Sus películas del año (y un video de regalo) (¡y Feliz 2016!)

Hay que vivir en lo inhabitable. Hace unos días me pasó (y me sigue pasando, y seguirá y seguirá…) que tuve que enfrentarme realmente a eso. Lo que escribe Allie Brosh en Hyperbole and a Half y lo que muestran determinadas escenas de Inside Out me resultaba, hasta hace dos semanas, un poco lejano. Es decir, debía adaptarme a decepciones y situaciones desafortunadas pero cada problema era transitorio y el peso se caía inmediatamente. Mi preocupación era efímera. Sin embargo, la reciente pérdida de mi abuela me forzó a vivir, como Riley en esa mudanza impuesta, en la angustia en la que nadie quiere habitar. Lo irreversible tiene eso, supongo. Que no se puede hacer nada al respecto. Que me tengo que guardar las palabras que quiero decirle porque no puedo ver su reacción. Y no soy buena para eso. No soy buena guardándome las palabras. Es extraño porque Inside Out no está en el listado que podrán ver más abajo y aún así, durante estos días, fue la película que más presente tuve. Porque atravesar los estadios del duelo es sentir en todo el cuerpo cómo tus distintas emociones empiezan a batallar. Lloro y dejo de llorar. Me enojo pero después acepto la realidad. Niego la muerte pero lo cotidiano me obliga a lidiar con ella. En este año me sucedieron muchísimas cosas que me pusieron de cara a esa clase de subibaja emocional. Un mes en Nueva York, una nueva relación, varios viajes, proyecciones de mi documental, mucho en poco tiempo, pero nada comparado con estos días. En doce días sentí más que en doce meses. Extrañar hace eso. Te lleva hacia atrás (qué lindo era ser niño y que tu abuela te hablara) y te lleva hacia adelante (qué feo ser adulto y que tu abuela no pueda ya decir una palabra), como una hamaca a la que todavía no le encuentro freno. Al comienzo de su historieta, Brosh recuerda que cuando era más chica le había escrito una carta a la Allie del futuro. Si este post fuera uno epistolar, le diría a la Milagros del 2016, la que va a escribir un nuevo balance en Cinescalas el año próximo, la que nuevamente va a necesitar ayuda de Matias para editar el video con fotos de la comunidad, la que va a mandar mails pidiendo esas fotos, que lo que está sintiendo hoy va a mutar en otra cosa. Sí, le diría eso. Le diría que en este lugar, todos los días, se juntan personas que le cambiaron la vida en formas quizás inimaginables para muchos. Le diría que tiene que dar las gracias por eso, prender la computadora, abrir una pestaña, entrar a WordPress y armar un nuevo post. Para reconectarse con lo que le gusta. Y para extrañar un poco menos. 

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MI TOP TEN DE PELÍCULAS DEL AÑO (y tres yapas):

 ► 1. THE END OF THE TOUR (James Ponsoldt)

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► 2. MOMMY (Xavier Dolan)

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► 3. WHIPLASH (Damien Chazelle)

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► 4. TANGERINE (Sean Baker)

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► 5. IT FOLLOWS (David Robert Mitchell)

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► 6. MAD MAX: FURY ROAD (George Miller)

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► 7. A MOST VIOLENT YEAR (J.C. Chandor)

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► 8. THE MARTIAN (Ridley Scott)

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► 9. LOVE & MERCY (Bill Pohlad)

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► 10. LILTING (Hong Khaou)

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*MENCIÓN ESPECIAL DEL AÑO: TODOS ESTÁN MUERTOS (Beatriz Sanchis)

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► *MEJOR DOCUMENTAL DEL AÑO: GOING CLEAR: SCIENTOLOGY AND THE PRISON OF BELIEF (Alex Gibney)

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► *MEJOR PELÍCULA DE OTRO AÑO QUE DESCUBRÍ ESTE AÑO: PLAN B (Marco Berger)

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► [VIDEO DE REGALO] SUS PELÍCULAS DEL 2015: Como siempre, les dejo el compilado de sus films favoritos del año con todas las geniales fotos que me mandaron y algunas sorpresas más; quisiera agradecerle a Matias Aimar nuevamente por ayudarme con la edición del video y a ustedes por formar parte del mismo y tomarse el tiempo para desplegar su ingenio en imágenes; ahora sí, que lo disfruten, a darle play: 

Cinescalas - Video Fin de año 2015 from lanacion.com on Vimeo.

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► [VIDEO DE YAPA] Como siempre también, les dejo el gran repaso que hace David Ehrlich de todo el cine visto en el año; nuevamente hago la salvedad de que Ehrlich hace una selección de sus películas favoritas a la hora de armar un compilado que me resulta imprescindible por cómo combina lo mejor de los soundtracks del 2015 con lo mejor que ha dado el cine:

THE 25 BEST FILMS OF 2015: A VIDEO COUNTDOWN from david Ehrlich on Vimeo.

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¡BUEN DÍA PARA TODOS! Ya saben qué hacer en este post muchachada: elegir sus películas favoritas del año según las categorías que mencioné más arriba (desde ya que están invitados a sumar algunas nuevas); les deseo que comiencen este 2016 de la mejor manera posible y les agradezco por estar acá en un nuevo año del blog, me sigue resultando increíble que CINESCALAS haya comenzado en el 2010, han sucedido muchas cosas por acá, sin dudas; por otro lado, les cuento que me voy a tomar un par de semanas de vacaciones del blog, pero les dejaré dos Open Post (uno el domingo 10 de enero para quienes quieran comentar la ceremonia de los Globos de Oro) y otro el jueves 14 con motivo de las nominaciones al Oscar; por mi parte, yo vuelvo a actualizar normalmente el lunes 18 de enero; ¡que tengan todos un gran comienzo de año! ¡nos reencontramos en el 2016!

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¡FELIZ 2016, MUCHACHADA!

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The End of the Tour: Mi cuerpo es una jaula

“Everybody is identical in their secret unspoken belief that way deep down they are different from everyone else” – David Foster WallaceInfinite Jest

No sé si alguna vez se preguntaron qué es lo que hacen, consciente o inconscientemente, para sentirse un poco más extraordinarios dentro de la vorágine de rostros de la que formamos parte y a la cual contribuimos para forjar su uniformidad. Lo extraordinario para algunos puede ser la constitución familiar, la particular mirada de un hijo. Sin embargo, el acto de llevar a ese hijo a la plaza y ver cómo muchos otros padres están ejecutando la misma actividad nos vuelve a meter dentro de la vorágine. Lo extraordinario para otros puede ser realizar un viaje, planearlo con dedicación, pisar una calle que meses atrás les parecía tan lejana, la misma calle que transitada por unos cuantos pares de pies más que, iguales a los otros, también hallaron esa intersección con la persistencia de la búsqueda, el ahorro, la famosa prepotencia del trabajo. El trabajo, ese que a veces nos ayuda a considerarnos especiales, nos alimenta, aunque parcialmente debamos mantenernos dentro de una jaula (“my body is a cage” diría Win Butler), ya que el desviar mínimamente la mirada para estar al tanto de lo que hace un-otro-que-hace-lo-mismo nos vuelve a privar de la unicidad. Al apartarnos de las generalizaciones, al focalizar en las tareas mundanas, nos encontramos con cientos de gestos que otros tantos hacen a la par nuestra (minutos antes, minutos después), gestos como lavar la ropa, limpiar una mesa cubierta de polvo, recoger del piso rastros de un plato roto, cambiar las toallas del baño, apagar la luz del velador. Entonces, ¿qué tiene todo eso de especial, qué es lo que erradica la sensación de vacío ante esa multiplicidad de acciones idénticas, qué es lo que nos devuelve la certeza de que podemos hacer una diferencia aún con esas condiciones preestablecidas? Paradójicamente, creo que es en la hermandad donde uno puede toparse con el consuelo, donde uno puede pensarse/volverse extraordinario. Que tanto vos como yo formemos parte de la multitud puede lograr que yo me sienta menos sola en mi solipsismo, que yo advierta que no soy la única persona que le teme a la intrascendencia, a la invisibilidad. Así, tomo noción de que mi vida no se desarrolla de modo aislado, y de que la convivencia (cuando implica conexión) es el antídoto ante el pánico por creer que, en la vorágine de la repetición, lo que yo hago no tiene réplicas, no modifica a un otro, no cambia nada. David Foster Wallace, doce años antes de quitarse la vida, escribía sobre la noción de camaradería social en su obra maestra Infinite Jest. Su descripción de esos ideales de profunda singularidad son menos el reflejo de un hombre ilusionado que el de uno desilusionado. “Creemos que solo nosotros amamos el ‘nosotros amamos’, creemos que solo nosotros necesitamos el ‘solo nosotros’” explica Wallace con ese alto control de la semántica, con la yuxtaposición de significados de los tiempos verbales, los pronombres, y sin olvidarse de hacer esa salvedad que, dentro de esas más de mil páginas de su libro, resalta como ninguna. “J.D. sabe lo que es sentirse solo, así que vos no te detengas a lamentarte, a meditar en la razón por la cual sos uno más que el resto, pensá que eso no va a cambiar, que siempre vamos a ser una cara en la multitud”. Wallace recibió el inevitable mote de heredero de J.D. Salinger – entre muchos otros autores con los cuales se lo emparentó -, por lo cual estaba bien al tanto de que incluso pergeñando algo único como Infinite Jest, no podía escaparle a las comparaciones. Wallace parece Proust. Wallace parece Pynchon. Wallace parece Salinger. Wallace, por su condición de ser mortal, estaba inmerso en ese universo de reglas de comparación, de reglas de unificación, de reglas de homogeneidad. Wallace formaba parte de esa jaula. En otro gran episodio de Infinite Jest uno de los personajes reflexiona, a partir de la necesidad de otro individuo por documentar con fotografías los buenos momentos (o la fama como sinónimo de los mismos), acerca de una de las grandes mentiras esparcidas en nuestro mundo. “La fama no es el escape de la jaula”. Su interlocutor le retruca: “entonces estoy atrapado de igual modo; si soy famoso o si tengo envidia de quien lo es; no hay salida”. Su aseveración es disipada con otra: “tenés que considerar que el hecho de escapar de la jaula seguramente requiera que seas consciente de la misma”. Dentro del enorme caudal de palabras de Infinite Jest - tantas y tan complejas, tantas y tan fascinantes -, me resuena el adjetivo “consciente”. Y sé por qué. Porque es difícil serlo. Es difícil convertirse en eso. Es difícil negarse a la atractiva tibieza que produce la filosofía del solipsismo.

“David, esto es lindo, pero no es real” le dice David Foster Wallace (Jason Segel) a David Lipsky (Jesse Eisenberg) en The End of the Tour, la cuarta y más perfecta película de ese artista de lo desprolijo que es James Ponsoldt. El David más “extraordinario” para el mundo se refiere a cómo pasó de estar confinado en un psiquiátrico por una depresión aguda a estar confinado en un avión que lo está llevando a Minneapolis, la última parada de la gira promocional de Infinite Jest. El David menos “popular” le hace ver, desde cierta ingenuidad por no ser él mismo una persona depresiva, el gran salto que dio, la radical transformación de su vida de la “infama” a la “fama”. Sin embargo, para Wallace ese reconocimiento crítico, ese éxito, esa veneración generalizada es meramente “linda” porque no le hace contrapeso a las voces en su cabeza. Para Wallace, ese avión en el que viajan es otra jaula más, como lo era su habitación durante el período de internación y como lo serían todas esas librerías en las que se detendría sin ganas de convertirse en orador de su propia obra, de explicarse, de recibir esas preguntas de respuesta fácil que a tantos les interesan porque a tanto les gusta hacer perfiles sellados de un personaje, etiquetarlo (¡Wallace es el nuevo Thomas Pynchon! ¡Wallace es el nuevo J.D. Salinger! ¡Wallace es el nuevo Marcel Proust! Etcétera, etcétera, etcétera), en lugar de tirarlo abajo y construirlo desde las imperfecciones. En este sentido, uno podría pensar que tanto Lipsky en su artículo para Rolling Stone devenido libro Although of Course You End Up Becoming Yourself (una frase que dice Wallace y que el escritor brillantemente descontextualiza para el título del registro de ese road trip) como Ponsoldt con su película están haciendo exactamente lo mismo. Ninguno de ellos se queda con las comparaciones, ninguno de ellos escupe clichés (definir a Wallace como “la voz de una generación”, aunque cierto, es otro modo de encerrar a los GenExers), ninguno de ellos defiende la pulcritud. Tomemos como ejemplo uno de los fragmentos más conmovedores del libro de Lipsky, aquel en el que describe cómo era ese otro espacio/jaula compartido con Wallace. “Cuando pienso en ese viaje nos imagino a David y a mí en el asiento delantero de su auto. Ambos somos tan jóvenes. Él quiere algo mejor de lo que tiene, y yo quiero precisamente eso que él tiene. Ninguno sabe el destino de su vida. El auto huele a tabaco masticable, soda y cigarrillos, y la conversación que tenemos es la mejor que tuve en mi vida”. Donald Margulies, en su brillante adaptación, omite de ese fragmento lo que Wallace y Lipsky escuchaban en el auto (R.E.M., quienes musicalizan el trailer, importante aditamento) y decide quedarse no con el Wallace empírico sino con el Wallace que transformó la existencia de Lipsky, con el Wallace visto a través de los ojos de ese joven ambicioso que se autodenominaba escritor para desagrado de quien detestaba esa misma clase de autoproclamación (“yo valoro mucho mi condición de ser un ser regular” le espeta Wallace), con lo más mundano que existe: el aroma inconfundible de un instante ídem. No es la primera vez que una obra de James Ponsoldt transpira, vive, es libre. En The Spectacular Now, el sudor en la remera de Aimee Finicky por estar bajo el rayo del Sol en una fiesta se hermana con el sudor visible en el cabello de Wallace que se le cuela por los bordes de su inamovible bandana, suerte de elemento poderoso, de herramienta que lo ayudaba – como sus perros, como su afiche de Alanis Morissette – a combatir el pánico que le generaba el sentirse un fraude por las enormes expectativas que Infinite Jest había suscitado. Eso mismo le atrae a Ponsoldt, la convivencia de lo ordinario con lo extraordinario en un mismo individuo, el cómo el hombre que concibió tamaña novela era el mismo que cantaba “You Oughta Know”. En su prólogo a Infinite Jest, Dave Eggers también reposa en esa contradicción. “David es de Illinois, es un hombre normal, regular, ordinario, y esta es su obra extraordinaria, su logro irregular y nada normal, algo que nos va a sobrevivir a todos, pero que va a ayudar a que las personas nos entendamos entre nosotras, que entendamos qué sentimos, cómo vivimos, qué nos regalamos mutuamente y por qué”. Fiel a su objeto de estudio, Eggers escribe en primera persona del plural para reconfirmar lo que Wallace auguraba en Infinite Jest. “Solo nosotros creemos que necesitamos el ‘solo nosotros’” y lo cierto es que no. Todos formamos parte de esa broma infinita que es el moverse entre los rostros, entre pares, e incluso entre pares que poseen el mismo nombre.

A medida que el tour va llegando a su fin, Lipsky en particular y la película de Ponsoldt en general van alterando su visión de Wallace, se van aproximando a un conocimiento (conocimiento que nadie jamás alcanzará, claro) de su persona menos periodístico y más humano. En consecuencia, se suscitan los choques de egos que el realizador muestra con una sutileza afín a su mirada (que Wallace le pida sucintamente a Lipsky que sea “un buen hombre” está diciendo mucho sobre los recelos naturales entre dos personas inconformes e inseguras), y se suscita también un enfrentamiento final desatado por la omnipresencia del grabador y la pregunta obligada de un periodista que ya quiere dejar de serlo. El miedo de Lipsky antes de indagar en la posible adicción a la heroína de Wallace se manifiesta a través de la temblorosa voz de Eisenberg, perfecto en el momento de interpretar cómo es tan fácil confundir los límites entre la objetividad y su contraparte. Sin embargo, es Segel quien con un devastador monólogo termina definiendo a Wallace mejor que nadie y quien más hondo cala. Según Wallace, su adicción no pasaba por la heroína o por el alcohol. Su adicción era la televisión y el consumo por inercia del flujo de información que lo detenía en una suerte de hoyo negro (pre-explosión de Internet y las redes sociales), sumada a su aversión ante la eventual evolución de la tecnología. Su adicción implicaba moverse dentro de la misma jaula una y otra vez, esa que tiene la forma de la depresión, estado del que era consciente pero del que no logró soltarse. “Cuando estás en un edificio y las llamas se te acercan, el miedo a caer y morir te parece la alternativa menos terrible, pero eso no significa que estás queriendo la caída sino que estás aterrorizado por las llamas” escribió en Infinite Jest. Esa vívida y gráfica metáfora de la depresión no omite al otro sino que lo incluye en la ecuación: “La gente puede gritarte ‘no, no te tires, esperá, aguantá, no lo hagas’, porque nadie puede entender la caída, tenés que haber sentido personalmente el encierro y las llamas para comprender cómo el miedo va mucho más allá del pánico al caer”. Margulies adapta esa analogía y, con un Lipsky rodeado de libros de Wallace y semidormido en un colchón (lo cual es un guiño a las pocas copias que tiene en su casa de su novela The Art Fair) y el autor de Infinite Jest apareciendo en el umbral de la puerta, los pone en contacto por primera vez sin un grabador de por medio. “Es horrible sentirse así, por eso no creo que ninguno de nosotros podamos cambiar, yo sé que todavía tengo esa parte de mí y supongo que estoy tratando con mucha fuerza no dejar que me maneje”. Cuando Wallace deja la habitación, Lipsky agarra su anotador y escribe esas palabras confesionales con velocidad, seguramente ya siendo consciente de que ese fragmento no será parte del artículo de Rolling Stone sino de su próximo libro, ya siendo consciente de que esa metáfora no puede ser extraída de una obra que, como Infinite Jest, haría sentir acompañada a mucha gente, precisamente lo mismo que a él le sucedió con Wallace: “esos días con él me recordaron lo que se siente estar vivo; en lugar de hacerme escapar de la vida cotidiana, me metió en ella; y si pudiera hablar con David ahora, le diría que me hizo sentir menos solo”.

Fragmento de Although of Course You End Up Becoming Yourself de David Lipsky

Mientras suena la melancólica música de Danny Elfman, Jason Segel baila, como lo hacía Wallace, en una iglesia bautista. “¿Por qué?” le había preguntado Lipsky antes, todavía en búsqueda de la respuesta de color, cuando la respuesta verdadera no estaba demasiado lejos: estaba en las páginas de Infinite Jest. “Me gustaría ser la clase de persona que puede disfrutar de las cosas en el momento en el que las hace, en lugar de siempre mirar para atrás y arrepentirse por no haberlas disfrutado entonces” escribió el autor. Antes de que los Tindersticks hagan propias las palabras de Stephen Malkmus con su cover de “Here” de Pavement (“last time was the best time I spent”), Wallace se mueve junto a los demás bailarines amateurs, con la bandana puesta y una sonrisa en su rostro. La sonrisa puede bien decirnos que Wallace conoció destellos del disfrute del presente que tanto anhelaba pero también puede estar hablando de que ser un rostro más en la multitud no está mal y que ser hermanados por el solipsismo tampoco. “Como tu escritura es personal, leerte es otra forma de conocerte” le dice Lipsky a Wallace en The End of the Tour, una película igual de transparente y honesta que la prosa de ese autor que creía que todos nosotros estamos acá para vivir en las polaridades: “podés moldearte o podés quebrarte, en el medio no hay mucho más”. 

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*ENTREVISTA CON JAMES DAHL, PRODUCTOR DE THE END OF THE TOUR

James Dahl, productor de The End of the Tour

¿Cómo llegó el proyecto de The End of the Tour a tu productora, Modern Man?

Yo soy un admirador de David Foster Wallace y de Infinite Jest en particular. Leí ese libro en un momento en el que necesitaba inspiración y funcionó como un elemento de catálisis porque me envió de vuelta al mundo, a pelearla, fue una experiencia significó muchísimo para mí. Por otro lado, desde el punto de vista de la prosa, no había leído un libro tan excitante desde Lolita de Vladimir Nabokov, me electrificó completamente, lo variada que era su prosa, cómo cambiaba su voz desde un capítulo a otro, y además me habló a nivel personal. Creo que Wallace estaba sintiéndose como mucha gente de mi generación, justamente éso es algo que se discute en la película, y yo me conecté con ese sentimiento en el libro. Por eso siento una enorme gratitud hacia Wallace. También pasé mucho tiempo con sus textos, tuve la posibilidad de leer el manuscrito de Infinite Jest, su diccionario, sus anotaciones, sus diarios, su biblioteca personal, algo increíble, increíble. Pasé alrededor de dos años leyendo todo sobre él y fue un enorme placer hacerlo. Asimismo, yo tenía un contacto frecuente con la productora Anonymus Content y con Matt, otro de los productores del film, por ende, cuando el libro de David Lipsky Although of Course You End Up Becoming Yourself llegó a nuestros escritorios antes de ser publicado fue genial porque era un libro sobre alguien que había pasado tiempo con David Foster Wallace y que pudo conocerlo más íntimamente, así que eso fue algo providencial, Lipsky es un brillante escritor y yo me enamoré de ese libro. Por lo tanto, fue algo orgánico que todos nosotros termináramos llevando adelante esta película y en ese sentido creo que Donald Margulies era la mejor persona en el mundo para escribir el guión

En tu texto “My Wallace, Your Wallace” escribiste que ustedes, como productores, estuvieron mucho tiempo “golpeando puertas para convencer a la gente de que valía la pena contar esta historia”. ¿Cómo fue ese proceso?

Una película como esta, sobre dos hombres hablando en un auto, y siendo uno de ellos un autor norteamericano no demasiado conocido, aún con dos estrellas en el proyecto, no iba a ser algo sencillo de “vender”. La sensación era que no había demasiado amor hacia David Foster Wallace y que la historia no iba a poder traspolarse bien al cine, pero eso era algo por lo cual no podíamos culpar a quienes se ocupaban del marketing y de promocionar el film por fuera de Estados Unidos, era entendible en cierto modo. Sin embargo, pasó algo muy interesante el día en que todos estábamos pensando que no íbamos a poder terminar la película con el presupuesto que teníamos, cuando todos armaron sus mochilas y se fueron a sus casas. Esa noche en Internet salieron alrededor de cien artículos sobre el proyecto en distintos portales del mundo, así que de la noche a la mañana advertimos que efectivamente había un feedback, un amor por la película, así que ésa fue la motivación que necesitábamos para volver a la mesa y empezar a producirla

James Dahl presentando el film en el Sundance Film Festival de Hong Kong

¿Cómo fue la etapa de casting? Jason Segel terminó siendo el actor perfecto para interpretar a Wallace pero me imagino que no debió haber sido la primera idea

Jason está increíble en la película, sí. Nosotros inicialmente estábamos buscando lo que todo el mundo llama “actores serios”, intérpretes más dramáticos, pero a veces uno se enamora de ciertas ideas que no puede explicar cuando está produciendo una película. Es algo similar a la compra de una casa, vos te tenés que visualizar a vos mismo en esa casa o departamento, tenés que tener tu corazón ahí. Eso fue un proceso interesante en The End of the Tour, porque los dos actores elegidos tenían que dar un salto de fe, era un gran desafío, una gran responsabilidad interpretar a esos escritores. Vimos a un par de actores primero, pero o no tenían tiempo para el rodaje o bien no estaban demasiado interesados en la historia. Luego el manager de Jason leyó el guión y nos dijo que deberíamos considerarlo para interpretar a Wallace y si bien nos dio un poco de dolor de cabeza al comienzo, nos duró solamente un minuto el prejuicio de que era solo un actor cómico. Es gracioso cómo a veces tu instinto puede fallarte tanto. Cuando lo conocimos a Jason y nos sentamos a hablar con él y vimos lo inteligente que era y el amor que sentía por el proyecto…no pudimos haber encontrado un escenario más ideal. Ahora no me imagino a otro actor como Wallace

Jason tiene una gran escena sobre el final, cuando se acerca a la habitación de Lipsky para decirle cómo se siente, cómo es vivir con depresión

Esa escena es mi favorita también, es lo que se denomina “escena one-on-one”, fue realmente increíble

¿Cuánto tiempo les llevó el rodaje en total?

The End of the Tour se filmó en un período de veintiséis días, en Minnesota, Nueva York y en el Mall of America. Yo estuve muy involucrado en el rodaje, no hubo un día que haya estado ausente de la filmación

Jason Segel y Jesse Eisenberg en el rodaje de The End of the Tour

En el prólogo a Infinite Jest, Dave Eggers dice que tenés que comprometerte con su lectura de manera exclusiva para poder terminarlo, ¿pensás lo mismo? Se percibe un sentido de comunidad entre quienes leyeron la novela

Absolutamente. Se trata de un libro que por momentos es muy pesado, con muchas palabras complejas que necesitan de un diccionario al lado, te tenés que divertir buscando significados todo el tiempo, observando cómo Wallace elegía cada específica palabra para cada fragmento en particular, sumado al gran sentido del humor que tiene. Yo al pasar las primeras cien páginas sentí que estaba siendo beneficiado por algo, que me estaban premiando por mi nivel de compromiso, porque es una lectura difícil. Cuanto más esfuerzo le pongas a Infinite Jest, más recompensa vas a obtener

Sí, de hecho Eggers señala que el libro no tiene ni una sola oración perezosa

(risas) sí, eso es exactamente lo que yo sentí al leerlo

En la película, Lipsky dice que vos no agarrás de la batea un libro de mil páginas porque escuchaste que el autor es un tipo común, sino que lo agarrás porque es brillante. ¿Qué otros autores pondrías en esa misma categoría en la que se encuentra David Foster Wallace?

Es difícil elegir, pero diría que Graham Greene, estrictamente desde el análisis de su prosa

¿Podrías contarnos un poco sobre el próximo film que vas a producir, Lioness con Ellen Page?

Seguro. Es un proyecto que me entusiasma mucho, como su directora, Reed Morano, quien es una gran persona. Deberías ver su ópera prima, Meadowland, la cual escribió y filmó tras haber sobrevivido cáncer, de hecho ni bien pudo digerir sólidos, empezó a producirla. Es una verdadera artista y tiene un tono único, una visión del mundo y del cine muy particular. Nosotros estábamos buscando a una directora para Lioness, yo quería que fuera una mujer quien la dirigiera por lo que cuenta el film, y Reed me mandó su “mood piece”, con música y fotos alusivas a la historia, y me voló la cabeza, porque noté que ella veía el proyecto con mis mismos ojos. Luego de conocerla directamente no tuve dudas. Vamos a empezar a filmar en abril con Ellen, a quien queremos mucho, es una actriz divertida, muy inteligente y perfecta para el papel. Ella y Reed hacen una buena dupla

Última pregunta pero no por eso menos importante: ¿cómo definirías a James Ponsoldt como director?

Diría que es un director de actores, obtiene actuaciones extraordinarias porque exprime el talento al máximo

Sí, las interpretaciones de sus películas son todas muy naturales

Coincido totalmente. Por otro lado, no puedo imaginarme a otro director para The End of the Tour, porque era un gran desafío para James: una película sobre dos personas hablando. Él la hizo mirable. La escena previa a nuestro momento favorito, aquella en la que ambos están en el living discutiendo, es muy larga y con mucho diálogo, es una que necesitaba dinamismo, tenía que estar viva desde todo ángulo posible y ése fue un logro de James. Este film podría haber sido imposible de ver en otras manos, pero no al haber estado en manos de James. 

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*INTERVIEW WITH JAMES DAHL, PRODUCER OF THE END OF THE TOUR

James Dahl, producer of The End of the Tour

How did The End of the Tour come to you and your production company, Modern Man?

I was an Infinite Jest and David Foster Wallace zealot, I read that book at a time I needed sort of an inspiration and that book did act as a catalyst, it sent me back to the world and to fighting again, so it meant a lot to me that experience. Also, on a prose level, I’ve never read anything that exciting besides Vladimir Nabokov’s Lolita, and when I read that book it electrified me, what kind of a writer David was, how varied his prose was, how different his voice was from one chapter to another, and also the themes really spoked to me. I think that he was feeling what a lot of people in my generation were feeling too, which is discussed in the movie and I connected to that feeling in the book. So I felt like a sense of gratitude towards Wallace. I spent a lot of time with is writing, I got the chance to see the Infinite’s Jest manuscript, his dictionary, his notations, his personal library, his journals, amazing amazing stuff. I spent a couple of years learning a lot about him and it was a pleasure. Also, I had a relationship with the production company Anonymous Content and with Matt, who is another producer in the movie, so when David Lipsky’s Although of Course You End Up Becoming Yourself book came to our desk before it was published, it was a pleasure for me, because it was about this guy who spent time with David Foster Wallace on a personal level. So that was an unbelivable experience, and I think Lipsky is a wonderful writer and I fell in love with that book so it became like a natural, organic thing that all of us started wroking on the movie, and Donald Margulies happened to be the best person in the world to adapt it

In your piece “My Wallace, Your Wallace” you wrote that you guys, as producers, were “banging on doors to convince people the story was worth telling on film”, what was that like?

A film like this, about two guys talking in a car, with one of them being an american author that maybe people didn’t know was a big challenge, specially in terms of selling it to the foreign market, even with two stars attached to it. The feeling was that there’s wasn’t that much love for David Foster Wallace and that the story wouldn’t translate very well, which of course you couldn’t blame them for that. Until we experienced an actually very interesting moment when we couldn’t figure out how to make the movie for the budget that we were being offered, and everyone closed their backpacks and went home thinking that it was over and that night the story broke about the film, and it ran in like a hundred new sourcers online with different takes on it. So overnight we got the news that there was a feedback, a love for it, and so the next day everyone came back to the table and that was what needed, the motivation to start making the movie

Infinite Jest by David Foster Wallace – Art by Corrie Baldauf – Website: http://corriebaldauf.com/

And how was the casting process like? Jason Segel is perfect for the role, but I’m asuming not many people thought that beforehand

He was amazing. We initially were going with what everyone calls “serious actors”, like dramatic actors, but in the process of casting you fall in love with certain ideas. It’s like shopping for a house, you’ve got to see yourself in that house or apartment, you have to be invested. That was an interesting process because it was a huge leap of faith for the actors, a huge challenge and responsabilty to play those roles. We saw a couple of actors but either they weren’t available or weren’t that much interested in the project. Then Jason’s agent read the script and told us that we should consider him for the role and at first it was kind of head-scratcher, it took us a minute to see this comedic actor in this role and it’s funny how sometimes your instincts can be so wrong because I couldn’t see it first but once we met, and talk to him and saw how intelligent he was, and the love he had for the story, it was the perfect scenario. At this point, I cannot imagine any other actor playing Wallace

Jason is great in one of the last scenes of the movie, when he goes to Lipsky’s bedroom and tells him how he feels, how he is living with depression

That is also my favourite scene, we call it “scene one-on-one”, it was really good

How many days did the shooting take overall?

The End of the Tour was shot in a period of twenty-six days in Minnesota, Mall of America and New York, I was really involved with it, I was on set every day

Jason Segel and Jesse Eisenberg in the shooting of The End of the Tour

In the prologue for Infinite Jest, Dave Eggers says that you have to commit almost exclusively to the book in order to finish it, do you also believe that? That there’s a sense of community amongst people who read it?

Yeah, absolutely, it’s a very dense book at times, there’s a lot of words, you kinda have to love looking up words in the dictionary and finding out their meanings, you have to appreciate the use of his great vocabulary and how he chose every word for a very specific reason and his sense of humor on top of everything. The feeling that I had from reading the first hundred pages was how rewarding it was for me as a reader that level of commitment, because it’s difficult. The more work you put in Infinite Jest the more you get out of it

Yeah, Eggers also wrote that there’s not one lazy sentence in the book

(laughs) Yeah, that is exactly what you can feel while reading it

In the film, Lipsky says that you don’t read a thousand pages book because you heard the author is a regular guy, you do it because he is brilliant. Which others authors would you put in the same category as David Foster Wallace?

It’s difficult to choose, but I would say Graham Greene, but just from a prose point of view

Can you talk a little bit about the next film you are producing, Lioness, with Ellen Page?

Sure. I’m really excited about our director, Reed Morano, she’s a great human being, you should see her first film Meadowland, she wrote and shot that film right in the heels of surviving cancer. As soon as she was able to eat solid food she went right back to the producting process. She’s a an artist and has a very unique tone and a very unique view of the world and movies. When we were looking for a director for Lioness, I knew I wanted a female director because it was appropriate for the story and when Reed sent me her “mood piece” with music and photos it absolutely blew my mind, the tone, the vibe, she saw the story the same way I did. And once I got to know her, there wasn’t any doubt really. And now she’s gonna direct Lioness and we are gonna start shooting with Ellen on April, we love Ellen, she’s smart and funny, perfect for the role and makes a great team with Reed

Last but not least: how would you define James Ponsoldt as a director?

I’ll say his an actor’s director, he gets performances out of actors that are remarkable and takes their talents to the maximum level

He gets very natural performances

I totally agree. And I also can’t imagine another director for The End of the Tour, because it was a very challenging thing for him to do: a movie about two guys talking in a car basically. He made it watchable. The scene prior to the one we both like, when they’re in the living room and they start fighting, that was a very long scene with a lot of dialogue that needed to be dynamic and had to be alive from lots of different angles and that was James’ achievement. This film could have easily been impossible to watch in the hands of someone else, but not in James’ hands. ◄

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► [TRAILER] Algunas imágenes de The End of the Tour:

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► [DE YAPA] La brillante entrevista que Charlie Rose le hizo a David Foster Wallace (dividida en cuatro videos):

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¡BUEN MIÉRCOLES PARA TODOS! Para el post de hoy les dejo dos consignas: 1. Por un lado, que se explayen sobre The End of the Tour y el cine de James Ponsoldt 2. Por el otro, me gustaría saber si, como le pasó a David Lipsky, tuvieran la posibilidad de entrevistar a un escritor (vivo o ya fallecido) por quién optarían y qué le preguntarían; nos reencontramos mañana en los jueves de balance para elegir Las mejores escenas del 2015; ¡hasta entonces, muchachada! ¡gracias por leer, como siempre!

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“If you like it, it’s not stupid”

Hace tiempo que dejé de preguntarme si a medida que voy creciendo me voy volviendo más selectiva con ciertas cosas. Me lo dejé de preguntar porque sé la respuesta. Sí, me volví más selectiva. Me volví más impaciente. Me volví más intolerante. ¿Hacia qué? Hacia todo lo que básicamente implique una pérdida de tiempo. Las distintas variaciones de “vivir el presente”, las distintas frases que engloban el mismo concepto, podrán resultar trilladas, o incluso hiperbólicas, pero supongo que cada uno sabe hasta cuándo está haciendo lo que quiere y hasta cuándo está haciendo lo que debe. Es difícil no convertir eso de vivir el presente en algo catastrófico. Al fin y al cabo, no podemos pasar las veinticuatro horas del día rodeados de las personas que queremos y/o haciendo lo que queremos. Creo que parte de madurar es saber cuándo hacer concesiones y cuándo ser egoísta. Por bastante tiempo tuve la ingenua idea de que para sentirme feliz tenía que perseguir una meta algo inasible: repetir la sensación de placidez evitando todo aquello que no la provocara. Es ingenuo porque vivir así tiene un costo (cuando llega un día malo, se vuelve inabordable) y es ingenuo porque uno no está solo y porque no se puede perpetuar ese estado de comodidad. A veces, simplemente, uno tiene que pasar el tiempo con gente que no tiene ganas de ver. Me puse a pensar en esto hace poco, cuando experimenté algo similar, cuando me pregunté qué hacía en un lugar donde a nadie realmente le importaba lo que yo tenía para decir y donde la ignorancia (o el desconocimiento) derivaba automáticamente en prejuicio. Contrasté esa situación con otras, aquellas en las cuales no me cohíbo para hablar de lo que me gusta, y lo que me gusta va desde levantarme temprano para responder sus comentarios hasta, como expresaba Matías Rojo aquí mismo, vivir en un lugar lejos del mundanal ruido tan solo porque me hace bien. Y acá es donde entra en juego, nuevamente, el tiempo. Yo elijo dónde pasarlo y elijo dónde no perderlo. Estos pensamientos sueltos (o no tan sueltos, porque el cine siempre se encarga de unirlos) se hilvanaron con algunas frases de The Spectacular Now. “If you like it, it’s not stupid” le dice Sutter Keely (Miles Teller) a Aimee Finicky (Shailene Woodley) en relación a las historietas que ella disfruta leer. Ese momento, como tantos otros, conecta a la película de James Ponsoldt con uno de The Breakfast Club, aquel en el que se nos dice algo así como: “spend a little more time trying to make something of yourself and a little less time trying to impress people”. Un día antes de la publicación de fin de año, y en el prometido post de las citas, me adelanto al gracias. Porque en pocos espacios uno percibe que lo que tiene para decir o para mostrar no es estúpido. Gracias por hacerme sentir eso. Por hacerme sentir que el “do what you love and fuck the rest” no es un capricho: es una necesidad.

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MI PODIO DE CITAS DEL AÑO SE COMPLETA ASÍ:

 ► [A ROYAL AFFAIR]: “I would recognize you blindfolded”:

  

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 ► [SILVER LININGS PLAYBOOK]: “It’s a song, don’t make it a monster”:

  

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 ► [BEFORE MIDNIGHT]: “If you want true love, this is it, this is real life”:

  

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 ► [CLOUD ATLAS]: “I believe there is another world waiting for us, a better world; and I’ll be waiting for you there”:

  

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PERSONAJE DEL AÑO: TIFFANY MAXWELL

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¡Buen jueves, muchachada!: Hoy son más que bienvenidos a comentar en el penúltimo post balance con las siguientes consignas: *1. ¿Cuáles fueron las frases de película que más les gustaron de este 2013? *2. ¿Cuáles fueron los mejores personajes del año? Los invito a citar compulsivamente, algo que hacemos seguido por acá; ¡nos reencontramos mañana en el megapost de fin de año con muchas sorpresas!

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La peor película para…calmar la ansiedad

 “They’ve drummed the miraculous out of you, but you don’t want it to be like that; you want the miraculous; you want everything to still be new.” – Tim Tharp (The Spectacular Now)

Este blog siempre encuentra la manera de atravesar mi vida cotidiana, más allá del momento mismo en el que lo escribo, más allá de la interacción con todos ustedes, más allá del tiempo en el que me dedico exclusivamente a él. Voy a tratar de explicarme. Hace ya varias semanas que vengo con ganas de explayarme sobre la nueva película de James Ponsoldt, The Spectacular Now, específicamente sobre la necesidad imperiosa de verla, y sobre la necesidad imperiosa de leer la novela en la que se basa. Sin embargo, la volví a recordar ayer, precisamente cuando me hallé mencionando sin cesar el blog. La situación fue la siguiente: una amiga que es periodista y profesora de un terciario me invitó a hablarle al curso acerca de los pormenores de la crítica de cine. Lo cierto es que pasé una hora y media en el aula, y solo la primera parte hablé sobre mi profesión; la hora restante la ocupó el blog y su comunidad. Antes de irme, y en un interesante ida y vuelta con los alumnos, uno de ellos me preguntó algo que hasta entonces solo había escuchado en las películas (o en alguna que otra entrevista laboral): “¿Qué te ves haciendo en diez años?”. No supe qué responder, pero sí recuerdo lo primero que pensé: “quiero verme haciendo algo”. Eso me llevó a hablar un poco de Clementine, incluso sin nombrarla, más bien explicando mi identificación con cualquier persona o personaje que no funciona si no tiene una meta a corto o largo plazo. Y cuando me refiero a que el blog atraviesa mi cotidianeidad, me refiero a que al hablar con ese curso sobre eso que decía Jesse de lo mucho que ama “los deseos en permanente renovación” volví a pensar en The Spectacular Now y en cómo quería compartir un extracto del libro en este espacio y en ningún otro. “It doesn’t matter if it’s real, it never does with dreams. They aren’t anything anyway but lifesavers to cling so you don’t drown. Life is an ocean, and almost everyone’s hanging on to some kind of dream to keep afloat” escribió Tim Tharp. Esas palabras que dice Sutter Keely, el protagonista de esa historia coming of age, se ajustaban perfectamente a esa renovación de los deseos. Es cierto que los mismos muchas veces operan como salvavidas, es cierto que amortiguan golpes, que nos mantienen a flote. Pero también es cierto que no están solo sujetos al mañana, que los sueños, los planes, los proyectos, no tienen únicamente una connotación por el futuro y en el futuro. Supongo que por ese motivo – además de por su director, y los jóvenes pero extraordinarios Miles Teller y Shailene Woodley – estoy ansiosa por ver la adaptación de Tharp. Porque alude a cómo cuando un gran deseo se concreta, todo cobra una inmediatez que nos lleva a poner en duda lo efímero de la felicidad. En el instante del disfrute, el ahora está en primer plano, bello, creciente, radiante: espectacular.   

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 ► [TRAILER] Un adelanto de The Spectacular Now:

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 ► [ESCENA] Shailene Woodley y Miles Teller en un momento del film de James Ponsoldt:

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Este viernes, tres consignas: 1. ¿Cuáles fueron las películas que esperaron con mayor ansiedad para que se estrenasen y cuáles están esperando en la actualidad? (off topic: pueden nombrar series también, desde ya) 2. ¿Son de tachar días en el calendario ante el inminente estreno de un film que tienen muchas ganas de ver? 3. Por último, quisiera saber en qué casos valió la pena la espera y en qué casos se decepcionaron por haber anticipado mucho algunos films que no estuvieron a la altura de sus expectativas; como siempre, dejen sus comentarios que quiero leerlos! ¡Buen finde para todos! ¡Mañana les dejo una canción!

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La última vez hablamos sobre la mejor película para… VER EN UN AUTOCINE

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Smashed: Tengo una guerra en mi mente

“I drive fast, I am alone in the night, been tryin’ hard not to get in trouble, but I’ve got a war in my mind”

La honestidad en el cine puede desprenderse de distintos lugares, puede vincularse con el respeto por los personajes o, en su visión más amplia, con la defensa a ultranza de lo que se quiere contar y, por añadidura, con el modo que se elige para contarlo. De ahí que incluso los documentales sean, a su manera, un trabajo de ficción: al editar, uno está seleccionando; y al estar seleccionando, uno está dejando entrever su punto de vista, y ese punto de vista es subjetivo. El cine independiente cuenta con un gran número de films que no transforman la vida del espectador por el hecho de ser rabiosamente ambiciosos. Por el contrario, el efecto que producen proviene tanto de su imperfección – ya sea por la falta de recursos como por su intención de convertirse en ejercicios de estilo o en un medio para el fogoneo de sus directores, especialmente en el caso de las óperas primas – como de su indiferencia a golpear con herramientas estridentes. En estas películas, lo primero (y lo más importante) es siempre la historia, en conjunto con el deseo de respetarla, intentando, aún con poco dinero, llevarla al lugar originalmente concebido, y con una enorme confianza en un hecho posterior/consecuencia ineludible: la película va a llegarle a quien corresponda, a quien tenga que llegarle, y la honestidad de su realización se va a notar, aún en el inabarcable panorama de ofertas. Como ejemplos recientes de esta clase de films tenemos a Keep The Lights On de Ira Sachs, una mirada a una relación homosexual absolutamente devastadora, todo un manifiesto sobre hasta dónde puede llegar la compresión de alguien cuando su pareja está empantanada en un submundo de adicciones y paranoia; y también a Circumstance de Maryam Keshavarz, donde la provocación que podría emplearse para abordar una relación adolescente plagada de excesos es reemplazada por un tono símil culebrón que deriva en un análisis certero sobre el hecho de adentrarse en micromundos alternativos por miedo a la condena social. Asimismo, otro (gran) ejemplo de película independiente que tiene a la honestidad como arma para conmover es la que nos ocupa en este post: Smashed. 

James Ponsoldt dirige a Mary Elizabeth Winstead en Smashed

La honestidad de Smashed se la podemos atribuir a numerosos factores. Por un lado, a cómo James Ponsoldt y su co-guionista Susan Burke decidieron enfocar la historia. Porque veamos: tenemos como protagonista a Kate (Mary Elizabeth Winstead), una joven maestra que pasa de vomitar en un salón de clases delante de sus alumnos a salir a la noche con su marido Charlie (Aaron Paul), emborracharse de nuevo y, por una sucesión de hechos, terminar fumando crack y durmiendo al costado de una ruta. Al otro día, su marido la recibe sin advertir la gravedad de la situación y, a las pocas horas, Kate vuelve a dar clases. Con esta premisa, Smashed podría haberse metido en múltiples terrenos, ya sea en la lectura sobre los distintos grados de (ir)responsabilidad existentes en un aula, en un panfleto sobre los efectos del alcohol y las drogas, o bien en una ametralladora de moralina. Sin embargo, la película no es ninguna de las tres cosas, no cae en vicios o afectaciones ni tampoco su director se pone en un lugar de autoridad para mirar a Kate y su caída en desgracia. Por otro lado, el film es honesto porque sabe de sus limitaciones y se circunscribe a dos ejes centrales: el alcoholismo de Kate y cómo ella lo trata transitando caminos sinuosos; y la relación de Kate con Charlie y cómo ésta se ve alterada cuando ella comienza con el proceso de rehabilitación. Porque si bien Smashed tiene como protagonista al alcohol y sus efectos en alguien que considera cotidiano el hecho de tomar whisky antes de pisar un salón de clases, también tiene como protagonista al amor como algo que es constantemente puesto a prueba. Así, vemos cómo la dinámica entre Kate y Charlie se sacude cuando él elige seguir tomando mientras que ella vislumbra otras decisiones. En este aspecto, Smashed es muy dura porque se pregunta, incluso desde sus secuencias más contenidas (las miradas de ella, los abrazos de él), hasta qué punto ese matrimonio funcionaba porque ninguno quería cambiar y hasta qué punto funcionaba porque genuinamente había amor por sobre todo. Por sobre el alcohol (y por sobre los momentos divertidos/confusos/oscuros generados por el alcohol). La decisión de Kate de recuperarse es, entonces, ingenua y al mismo tiempo valiente. Ingenua porque ella la interpreta como algo instantáneo y sin repercusiones; y valiente porque mediante su transformación empieza realmente a mirar a su marido, a la vida en conjunto, a las horas de maratón de videojuegos, a la falta de motivaciones, a la casa desordenada, a las amistades superfluas. ¿Realmente hay amor ahí? Mejor dicho: ¿habría amor todavía si uno opta por mejorar? ¿Ambos congeniaban gracias al alcohol o independientemente de este? Charlie lo asevera: “Me gustaría volver a conocerte por primera vez, coquetear con vos, invitarte un trago y no tener todo este peso encima”. Entonces, en el fondo, lo que Smashed cuestiona es si dos personas con la misma adicción pueden efectivamente estar juntas, si la ayuda y la comprensión pueden prevalecer por sobre el miedo a recaer, o el miedo a convertirse uno en el responsable de que el otro recaiga.

“They say that the world was built for two”

La honestidad en contar una historia tiene que ver, a su vez, con el no poder brindar todas las respuestas. En su novela autobiográfica Flash (también vinculada a las adicciones), Charles Duchaussois narra un gran número de circunstancias que podrían resultarle inverosímiles al más escéptico e incluye, en medio de ellas, algunos poemas que escribió sin siquiera recordarlo. “Vida, tuve sed de un mí y bebí en ti, pero aún siendo rey perdí la fe, pues amar en sí, sufrir tu ley, lo único malo es cuando uno quien, cuando uno cuando, cuando uno que…”. Duchaussois no concluye las preposiciones, las deja a medio escribir, y confío en que haya sido adrede. Porque, ¿qué puede afirmarse cuando uno duda de todo menos de la certeza de que está sacando de la vida toda clase de energía, de que está absorbiendo cualquier cosa positiva que le queda? Smashed es una película que tampoco soluciona las incertidumbres (de hecho, su final es bastante simbólico), que tampoco cierra todos los círculos, a la que tampoco le interesa justificar el sinsentido (“he corrido por tanto sitio extraño, he mirado para todos lados y nada encontré”) y que con una frase que define el relato (“It’s hard to live your life honestly”) se acerca a Kate y su inseguridad constante, sus fluctuaciones, siempre moviéndose en las polaridades de lo “fácil/difícil”. De lo fácil que es vivir despreocupado. De lo difícil que es tomar noción de la realidad. De lo fácil que es bloquear malos recuerdos familiares. De lo difícil que es traerlos al presente y enfrentarlos. De lo fácil que es amar cuando no se tiene que lidiar con fantasmas, traumas, enfermedades, adicciones. De lo difícil que es amar cuando alguien tiene mochilas. Como le dice Jenny (una brillante Octavia Spencer) a Kate: “Todos tenemos mierda en nuestras cabezas que no tiene ningún sentido”. Smashed acompaña a su protagonista (una extraordinaria Winstead) en ese oscilar entre lo fácil y lo difícil, en sus recaídas y en sus aceptaciones, con la misma valentía e ingenuidad que ella devela en cada una de sus acciones. James Ponsoldt filmó esta película en diecinueve días. Eso dice mucho. No solo sobre el cine independiente y todo aquello a lo que aludí al comienzo de este post. Dice mucho sobre el poder de las ideas, sobre el valor que tienen y la importancia de verlas en una imagen. Porque quizás la escena de Kate y Charlie andando en bicicleta sea simple y les haya consumido solo una hora de rodaje. Pero es lo que encierra ese acto lo que le da fuerza. El pedalear, el seguir y seguir con camino incierto, el tener, como canta Lana, una guerra en la mente y manejar porque a veces no encontramos otra forma de hacernos cargo de ella. 

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► Les dejo una escena de Smashed:

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¿Vieron Smashed¿Les gustó? ¿Cuáles les parecen las mejores películas (y actuaciones) en reflejar determinadas adicciones?; ¡Espero sus comentarios! ¡Bienvenidos de vuelta, muchachada! Como siempre, se los extrañó, ¡hasta mañana!

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[OFF TOPIC]: Les cuento que, a diferencia del concurso de True Blood, en el de Girls no hubo ningún ganador “de la casa”, es decir, ningún comentarista del blog se llevó el premio; por ende, me guardo los regalos para otra oportunidad y les prometo revancha porque el próximo concurso será, a pedido del público, el de Game of Thrones; ¡estén atentos y tengan Twitter que pronto habrá novedades al respecto! ;)

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