo trasciende. Creo que a él poco le importaba la idea de “obra única”. Seguro me equivoco…

La fotografía en papel es un “objeto”, y reune una cantidad de cualidades que la hacen más, o menos valiosa. Lo dice Stephen Shore. No lo digo yo. Entonces pregunto: ¿Piedra, papel, o tijera?

El primer libro de fotos que llegó a mis manos, hace unos cuantos años, fue “Henri Cartier Bresson, Photographer” (arriba) . No recuerdo bien, pero  casi todas las fotos eran imágenes de la vida cotidiana. Muy dinámicas y con una extraña perfección en la composición. La luz, siempre muy tamizada. El contraste de las impresiones muy standard. Nada de dramatismo.

Después de ese libro cayó en mis manos Paris de Noche, de Brassaï (izquierda) Y casi simultáneamente Los Americanos, de Robert Frank. Pero el fotógrafo que más me impresionó fue André Kertesz. Un librito mínimo, titulado “On Reading” me gustó tanto que la idea de copiar el tema me rondó la cabeza durante muchos años. Kertesz era el fotógrafo para mi. Y H.C.B. el maestro.

Con esos dos me las iba arreglando. Tenía muchos problemas con el color, claro. No encontraba ningún referente en ese campo para ese entonces, salvo algunas cosas de Manuel Rio Branco. Pero lo que verdaderamente me molestaba era Brassaï (¿?). Había que rendirle honores de gran maestro, pero sus fotos no terminaban de gustarme. Tengo todavía una libreta donde garabateaba  mis “cuestionamientos” a su manera de fotografiar.

Las tomas eran muy armadas. Casi todas iluminadas con flash! (casi un pecado mortal para los fotógrafos de mi generación). Las escenas de interiores eran evidentemente posadas. Y las gentes que allí aparecían no me resultaban atractivas. Me podía quedar una hora mirando un retrato de H.C.B. pero me repugnaban un poco las caras de las madamas, las prostitutas en la calle. Los ceniceros atestados, las uñas manchadas, las miradas extraviadas. Quería ver al mundo de otra manera. Incluso ese París tan particular.

¿Por qué fotografiaba con placa y flash cuando casi al mismo tiempo Erich Salomon (arriba) hacía unas instantáneas buenísimas en condiciones de luz muy pobres, con su Ermanox?

Además, yo estaba “muerto” con Kertesz (abajo, una foto de On Reading) que exploraba en muchos campos de la fotografía. La abstracción, el desnudo, los objetos. Se podía aprender de sus fotos mucho más rápidamente que de Frank. Pero sin duda, muy poco iba a tomar de Brassaï. Pasarían algunos años para que descubriera el trabajo de Mikhailov!

Después de mucho tiempo me compré “Paris Secreto” y tengo que confesar que no leí sus textos si no hasta hace poco años. Ahora tengo la oportunidad de ver su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes. Me dan ganas de darme una vuelta y revisar mi vieja libreta.

Hoy, las fotos de Brassaï me gustan más. Las de H.C.B. bastante menos, y las de Kertesz son cada vez mejores. Me doy cuenta que los jóvenes que estudian fotografía en la actualidad siguen las mismas premisas que me guiaban en mis primeros años de autodidacta. ¿Ustedes qué saben?, ¿qué opinan?. Yo estoy un poco cansado de los big names del pasado y me gustaría redescubrir algunos maestros para el futuro.

Son las tres de la mañana del domingo. Todavía no es tiempo para atacar las mediaslunas que tengo en el freezer! Pero algo tengo que hacer con el inmsomnio. Les edité el video que hice el jueves pasado durante la inauguración de “La Carpeta de los diez” en la Galería Vassari. Y me adelanto a colgarlo ahora porque está muy relacionado con los comentarios de mis post anterior. La fotografía argentina contemporánea argentina tiene una gran influencia de los alemanes! Si amigos, amigas. Alemanes, checos, ingleses, italianos. Ellos contribuyeron a que el panorama de la fotografía local sea hoy en día uno de los más ricos del continente. Y les hago algunas observaciones:

. Si se fijan en las imágenes de la inauguración. Casi no se ven jóvenes! ¿Dónde estaban? Pues vayan a ver qué modernos eran nuestros mayores y que pila le ponían cuando ellos mismos eran unos jovencitos.

. Marina Pellegrini dice que la Carpeta de los Diez fue la primera clínica de fotografía creada en la Argentina. Me parece que fue la primera y la última. ¿Ustedes conocen otra?

. Eduardo Longoni piensa que hoy no sería posible el nível de crítica que practicaba este grupo. ¿Por qué no?. Me pregunto, les pregunto.

. Aquellos fotógrafos y los que luego crearon el grupo Forum, ¿eran más generosos y menos “cuidas” que los de hoy? Una opinión aquí por favor

Si querés publicar tu foto en esta sección, enviala a dmerle@lanacion.com.ar. El documento debe estar a 600 pixeles de lado mayor, 72 dpi de resolución y comprimido en jpg. También podés agregar los datos técnicos de la toma y la cámara que fue utilizada.

Alejandra Laviada presentó su muestra Foto Esculturas en PhotoEspaña 2010,  premiada en la revisión de portfolios PHE 2009. Ahhh… es martes amigos/amigas…. Ya saben lo que pienso de los martes… No me van los martes!

Me bajo de mis caprichos por un momento y les muestro el videito donde Alejandra nos cuenta qué piensa de este pequeño debate acerca de la relación entre fotografía y pintura. Alejandra es fotógrafa. Pero se formó en el pintura. Su punto de vista y su técnica es la de una fotógrafa. Y sus sujetos (las esculturas efímeras que hace,  o los ready made que encuentra) están en relación directa con su temprana formación. Acá abajo, les muestro una visita guiada de Alejandra durante la inauguración. Amorosa la chica, no?

¿Qué les parece la combinación? No me quiero poner talibán y empezar a buscarle el pelo al huevo. Pero una buena discusión acerca de este asunto puede encarrilar a más de un artista bien intencionado pero confundido en su camino.

¿Se han acabado los temas en la fotografía? ¿Ya se hizo todo?. El soporte digital o analógico no es un dilema. Lo que me preocupa es que los temas fotografiables (casi todo lo que hay a nuestro alrededor) no sean tratados de acuerdo  a la técnica. Y acá si, les cuelgo una lista:

1. ¿Por qué se está abandonando el registro de lo espontáneo en fotografía?

2. ¿Es más fácil armar una situación fotografiable que encontrarla en la pura realidad?

3. ¿Ven el trabajo de Alejandra como una evolución en la búsqueda del “objeto encontrado”?

4. ¿Ya no es válida la inmediatez característica de la fotografía frente a las “estrategias”?

5. ¿Qué pensaría Man Ray de lo que está pasando ahora en la fotografía de autor?

6. ¿Por qué las fotografías de prensa actuales han perdido capacidad de asombrar, informar y entretener?

7. ¿No estaremos demasiado atados a los viejos “históricos” de la fotografía, y no le damos lugar a los “nuevos” históricos?

8. ¿Cuál es el peor día de la semana para ustedes?

Ayer a la mañana me desperté tempranito. Desayuné: una tortilla, pan con jamón, dos vasos de jugo de naranja, tres tazas de café con leche. Y para rematar, dos mediaslunas. Ahi si, me sentí mucho mejor y caminé hasta el Circulo de Bellas Artes para asistir a la visita guiada (video de arriba) que dio Oliva María Rubio sobre la muestra “Làszlò Moholy-Nagy. El arte de la luz”. Tal vez, una de las mejores muestras de PhotoEspaña este año…

Son cuatro minutos de video. Está mal editado. Pero comprendan que le estoy quitando horas… al almuerzo! Lo que importa es lo que dice Oliva María. Yo les pregunto: si miramos en el horizonte del arte (que no de la fotografía) mundial de la actualidad, ¿podremos encontrar un genio como Moholy-Nagy?. Yo lo conocía más que nada por sus fotos y sobre todo sus fotogramas, La Nueva Visión, etc. Pero además fue diseñador, escultor, pintor, cineasta, educador, editor, ensayista… Y se murió joven! A ver, si me dan tres nombres en el panorama mundial, y uno en el ambiente local. Les llevo un jamón con bellotas de premio.

De ahí me fui corriendo a la conferencia de prensa de Adriana Lestido. Tengo un videito pero no lo edité todavía. Ahhhh.. estuve en la inauguración de las expos de Bleda y Rosa y del inglés Jem Southam. Lo de los españoles me pareció un poco frío (foto de abajo). Lugares para la memoria en Berlín, Jerusalem y Washington. Yo lo veo muy políticamente correcto. ¿Ustedes que piensan?

Por el contrario, lo de Southam es de una poesía increible. Me gustaron las secuencias temporales y el tratamiento del color. Pero la verdad, no se veía mucho. Estas dos exposiciones fueron el punto elegido para la inauguración oficial de PhotoEspaña 2010. Asi que entre las autoridades oficiales, la enorme cantidad de prensa reunida, los invitados, los colados y demás, lo único que recibí fue un golpe en la pantalla de mi Canon!. Ahora tengo el display rayado y es algo que me pone de muuuuuuuy mal humor.

El paisaje de las ciudades, el paisaje de la naturaleza. Aproximaciones parecidas, pero sólo en apariencia. Lo que importa aquí es el paso del tiempo. Y el pensamiento poético y visionario de Moholoy- Nagy: “Producir es crear”

Ya estoy en Madrid. PhotoESpaña 2010 ha comenzado! Iba a la Carrera al Teatro Fernán Gómez para la inauguración de Entretiempos. Instantes, intervalos, duraciones… y miren con qué me encuentro sobre las rejas de Casa de América? Si, si! “La Salsera”, de Adriana Lestido, en tamaño gigante. Mañana inaugura su retrospectiva con gran fiesta.

Llegué justito para escuchar la charla que dió el comisario general de PhotoESpaña y curador de “Entretiempos..” Sèrgio Mah. Y aqui si, amigos/amigas, les cuelgo tres clips. El de arriba es una explicación de Sergio acerca de la obra de Jeff Wall. Una puesta en escena, y el efecto paradójico que puede tener sobre el observador. Pensar en que pasó antes, o qué pasó después del click. Si todo es una ficción, ¿qué sentido tiene? Igual lo pensamos! la fotografia es asi.

Después le hice una pregunta a Sergio sobre la obra del español Ignasi Aballí. No se queden con la torpe pregunta mia, por favor. Lean el reportaje a Aballí y después me dicen qué piensan del arte apropiado.

Y por último la inglesa Clare Strand me la dejo picando y no me dijo quién toma las fotos en su trabajo “Huellas de una Lucha” ¿A ustedes también les parece que no es importante saber quién las tomó? Yo no sé, me parece que no.

En fin, me voy a dormir. Tardé demasiado en hacer este post. La conexión es lentísima, el hotel excelente! Los argies festejamos mañana con Adriana. Ahhh! a las 9 de la mañana hay gran inauguración de László Mohogoly Nagy en el Circulo de Bellas Artes. A corrrrrrrrrer..