De menor a mayor: David Fincher

*Figura del día: David Fincher

*Una cita memorable: ”I think people are perverts (…) that’s been the foundation of my career”

*Post del lunes: Retrospectiva de los hermanos Dardenne por Javier Salas Bulacio

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Cinco años (y 1.100 posts) después…

“There are places I remember
all my life though some have changed,
some forever not for better,
some have gone and some remain
All these places have their moments
with lovers and friends I still can recall,
some are dead and some are living
In my life I’ve loved them all”

Cuando hace cinco años escribía el primer post de Cinescalas no tenía una vida sino dos. Por un lado estaba la vida común, la de todos los días, la de lo cotidiano. Salidas con amigos, visitas familiares, algún noviazgo, un trabajo más esquemático y menos creativo, los problemas de salud, lecturas, visitas al cine, viajes soñados, etcétera. Por el otro, estaba la vida del blog (y en el blog). Esa vida que era efímera. Era sentarme, escribir un rato, terminar e irme a la vida que estaba en primer plano. Cinco años después puedo decir que esa vida, la común, la de todos los días, fue aprehendida por la otra, la que parecía languidecer, la que parecía no ser tan importante en comparación, la vida de Cinescalas. No puedo precisar el momento en el que el blog se convirtió en un apéndice de mí misma pero sí puedo precisar el efecto dominó que causó. Para eso simplemente tengo que tomar un hecho mínimo y diseminarlo. Ejemplo: hace unas semanas festejé mi cumpleaños y vinieron, entre otros, Jessi y Ezequiel. Jessi y Ezequiel viven juntos pero hace unos años no se conocían. Ahora no solo estaban en casa compartiendo un día especial sino que además traían en sus manos un vinilo de Soda Stereo. Cuando lo hice sonar la mañana siguiente me acordé de Lore y del rostro de Gustavo Cerati que se puede ver en su taller. El taller me remontó al rodaje de No estás solo en esto en Tafí Viejo, donde con Mili compartimos varias experiencias que forjarían nuestro vínculo actual. Pensar en Mili también es pensar en la primera vez que la vi, durante la presentación de Démosle un buen final a esta historia. Si vuelvo a ese día, vuelvo a la posibilidad de cantar con Antolín y vuelvo a cómo Cat y Caro empezaron a escuchar sus discos y a tararear sus canciones en otro día cualquiera en mi casa. Mi casa. La casa donde también pasó una noche Luján en una visita fugaz, donde Rodri dejó su vaso de Fernet, donde Gise recibía uno de los primeros regalos para Sofi, donde Fede se bañó después de trasnochar viendo un recital de Vox Dei. Recitales. Los recitales me remiten a Dario, a quien me crucé en un evento mientras esperaba que salga Mi pequeña muerte al escenario para tocar alguna canción de alguna película de Ezequiel Acuña. Ezequiel, a su vez, me transporta al Festival de Cine de Mar del Plata, donde presentó La vida de alguien, película que traduje al inglés y en la que participé como extra junto con otros integrantes de esta comunidad. Y Mar del Plata es sinónimo de Julieta, Tamara e Ignacio. Es sinónimo de proyectar por primera vez un documental que ustedes facilitaron y que ahora, en un mes justamente, van a poder ver en Capital Federal, en la Universidad Nacional de las Artes. Asimismo, el sitio web de la UNA, que ahora incluye la proyección de No estás solo…, me hace acordar a José. Me hace acordar a las primeras veces que visité la página para chequear si podía asistir a su curso sobre True Detective, cuando él recién empezaba a comentar en el blog. Y True Detective me remite a las charlas con los dos Matias (Rodriguez y Vega) y al sarcasmo de Edu en sus 140 caracteres de Twitter. Y Twitter me hace pensar en Anis, Fernando y Giselle, cuando intercambiábamos canciones como parte del ritual de La Brigada Noctambulista. Y esa brigada me obliga a repasar otros términos/rituales que surgieron acá, desde el post del baboseo, pasando por las playlists de los jueves hasta las notas de los lunes. Necesito un cuadro sinóptico ahora. Necesito de flechas y más flechas para ilustrar cómo, a medida que muchos caminos se fueron cruzando, esas dos vidas que yo tenía se fundieron en una. Puede resultar extraño si escribo que pienso en ustedes diariamente, pero es tan cierto, es tan cierto como la cita de Hanif Kureishi de The Buddha of Suburbia: “I could think about the past and what I’d been through as I’d struggled to locate myself and learn what the heart is. Perhaps in the future I would live more deeply. And so I sat in the centre of this old city that I loved, which itself sat at the bottom of a tiny island. I was surrounded by people I loved (…) I thought of what a mess everything had been, but that it wouldn’t always be this way”. Y hay más, mucho más. Palabras, personas que pasaron y se fueron, personas que llegaron un día y no se fueron más, personas que estuvieron desde el principio. Hace unas horas, cuando les editaba el video que les dejo aquí abajo, pensaba en lo afortunada que soy de haber conocido a tanta gente, de poder asociar tantas películas, músicos y autores a tantos nombres, y es por eso que temo haberme olvidado de alguien (perdón a quien corresponda). También pensaba en lo afortunada que soy de que en cada aniversario del blog siempre haya algo para compartir (en este caso, que muchos de ustedes van a poder ver el documental, ya sea en Mendoza o en C.A.B.A. y en un futuro inmediato a nivel internacional, noticia que me guardaré para dentro de unas semanas), en lo afortunada que soy por el camino recorrido, uno que empezó tímidamente cuando mi vida era puro desorden del malo. Porque este, el desorden de las conexiones, es necesario y hermoso. Un caos hermoso. Como cantaban ellos: “es larga la carretera cuando uno mira atrás, vas cruzando las fronteras sin darte cuenta quizás”. Parece que así es. Porque en el blog, casi sin darme cuenta, pasó todo esto. Pasaron 1.100 notas. Pasaron cinco años. Se pasó esta media década. ♦

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► [VIDEO-REGALO DE ANIVERSARIO POR ESTOS 5 AÑOS Y 1.100 POSTS] ¿En qué pienso cuando pienso en ustedes? En todo esto:

CINCO AÑOS DE CINESCALAS (¡ Y 1.100 POSTS!) from Mili Amondaray on Vimeo.

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► [DATOS DE LA PROYECCIÓN QUE MÁS ESPERÁBAMOS] No estás solo en esto se proyectará en Capital Federal en un mes y allí nos veremos (ACLARACIÓN/FE DE ERRATAS: LA PROYECCIÓN ES A LAS 20HS., después corregiremos el flyer):

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¡BUEN MARTES PARA TODOS! En este post aniversario, una sola consigna: mencionar qué películas asocian a miembros de este espacio/qué películas asocian al blog mismo y felicitar :P ; como siempre, mil gracias a todos por estar acá después de media década, espero que les haya gustado el video; que tengan un excelente día y nos reencontramos mañana con el post de Maggie; ¡feliz aniversario para ustedes también, muchachada!

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¡CINCO AÑOS! ¡FESTEJEMOS! 

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Deathmatch: Películas ganadoras del Oscar

Si nos retrotraemos al período en el que la Academia premiaba películas como Annie Hall, Teas of Endearment o The Last Emperor, e incluso si vamos mucho más atrás para recordar el momento en el que It Happened One Night y Rebecca fueron elegidas como las mejores películas de sus respectivos años, llegamos a una conclusión irremediable: en las últimas décadas, independientemente de nuestras propias predilecciones, los Oscars activaron el piloto automático y, contrario a lo que se pueda creer, se cerraron aún más en sus visiones. Resulta paradójico que incluso incrementando la cantidad de películas nominadas no se perciba una mirada más amplia y menos perezosa. Por lo tanto, aunque los reconocimientos a No Country for Old Men, The Departed y The Hurt Locker hayan generado disenso y avivado el debate, se convirtieron en los pocos ejemplos de recientes triunfos en apartarse de la norma, una norma que incluye premios a A Beautiful Mind por sobre Moulin Rouge!, a Chicago por sobre The Pianist y a Gangs of New York o a Slumdog Millionaire por sobre Frost/Nixon. Sin embargo, los dos exponentes más claros de cómo la Academia casi siempre juega a lo seguro fueron los triunfos de Crash por sobre Brokeback Mountain y de The King’s Speech por sobre The Social Network. A la Academia no le gusta ser desafiada, en raras ocasiones se inclina por producciones herméticas con finales abiertos (de ahí que el premio a No Country for Old Men sea uno de los más interesantes de los últimos años), y por lo general hace llegar a una producción a un cierto estadio pero sin otorgarle el reconocimiento máximo. Esto sucedió con la película de Ang Lee y más notoriamente con la de David Fincher, que había sido la niña mimada de toda esa temporada de premiación. Ambas, a su vez, no pasarán a la historia como una de las mejores películas premiadas con el Oscar, pero sí como aquellas que en el inconsciente colectivo resuenan como ganadoras a pesar de no haberlo sido. Eso, claro, se lo podemos atribuir a un solo factor, a una sola conclusión reformulada de modo interrogativo: ¿cuánto más nos puede dejar The King’s Speech en una segunda visión y cuánto más tiene para ofrecernos la película de Fincher? En esa respuesta está la clave.

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► [UNA BUENA] Annie Hall gana el Oscar en 1977:

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► [UNA MALA] The King’s Speech le gana a The Social Network:

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► [COMPILADO] Todas las películas ganadoras del Oscar, desde Wings hasta The Artist (Argo no está incluída):

Academy Awards: Best Picture Oscar Winners from Nelson Carvajal on Vimeo.

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¡Hola a todos! Último Deathmatch “oscarizado” de los jueves: De todas las películas ganadoras del Oscar, ¿cuáles son sus favoritas y cuáles les parecieron injustamente premiadas? Los invito a hacer catarsis, no sin antes dejarles este machete para que hagan memoria; ¡los leo y nos rencontramos mañana, como siempre!

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DEATHMATCH WINNER… COMING SOON

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… TODOS LOS ACTORES GANADORES DEL OSCAR

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GIF OBLIGATORIO:

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Por favor, rebobinar: Las películas del 2000

Puedo hacer un listado de todos los motivos por los cuales The Social Network es mi película favorita del 2000 – aunque haya llegado en el 2010, ahí, un poco cruzando el límite -, muchos de los cuales ya he esbozado en este post, en este otro e incluso en un análisis adyacente. Pero si me corro de las respuestas preconcebidas, aquellas que puedo repetir en un ciclo interminable, si me corro de los argumentos más tradicionales (aunque válidos), The Social Network siempre conserva algo que me hace volver sobre ella con la misma fascinación del momento de su estreno. Ese algo va cambiando de forma, ese algo es análogo a la frase “cada vez que la veo le encuentro una cosa nueva”, y ese algo hoy, el día que escribo este post, es un detalle que quizás solo cobre dimensión en una cuarta, quinta, sexta visión. La perfección del film de David Fincher puede bien ser ejemplificada con la manera en la que presenta a sus personajes y aquí es donde la simbiosis con el guión de Aaron Sorkin parece estar fuera de discusión. Cuando lo vemos a Mark por primera vez sentado en una mesa de bar, hablando sobre sus aspiraciones en detrimento de las de Erica, no hace falta mucho más. Todo lo que tenemos que saber sobre él está en ese conocimiento iniciático. Lo mismo pasa con Eduardo, a quien vemos por primera vez ingresando a la habitación de Mark para ofrecer su ayuda. Lo mismo pasa con Sean, a quien vemos por primera vez con una joven en una cama y atento a una posibilidad de negocio. Me asombra eso. Me asombra que cada escena esté configurada de modo tal que sepamos quiénes son cada uno de esos integrantes de esa gran competencia de remo que es la vida y su naturaleza sinuosa. Y esto me lleva a algo macro que hace de The Social Network una anomalía: se mete con un tópico “actual”, “contemporáneo”, y le remueve las comillas para volverlo atemporal. ¿Cuántas películas pueden trascender tomando algo relativamente novedoso como Facebook porque tienen la vista en otro lado? Pocas. Quizás porque nunca se trató de Facebook. Quizás porque en esa competencia de remo de los hermanos Winklevoss están las respuestas acerca de todas las pequeñas carreras que uno entabla todos los días. Quizás porque de la exultante necesidad de afirmar “I’m CEO, Bitch!” somos pocos los que permanecemos ajenos; y quizás porque con la frase “The Internet is not written in pencil, is written in ink” la película se está definiendo a sí misma y a su irrefutable perdurabilidad. 

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 ► [ESCENA] La increíble y metafórica secuencia de la competencia de remo de The Social Network:

The Social Network Rowing Scene from jeong jj on Vimeo.

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 ► [COMPILADO] Lo que el 2000 nos dejó:

the films of the 2000s from Paul Proulx & Jessica Sargent on Vimeo.

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► [GALERÍA] Las mejores películas del 2000 según sus aportes (galería acotada, pero representativa):

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¡Buen miércoles para toda la muchachada! A pedido del público, retomamos la sección POR FAVOR REBOBINAR con una única consigna: ¿cuáles son, a su criterio, las mejores películas del 2000 al 2010? ¡Espero sus comentarios así retomamos las galerías y utilizo sus aportes para incorporar a la base de datos! Los leo, que tengan un gran día y nos vemos mañana con un polémico Deathmatch :P

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La última vez hablamos sobre… LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA DÉCADA DEL 50

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El cine por las ramas: Los mejores guiones

myfilm.com

“Erica Albright’s a bitch. You think that’s because her family changed their name from Albrecht or do you think it’s because all BU girls are bitches? For the record she may look like a 34C, but she’s getting all kinds of help from our friends at Victoria’s Secret. She’s a 34B, as in barely anything there. False advertising”. Disculpen que abra un nuevo post – y una nueva categoría, para el caso – con una cita tan larga enteramente en inglés. Quería ser bien gráfica en cuanto al espíritu de la sección, que va a consistir en explorar los distintos planos (o ramas) del cine, no solo con mi visión sobre ellos sino también con el aporte de especialistas que trabajan en la materia y con las apreciaciones de todos ustedes que, como es evidente, siempre nos ayudan a configurar ese caleidoscopio de miradas que es el blog. The Writers Guild of America dio a conocer su lista de los 101 mejores guiones de la historia del cine. Los primeros diez puestos fueron para Casablanca, El padrino, Chinatown, El ciudadano, La malvada, Annie Hall, Sunset Boulevard, Network, Una Eva y dos Adanes y El padrino II. Tomé esta lista como disparador para la nueva sección y, buceando en la cantidad de material que tenía en mi mente para arribar a mi elección, opté por el guión de The Social Network. Ya he escrito en más de una oportunidad sobre el film de David Fincher pero quiero agregar algo respecto al guión de Aaron Sorkin que me conduce de regreso a la frase de apertura de este post. Sorkin inventa un personaje que no estaba en el libro en el cual se basó (The Accidental Billionaires) y pone en boca del mismo dos o tres sentencias que modifican la vida del protagonista. El personaje es Erica Albright, uno de los mejores MacGuffins del cine contemporáneo, quien impulsa a Mark Zuckerberg a bloguear primero, crear Facemash después y finalmente a desembocar en su máximo logro: (The) Facebook. Pero Erica no solo aparece en el comienzo. Sorkin decide, astutamente, incluirla en la mitad del film, donde otra de sus brillantes frases (“you write your snide bullshit from a dark room because that’s what the angry do nowadays”) acrecientan la ambición de Mark por expandir y expandir. Y no solo eso. Erica también aparece en el final, en forma simbólica, en esa pantalla, con esa foto de perfil que Mark mira y mira, para luego enviar una solicitud de amistad. Es decir, el guión se inicia con un encuentro cara a cara entre ambos y concluye con un encuentro virtual. Es perfecto no solo porque es cíclico. Es perfecto por todo lo que dice sobre el hecho de pertenecer, sobre la amistad y, más que nada, sobre la soledad de alguien que motivó a erradicarla.

Un fragmento del guión de The Social Network por Aaron Sorkin

En el prólogo al guión de su maravilloso largometraje Historias extraordinarias, Mariano Llinás escribe lo siguiente: “Como nadie ignora, un guión cinematográfico no es otra cosa que una serie de fantasías y de intenciones futuras. Más allá de su estilo afirmativo y su aparente convicción, las escenas que figuran en él no son otra cosa que una mera especulación optimista de lo que puede llegar a suceder (…) En rigor, allí donde cualquier guión dice ‘Jorge camina por la calle desierta’, debería decir algo así como (…) ‘sería deseable que Jorge caminara por la calle desierta, o de ser posible, Jorge caminará por una calle que, si todo sale según lo previsto, se encontrará desierta’. Lo cierto es que, más allá de lo que diga el guión, hasta que el film no esté listo o al menos hasta que una escena no esté filmada, nadie puede afirmar que Jorge vaya a caminar por calle alguna. El guión miente: Jorge aún no existe”. Me gusta esta cita porque Llinás, a través de ella, está definiendo al guión como un elemento prometedor del cine, como el inicio, como su costado esperanzador. Como un mundo de posibilidades. Pero un guión es mucho más. Por eso, invité a esta sección a tres guionistas recibidas del CIEVYC en la carrera Técnico Superior en Guión de Cine y TV para que nos cuenten en qué consiste, para ellas, un buen guión. Un saludo especial para Jessica, una amiga de la casa, quien inicia el recorrido por esta rama del cine con las siguientes palabras…

Lo dijo Billy Wilder: “lo más importante es el guión”. Lo dijo quien escribió unas sesenta películas. Allí está lo que se quiere contar pero sobre todo donde se plasma el cómo se va a contar. Con una estructura clásica o una no lineal, lo primordial sería que no se noten los hilos y que el guionista no subestime al espectador, no le deje todo servido, para que pueda llenar los espacios en blanco, ya que así la experiencia se torna más rica e interesante. El ciudadano de Orson Welles fue una película que marcó un antes y un después en la historia del cine, aunque en su momento pasara casi desapercibida, porque rompe con muchas tradiciones del cine clásico. Esta película incluso ganó un Oscar (el único) por Mejor Guión Original y lo cierto es que no sólo en esa herramienta innova. Pero quien la ha homenajeado más recientemente (bueno, a fines de los 90), es Todd Haynes, en una película de la que ya tuve la oportunidad de escribir en el blog: Velvet Goldmine. La estructura que utiliza el director y guionista es muy similar a la de la película de Welles. El ciudadano empieza con la muerte de Charles Foster Kane; en Velvet Goldmine, a los pocos minutos de empezada la película, muere Brian Slade. Dos periodistas van a investigar algo; en El ciudadano, el significado de su última palabra, ¿qué significa Rosebud? (aunque hasta el día de hoy se discute por qué sería un plot hole el hecho de que la enfermera entre justo después de que él susurre esa palabra); en Velvet Goldmine, se investiga qué fue de Brian Slade, ya que después de su muerte los periódicos (también como en El ciudadano) anuncian que fue una actuación y tras el fracaso de su “obra de arte”, éste desaparece. A través de las entrevistas que cada periodista hace (en el caso de Velvet Goldmine se suman recuerdos propios que se relacionan directamente con su fuente de investigación), van construyendo una historia, un personaje en realidad. Uno de los periodistas cumplirá su meta de llegar a la verdad, el otro nunca podrá hacerlo. Obviamente Velvet Goldmine toma prestada gran parte de la estructura de El ciudadano, pero en otros aspectos es más libre, se permite hablar de seres que vienen de otros planetas, introduce varios videoclips, la sexualidad está muy presente y hay muchas referencias a Oscar Wilde, todo para  lograr plasmar de una manera única lo que fue la época del Glam Rock.

 Les dejo un fragmento de Velvet Godmine:

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Un buen guión es el que logra que el espectador se involucre. Ya sea desde la construcción de los personajes como desde la historia misma. Logra una conexión que hace que el relato se sienta, en cierto modo, como algo propio. No subestima al espectador, de alguna manera lo hace trabajar y le permite formar parte. También creo que es bueno que al final no sólo el personaje se vea modificado, sino que también el público también sienta que algo en él cambió o lo dejó movilizado. Uno de mis guiones favoritos es el de la película de Bob Esponja. Cada vez que comento esto la gente suele soltar risitas burlonas. Por alguna razón muchos consideran que las películas infantiles no son cine, son algo menor… cosas de chicos. No creo que los chicos sean peores espectadores que los adultos. De hecho, captar la atención de un niño es dificilísimo. Si nos ponemos a pensar en las películas que más recordamos de nuestra infancia, en general son aquellas que contaban algo y que nos marcaron. Yo estoy “grande” para Bob Esponja, y sin embargo creo que la construcción de la historia de la película es digna de estudio en libros de texto. Esta película recorre al pie de la letra el camino del héroe, es lo que se dice un “guion clásico”. Pero está tan escondido abajo del delirio del universo de Bob Esponja que pasa desapercibido. Tal vez sea por eso que “los grandes” no pueden apreciar la belleza detrás de este guión. Porque todavía no se dieron cuenta que, en el fondo, todos somos cacahuates y que para ser valiente no hace falta crecer.

 Disfruten de esta escena de Bob Esponja:

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Un guión es bueno siempre y cuando la historia, su tema, sea atrapante. De esa manera, se podrá atraer al espectador a la pantalla. Con un buen arranque no está todo dicho, el desarrollo de la historia debe dejar al espectador queriendo más hasta la culminación de la película. En el guión de Todo sobre mi madre, obra de Pedro Almodóvar, el tema principal a mi entender es el amor. La protagonista, Manuela (Cecilia Roth), es un personaje a quien la persigue la desgracia y, sin embargo es una persona con mucho amor para dar. [SPOILERS] Amor capaz de seguir el corazón de su hijo, luego de que éste muera y sus órganos sean donados. Amor capaz de soportar en un pasado lejano a un esposo que decide convertirse en mujer y tener una vida que ella no había planeado. Amor al acoger a Rosa (Penélope Cruz), una joven que queda embarazada de Lola (ex esposo de Manuela) y luego al dar a luz muere, quedando el pequeño al cuidado de Manuela. En todo momento el guión es un drama puro, que va acompañado con una música que eriza la piel, la cual no dudo que haya estado planeada desde el guión, ya que las situaciones están muy marcadas por la banda sonora y cada personaje tiene ese algo que hace que la película sea una obra maestra.

 Algunas imágenes de Todo sobre mi madre:

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Muchachada, inauguramos la sección con las preguntas: ¿Cuáles les parecen los mejores guiones del cine? ¿Qué historias les resultaron más “redondas” y lograron atraparlos de principio a fin? Pueden elegir las mejores adaptaciones, aquellos guiones más originales en su estructura, lo que más les atraiga como espectadores; espero sus comentarios y propuestas de una nueva rama del cine sobre la que quisieran debatir próximamente; ¡Buen miércoles! ¡Nos reencontramos mañana!

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