Agosto: Cuando las botas de una mujer definen su destino

Hoy en Cinescalas escribe: Lucila Bognanni

*Atención: se revelan algunos detalles del argumento

Agosto (obra de Trecy Letts/film de John Wells) nos habla, entre otras cosas, sobre un par de botas. Un par de botas podrían haber cambiado el destino de Violet (Meryl Streep) si su madre se las hubiese regalado a los treces años. Ella fantaseaba con llegar a la escuela con esas botas de cowboy y poder impresionar al chico que le gustaba, así podrían tener un tema de conversación. Pero nunca tuvo ese par de botas, se casó con el poeta Beverly Weston, tuvo tres hijas y un drama toda su vida. A Violet le habían diagnosticado cáncer de boca, y a pesar que el dolor era intenso y le quemaba, no se callaba nunca. Su personalidad la hacía ver un poco desalineada, medicada de más, quisquillosa y bastante complicada. Por otro lado, Violet siempre sabía lo que sucedía a su alrededor. Sin embargo, y a pesar de su sufrimiento producto de la enfermedad, Beverly no tuvo mejor idea que abandonar a su mujer. En el medio de la nada donde vivían, ella despertó una mañana y él ya no estaba. La desesperación por encontrarlo (magníficamente interpretada por Streep) fue lo que motivó la reunión de dos de sus hijas: Barbara (Julia Roberts) y Ivy (Julianne Nicholson). En una lograda escena, se las puede ver consolando a su madre hasta la aparición del sheriff con las peores noticias. Las hijas, al igual que la madre, acarrean un presente algo triste. Barbara es engañada por su marido, pero intenta que su matrimonio se mantenga en pie de todas formas, Ivy está enamorada de su primo hermano Charles, lo cual representa un problema para todo el núcleo familiar. Por otro lado, la hermana más chica, Karen (Juliette Lewis), es quien desaparece continuamente y quien continuamente cambia de pareja.

En el funeral de Beverly se reúnen todos. Violet, Barbara con su esposo e hija, Ivy, la tía Mattie Fae y su esposo y, claro, Karen con su nuevo y multimillonario novio. El pequeño Charles llega tarde pero en simultáneo llega a tiempo para la temida cena con el resto de la familia. Todo el drama de esta familia tiene su punto de inflexión (que se anuncia de manera lenta y progresiva) justamente en esa cena. La bendición a la comida trajo al mismo diablo a ella. Violet destapó la olla. Pelea con su hija mayor de la manera más típica. Todos los padres tuvieron una infancia complicada y le transmiten a sus hijos que aún así dieron lo mejor para que estén bien. A su hija menor no la registra y hasta su propia nieta es motivo de burla de todos en la mesa. Su ideología de no comer carne genera risas entre sus familiares, a pesar de que es ella quien deja un claro mensaje para todos. Resulta evidente que la familia Wetson solamente muestra lo infelices que son estas cuatro mujeres y ellas se saben destinadas a que se les pudra el corazón si no hacen algo rápido para estar mejor. Así, Karen es la primera en irse. Ivy, cuando se entera de que su primo en realidad es su hermano, decide amarlo y seguir con él. Barbara tarda un poco más en darse cuenta, porque es difícil abandonar a una madre cuando te lo da todo. No es sencillo mirar atrás. Mientras tanto, un poco de música country alivia el corazón de Violet cuando todos la abandonan. Porque como dijo su hermana, Mattie Fae, “los libros no hacen desaparecer a nadie”, lo cual pone de relieve una de las temáticas de esta historia: lo complejo que es hacerse cargo de la libertad y no rendirse a las ataduras.

Por Lucila Bognanni

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 ► [ESCENA]: “Eat the fish, bitch!”, una secuencia de Agosto con Julianne Nicholson, Julia Roberts y Meryl Streep:

  

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 ► [DE YAPA]: Un especial con el elenco de la película:

  

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¡Buen comienzo de semana para toda la muchachada! Hoy, dos consignas: 1. Quienes hayan visto Agosto, pueden opinar sobre ella en los comentarios, ¿les gustó o no tanto? 2. Por otro lado, me gustaría no solo que mencionen otras películas sobre la familia que consideren interesantes sino que además, quienes quieran, me cuenten cómo es la relación con sus familias y con qué integrante tienen un vínculo más estrecho (en mi caso, con mi hermano); como siempre, los leo; ¡que tengan un excelente lunes!

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—> La última vez escribió João Rodrigues da Silva sobre… AMERICAN HUSTLE

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[OFF TOPIC] Quería contarles que entramos en la última semana de recaudación para la película de Cinescalas; como ya lo he compartido muchas veces, llegamos a la meta pero todavía hay un margen de siete días para seguir colaborando; además, les quería contar que martes y miércoles voy a estar grabando un video más como previa a la película, y para que el equipo de producción se de a conocer antes de ir a visitarlos a muchos de ustedes; por ende, nos reencontramos el jueves; ¡gracias por la paciencia y gracias por haber hecho posible este documental!

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Creer en lo imposible

Hoy en Cinescalas escribe: Luján Noguera

“Nothing is more powerful than the human spirit”

Todo nace luego de que María Belón, en compañía de su esposo Enrique, relatara en una emisora española, luego de tres años de sucedido el tsunami que afectó las costas del sudoeste asiático en el 2004, la experiencia de supervivencia que a toda su familia le tocó vivir mientras pasaban sus vacaciones en Tailandia. La historia llega a los oídos de Juan Antonio Bayona, este director español que ya nos había demostrado lo que era capaz de hacer con El orfanato, y así comienza el proyecto de mostrar al mundo Lo imposible.

Pero como dijo el mismo Bayona en una entrevista durante su paso por el Festival de Sitges: “La historia no pretende contar el tsunami, el tsunami es la excusa para contar la historia de estas personas.” Y es acá donde marca la diferencia desde un principio, distanciándose de las superproducciones sobre desastres naturales a las que el mundo del cine nos tiene acostumbrado, marcando un punto de inflexión. Porque la película trata principalmente sobre la historia real de supervivencia – como se aclara desde un primer plano en el film – de María, Enrique y sus tres hijos, Lucas, Tomás y Simón; regalándonos una de las películas sobre desastres más realistas desde un punto de vista emocional y humano que hayamos visto.

Aún así, desde su enfoque fundamentalmente emotivo, la película no falla en la recreación de la catástrofe, porque nos brinda un increíble – o muy creíble – impacto visual, con escenas muy bien logradas que reflejan de una manera impresionante la magnitud y la potencia con la cual ese fenómeno de la naturaleza actuó y golpeó; haciéndonos sumergirnos a la par, sentir la presión y la fuerza de la gran masa de agua, y sobre todo, temer a ese gran muro oscuro que se avecina con estruendo, prometiendo acarrear todo a su paso. Mostrando de una manera adecuada y realista, mediante la utilización además de diferentes planos e imágenes certeras, la inmensidad de la naturaleza y la insignificancia humana ante ella (Spoilers: escena del tsunami en la piscina, las secuencias de las estrellas, la imagen final desde el avión de la inmensidad del océano).

Pero el principal recurso en el objetivo de la película lo representan las actuaciones, las cuales lograron con creces que el espectador empatice con los personajes. Naomi Watts encarnando a María nos brinda una de sus más destacados trabajos, convirtiendo su mirada en el reflejo puro del miedo, desesperación, determinación y sufrimiento. Tom Holland en la piel de Lucas, se convierte en una más que grata revelación, haciéndose cargo de gran parte de la película con una sorpresiva capacidad actoral, mostrando de esta forma unas firmes bases de un futuro prometedor. Ewan McGregor, si bien su tiempo en pantalla representando a Henry es más reducido que los personajes anteriores, lo que impide que alcancemos una mayor empatía con su personaje y su historia, aún logra darnos una destacada actuación, brindándonos una de las escenas más conmovedoras de la película (Spoiler: cuando habla con sus familiares por teléfono).

*Miren esta escena de Lo imposible:

Sin embargo, el filme cuenta con un guión, a cargo de Sergio Sanchez (El Orfanato) sumado al argumento de la historia de María Belón, un tanto insatisfactorio, que cae en repeticiones innecesarias pudiendo haber sido enriquecido un poco más; pero es salvaguardado por distintas escenas silenciosas en las cuales se siente la tensión, por expresiones de sus protagonistas en donde las palabras sobran, por escenas que guardan “no dichos” que el espectador rápidamente interpreta (Spoiler: María recostada sobre el árbol sintiendo la pérdida de su marido y su familia representados en el anillo; la caricia de Daniel a esa madre desconocida), al igual que por una banda sonora correcta que acompaña las distintas escenas. Es verdad también que, dentro de las atribuciones tomadas por el director para contar la historia, se recrean escenas que resultan cuestionables y un tanto inverosímiles. Pero estamos hablando de la historia de una familia de cinco integrantes que sobrevivió entera  a uno de los desastres naturales más impactantes que se han registrado, que dejó aproximadamente trescientos mil muertos, por lo que lo “increíble” y lo conmovedor forma parte de la esencia de la película y de la historia misma, algo con lo cual nos enfrentamos desde el comienzo y que nos incentiva a creer.

Y es aquí donde la película tiene su punto fuerte, porque somos testigos de cómo el tsunami golpea y aparta a esta familia, para luego evidenciar la fortaleza y sufrimiento de esa madre, tres niños que se han visto obligados a crecer por las circunstancias, un padre que se ve arrinconado a tomar decisiones difícil en pos de reunir a su familia, cuestionables quizá, pero, una vez más, es su historia, la experiencia de vida de esta familia en particular en esas circunstancias particulares compartidas al mundo. Y, entonces, nos hallamos queriendo creer y anhelando con vehemencia que los integrantes de esa familia, sumergidos esta vez ya no en una masa de agua oscura, sino en una masa de personas en sus mismas condiciones, se reúnan; que alguna fuerza superior, ya sea algún Dios, la suerte o el destino, los lleve al reencuentro.

En conclusión, la película cumple con su objetivo: nos muestra lo que el espíritu humano es capaz de lograr y nos hace creer en lo imposible.

 Por Luján Noguera

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¿Vieron Lo imposible? Los invito a dejar su opinión sobre la película de Juan Antonio Bayona; ¡Espero sus comentarios!; para escribir en Cinescalas manden sus notas a milyyorke@gmail.com (gracias por la paciencia a quienes no he publicado todavía)

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—> La última vez escribió Eduardo Meza sobre… LOS ILEGALES y ESCENAS WTF DEL CINE

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[OFF-TOPIC] Para quienes quieran leer algo de la cobertura de los Globos de Oro, les dejo tanto el minuto a minuto que hice de la ceremonia para lanacion.com, como el clásico balance de Lo mejor y lo peor de la entrega ;) – Nos reencontramos el miércoles de vuelta a la normalidad, después de que acumule algunas horas más de sueño :P

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Sobre el soundtrack de Trainspotting

Hoy en Cinescalas escribe: Diego Valente

Hay  películas que quedan asociadas para siempre a una época. Trainspotting es un retrato tan bello como descarnado y algo escatológico de la juventud yonqui y outsider de Escocia de mitad de los noventa. El film está basado en el libro de Irvine Welsh y tiene como actor protagónico a Ewan McGregor en el papel de Mark Renton, quien por momentos luce casi tan demacrado como Christian Bale en El Maquinista. En Trainspotting la música es clave. La banda sonora del film de Danny Boyle es impecable y está magistralmente cohesionada con el devenir de la película. Desde luego, la escena británica de los noventa está bien representada por Blur (y ese temazo con una línea de bajo y un piano inolvidables llamado “Sing”, la gema de Leisure su disco debut de 1991), Pulp (la pegadiza “Mile End”), Underworld (esa bomba denominada “Born Slippy” que aún hoy sigue sonando como el futuro, aunque los creativos publicitarios argentinos hayan intentado desactivarla), Primal Scream (y el instrumental titulado igual que el film), Elastica y el propio Damon Albarn. Sin embargo, a pesar de estar estéticamente tan ligado a una década, este soundtrack tiene varios clásicos que cumplen un rol clave. ¿Cuántos adolescentes de aquellos años descubrimos la frénetica “Lust for Life” de Iggy Pop gracias a esta peli? ¿O nos sumergimos en el doble sentido de “Perfect Day” esa balada perfecta que Lou Reed grabó para Transformer, su obra maestra de 1972?

Fuente: justinreedart.blogspot.com

Esas dos canciones mencionadas aparecen en momentos fundamentales de la película, el tema que titula el disco de Iggy de 1977 es el encargado de abrir el film y, con ese ritmo de batería acelerado e irresistible, acompaña al maltrecho grupo de protagonistas en su carrera hacia la autodestrucción. Mientras que la épica balada de Lou musicaliza la famosa escena de la sobredosis de heroína de Renton. ¿Cómo generar belleza y poesía de algo tan oscuro y desagradable? Pregúntenle a Boyle y ese atardecer angustiantemente nublado donde yace el cuerpo de Renton mientras su dealer le pide un taxi rumbo al hospital. Un dato poco mencionado es que detrás de estas dos canciones se encuentra escondida la figura del gran David Bowie, quien fue productor de ambos tracks y autor de la música de “Lust for Life”. Pero hay más guiños al pasado en la música del film: Iggy repite con la sucia y oscura “Nightclubbing”, originaria de The Idiot, su mítico debut como solista. Por su parte, Sleeper alcanza su máximo hit con “Atomic”, esa pieza irresistible que Blondie grabará en 1979, con un sonido que se adelanta en años a su época. Mientras que “Deep Blue Day” es un bellísimo viaje instrumental que Brian Eno y Daniel Lanois registraron en 1983. La canción es perfecta para la escena surrealista de Renton buceando, en busca de drogas, dentro del inodoro más infecto del baño más asqueroso de todos los bares de Escocia.

*Choose your future, choose life”:

El soundtrack de Trainspotting tiene vida propia por fuera del  film y funciona como un viaje (arbitrario como todo recorte) por tres décadas de música. Traza una genealogía por la historia de esas otras canciones más o menos relacionadas con el consumo de drogas que habían quedado relegadas (salvo, tal vez, la exitosa “Atomic”) a un injusto segundo plano en la época en la que vieron la luz. Y, desde luego, gran parte de la maestría de Boyle es lograr que estos tracks parezcan haber sido hechos a medida de su película. Una película controversial, tan terrible como graciosa, tan oscura como adictiva. Parafraseando a Daniel Melero puede decirse que “hay películas que se llevan algo de uno cuando terminan”. Trainspotting es una de ellas.

Por Diego Valente

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Dos consignas para este lunes: ¿Qué opinan de Trainspotting? ¿Qué películas inevitablemente recuerdan junto a su banda sonora? En mi caso, menciono Greenberg y las canciones de James Murphy; ¡Dejen sus comentarios! ¡Los leo!; para escribir en Cinescalas manden sus notas a milyyorke@gmail.com (gracias por la paciencia a quienes no he publicado todavía)

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* Una breve aclaración: la idea era dejarles la playlist de la banda sonora de Trainspotting, pero Grooveshark anda remodelándose así que la opción de compartir música por acá todavía no está habilitada; por ende, para escuchar todas las canciones que menciona Diego, los invito a clickear en los nombres correspondientes; ¡gracias, muchachada! ;)

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El perfecto sentido

Hoy en Cinescalas escribe: Soledad Lamacchia

¿Existe un sentido perfecto? ¿Cuál es, entre los cinco, ese que desearíamos no perder jamás?

Sentir es un verbo que puede resultar difícil de definir en el lenguaje cotidiano. Sentimos con el cuerpo aquellas cosas que olemos, degustamos, oímos, vemos y tocamos y con ese mismo cuerpo sentimos alegría, pena, amor, odio, orgullo, empatía.

Leí una vez que nuestra memoria es capaz de retener cerca de 10.000 aromas diferentes y que casi un 75% de nuestras emociones están influenciadas por el olfato. Tal vez por esta teoría es que Perfect Sense comienza como lo hace: En el mundo, por causas desconocidas, las personas pierden el olfato. ¿Qué relaciona a los casos entre sí? Nada asociado a una dolencia física, sólo tienen algo en común: antes de este Síndrome Olfativo Severo (S.O.S) los afectados sufren abrumadores ataques de melancolía: extrañan amores que creían olvidados, buscan seres queridos perdidos, se sienten vacíos y, casi como una respuesta inmediata a esa pena insoportable, el olfato desaparece tal vez intentando llevarse consigo los recuerdos encadenados a el.

Ante este escenario están parados Michael y Susan. Michael (Ewan McGregor) es un chef que huye de cualquier relación sentimental y que no puede, literalmente, dormir con la mujer con la que acaba de tener sexo. Susan (Eva Green) es una epidemióloga que viene de una relación frustrada pero que aún tiene la esperanza del amor. La atracción nace por casualidad: Michael es chef en un restaurant. La ventana alta de la casa de Susan, en la que fuma, da a la parte trasera del restaurant donde Michael trabaja. Él le pide un cigarrillo. Ella se lo arroja por la ventana. Él se ofrece a cocinarle. Le prepara un pescado que lleva a Susan a recordar a su padre fallecido, recuerdo que le dispara esa melancolía abrumadora que desencadena en la pérdida del olfato. Esa noche Michael la acompaña a su casa. Duermen abrazados. Michael siente el pecho oprimido, un llanto incontrolable y pierde el olfato. Aparecen así las primeras rajaduras en los cascarones dentro de los cuales cada uno escogió vivir para refugiarse de su pasado.

Mirá imágenes de Perfect Sense:

Los días pasan. El mundo se readapta a esta nueva forma de vivir sin oler, sin “sentir” y cuando todo parece normalizarse, sin aviso, inexplicables ataques de paranoia y angustia afectan a las personas y luego de voraces ataques de hambre el sentido del gusto desaparece. La pérdida del olfato y el gusto son sólo el comienzo de una enfermedad que comienza a anular cada uno de los sentidos pero que lleva al límite todo tipo de emociones y sentimientos. En medio de esta inexplicable pandemia, Susan y Michael se encuentran. Ambos tienen los sentidos y los sentimientos atrofiados, pero la necesidad del uno por el otro se intensifica ante la pérdida. Son ellos, junto con el monocorde y carente de emoción monólogo de Susan, el hilo conductor de la trama. Es a través de su relación que veremos cómo reacciona el ser humano ante un mundo caótico. Mención aparte para las perturbadoras imágenes que acompañan la historia. Son ellas, junto con momentos de silencio absoluto, las que terminan de dar fuerza al relato.

Me fue imposible no asociar esta película con el Ensayo sobre la ceguera de Saramago y esa vuelta del hombre a su forma más primitiva; pero, a diferencia de la novela de Saramago, el mundo de Perfect Sense queda sumido entre sentidos perdidos y sensaciones olvidadas y bajo estas nuevas condiciones las personas resurgen de dos maneras: dejándose llevar por el caos de la pérdida o descubriendo a través de algo inmune, un sentido perfecto, una nueva manera de conectarse.

“People prepare for the worst, but hope for the best”

Un detalle final me llamó la atención: Perfect Sense puede llegar al espectador en diferentes niveles. Estarán quienes la verán como una película más de ciencia ficción donde una enfermedad desconocida ataca a la humanidad y estaremos los que, por alguna razón, vimos más allá de la ficción, los que vimos un “Dios no da más de lo que puedas soportar” o un “cuando se cierra una puerta se abre una ventana” para los más ateos. Porque esto es lo que en el fondo parece querer gritarnos la película: ante las realidades que imaginamos más perturbadoras e increíbles, somos capaces de adaptarnos y, lo más importante, somos capaces de seguir adelante.

Por Soledad Lamacchia

¿Vieron Perfect Sense? ¿Qué les pareció? Los invito a responder la pregunta inicial de Sole: ¿Existe un sentido perfecto? ¿De cuál no podrían prescindir? ¡Dejen sus comentarios! Para escribir en Cinescalas solo deben mandar sus notas a milyyorke@gmail.com

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OFF TOPIC: Aprovecho esta nota para desearle un Muy Feliz Cumpleaños a la autora de la misma; ¡que pases un hermoso día, Sole! Saludos al resto ;)

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