Deathmatch: Originales vs. Remakes

*Deathmatch propuesto por: Luli81

El disparador para el Deathmatch de hoy fue la sugerencia de Luli, quien, la semana pasada, propuso contrastar la interpretación de Michael Caine con la de Jude Law en una misma película, pero en sus distintas versiones: Alfie. Me pareció que, además de tocar ese punto, sería interesante expandir un poco el planteo y debatir acerca de las producciones originales y sus remakes. ¿Son las últimas realmente necesarias? ¿Hasta qué punto pueden decir algo nuevo en comparación con el material que toman de base? ¿Hasta qué punto pueden moldear ese material y crear algo con relativa autonomía? Las respuestas pueden ser múltiples y por eso el tema es insondable. Como recientemente vi Hitchcock – esa clase de biopic que busca sintetizar a un director con dos o tres frases simplonas, como si no hubiera mucho más en lo que ahondar –, terminé llegando a Psicosis y, en consecuencia, a la remake de Gus Van Sant. Supongo que se trata del ejemplo más extremo en cuanto al significado de “relectura innecesaria”, por muchas razones y una sola al mismo tiempo. Mejor dicho: por una que se ramifica en muchas otras. Lo que para Hitchcock era una comedia negra, para Van Sant no fue más que un ejercicio de estilo vacuo, que ni siquiera se atreve tampoco a ser juguetón y que ni siquiera opera como homenaje. Es Van Sant queriendo demostrar que puede hacer algo provocador (la famosa “copia plano por plano”), como lo es hecho de anticiparse a la desaprobación. Como sabiendo que su film va a ser denostado eventualmente. Por otro lado, ya saben lo que opino de Van Sant, de esa “Death Trilogy” que me sigue resultando hipnótica, de cómo a veces lo dice todo con una sola toma, con decisiones estéticas casi siempre acordes a la historia, todas amparadas por una singular belleza. ¿Pero la remake de Psicosis? No, eso no es Van Sant. Eso es un capricho. Y no son malos los caprichos. No son malos siempre y cuando de ese arrebato antojadizo surja algo, algo que exceda, en este caso, la mera lucha del director contra el director mismo.

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► [TOP FIVE] Las peores remakes del cine de terror:

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► [TOP TEN] Las mejores remakes (siempre discutible):

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[DE YAPA] Un gran póster alternativo de Psicosis (gracias a @celestinka por el link):

Diseño de Viktor Hertz

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¿A favor o en contra de las remakes? Pueden listar las peores (la gran mayoría), pero también rescatar algunas que han sido favorables con el material original; los invito a dejar sus comentarios y a proponer una escena del día y/o versus (con “antes y después” incluido si quieren) para debatir uno de estos jueves; ¡gracias a todos! Nos reencontramos mañana…

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¿A FAVOR O EN CONTRA DE LAS REMAKES?: COMING SOON…

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La última vez enfrentamos a… EL MICKEY ROURKE DE ANTES con EL MICKEY ROURKE DE AHORA

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Ya usé este gif, pero la ocasión amerita su reutilización:

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La escena del día: Vértigo

Por alguna extraña razón, esta parece ser la semana de “Let Down”. Giselle mencionó esta canción en su nota sobre Las alas del deseo y yo la recordé hoy – independientemente de que la veo diariamente, ya que está tatuada en mi brazo – al rever la escena de Vértigo que les dejo más abajo. De una manera u otra, ese “Don’t get sentimental, it always ends up drivel” (el sinsentido de ponerse sentimental, visión Thom Yorke) me remitió a ese mismo mensaje/consejo, salido de la boca del gran Jimmy Stewart, en esa despedida y con ese “You shouldn’t have been that sentimental” (la resignación post espiral obsesivo, visión Alfred Hitchcock). Ya hemos discutido sobre Alfred en este post, pero la reciente publicación del listado de Sight & Sound de las mejores películas del cine (finalmente, Vértigo desplazó a El ciudadano) me pareció un disparador ideal, no solo para discutir sobre este film en particular (cuyas lecturas, por el tema de base, son múltiples, ya que nos encontramos con un Hithcock más onírico que lo habitual) sino también sobre los criterios a la hora de dictaminar qué hace que una película sea trascendente con el paso del tiempo. Más abajo, les dejo el Top Ten de S&S y los invito a que debatamos acerca de cuán férreas resultan estas elecciones que, haciéndole honor a la película que encabeza el podio, parecen tener una tendencia a adorar un pasado que se hace presente. Un cine que no morirá nunca.

Miren esta escena de Vértigo (tiene spoilers):

—–> LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA según Sight & Sound: *1. Vértigo (Alfred Hithcock) / *2.Citizen Kane (Orson Welles) / *3. Tokyo Story (Ozu Yasujiro) / *4. Las reglas del juego (Jean Renoir) / *5. Sunrise: A Song of Two Humans ( FW Murnau) / *6. 2001: Odisea del espacio (Stanley Kubrick) / *7. Más corazón que odio (John Ford) / *8. Man With a Movie Camera (Dziga Vertov) / *9. La pasión de Juana de Arco (Carl Dreyer) / *10. 8/1/2 (Federico Fellini) /

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¿Vieron Vértigo? ¿Les parece la mejor película de la historia del cine? ¿Qué opinan de la lista de Sight & Sound?; de yapa, propongan una secuencia y/o versus para el jueves próximo; ¡Gracias a todos!

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La mejor película de…Alfred Hitchcock

“It’s fun and funny to watch”

“Su obra continuaba viviendo como los relojes de pulsera de los soldados muertos”. En el prólogo a su imprescindible libro El cine según Hitchcock, Francois Truffaut cita a Cocteau, quien a su vez aludía al carácter trascendental de la obra de Proust. Pero el emblemático realizador de la Nouvelle Vague no lo hacía para ratificar esa afirmación sobre el autor de En busca del tiempo perdido sino para resumir su percepción sobre Alfred Hitchock. Se sabe que Truffaut y compañía se habían embanderado en una defensa, en un rescate de films norteamericanos de sello Hawks, Ford y, por supuesto, de sello Hitchcock. La cita de Cocteau no podría estar mejor utilizada, pero el francés le suma su propia perspectiva del asunto: “Es un cineasta de pasión exclusiva, una emotividad extrema enmascarada por una maestría técnica poco frecuente”. En Extraños en un tren – que además tiene el aditamento de ser una adaptación de Raymond Chandler de una novela de Patricia Highsmith -, todos esos rasgos a los que alude Truffaut se ponen de manifiesto, se entrelazan y evidencian lo atemporal del cine de Hitchcock y con cuánta fuerza estableció parámetros para realizadores posteriores. Por ejemplo, la economía de recursos que Joe Wright aplica en Orgullo y prejuicio mostrando los zapatos sucios de Lizzie para denotar su clase social es claramente una perspectiva tomada del cine del director de Psicosis, uno de los pocos en poder resumir sin palabras toda una historia, todo un punto de vista, todo un manifiesto (Luis Buñuel sería un caso similar, aunque con un simbolismo mucho más marcado).

Así como en Intriga internacional ese método se percibía en la toma del tren entrando al túnel, en Extraños en un tren lo primero que vemos son dos pares de zapatos en camino hacia un encuentro que, desde ya, solo se produce para que las vidas de ambos partícipes cambien. Con la colaboración de Chandler – quién mejor para adaptar a Highsmith que él en este tipo de historias -, Hitchcock, como bien resaltó Truffaut, conjuga pasión con maestría técnica como pocos pudieron hacerlo. Para eso, se concentra en detalles, en una subjetividad para filmar que nos posiciona en distintas veredas (el partido de tenis mostrado desde la perspectiva de los espectadores, justamente para remarcar ese ida y vuelta entre un protagonista de la contienda y el otro), pero sin que la citada perfección técnica anule esa pasión desatada por dos hombres que establecen un pacto de sangre. Si la obra de Hitchcock continúa viviendo, si podemos detenernos en secuencias como la del asesinato visto a través de unos anteojos, es porque hay una maniático pulso detrás que nos dice que el cine es superior solo cuando nada queda librado al azar y cuando un primer plano, un macguffin o una simpatía enardecida que se despliega del “villano” (no hay uno definido, claro está) nos acerca a una inmortalidad autoral raras veces vista.

Mirá todos los cameos de Hitchcock en sus films:

¿Cuál les parece la mejor película de Alfred Hitchcock? ¿De qué otro realizador quisieran ver post? ¡Comenten! ¡Buen Finde para todos!

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El mejor papel de…Cary Grant

“The moment I meet an attractive woman, I have to start pretending I have no desire to make love to her”

No se puede, no hay manera, es imposible elegir el mejor papel de Cary Grant. Podemos, sin embargo, acercarnos a una interpretación que englobe todas esas características que hicieron de él uno de los actores más carismáticos de la historia del cine. Por eso, desemboco hoy en Hitchcock y en Intriga internacional, una película a la que le salen todos los géneros de taquito (aventura, romance, comedia, lo que busquen) y, sobre todas las cosas, una película de una atemporalidad asombrosa. En ella, Grant es el prototipo de hombre común envuelto en una confusión de identidades, posteriormente puesto bajo el hechizo de una suerte de femme fatale (Eva Marie Saint), con quien busca resolver el enigma, que no es más que una tontería, ese Macguffin que desata la acción. Y entre esos gloriosos momentos, Grant corre mientras lo persigue una avioneta, con un rostro que muestra el miedo pero a la vez la entereza de los verdaderos héroes cinematográficos. Porque si de héroes hablamos, si hablamos de carisma, si hablamos de elegancia, debemos quedarnos con la escena final, donde Hitchcock pone juntos a los amantes e inmediatamente corta a un plano de un tren entrando en un túnel. ¿Sutileza? No: humor. Ese humor que solo le salía a los grandes. A Hitchcock, sí. A Grant también.

Hitchock presenta el trailer de Intriga internacional:

¿Cuál les parece la mejor interpretación de Cary Grant? ¿A qué actores consideran verdaderos galanes? De yapa, cuenten de qué actor o actriz quisieran ver post; ¡Gracias a todos y Buen Finde!

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