Lo canta: Kate Nash

Del disco: Made of Bricks

Del año: 2007

La letra es esta: All I know is that you’re so nice, you’re the nicest thing I’ve seen / I wish that we could give it a go, see if we could be something / I wish I was your favourite girl / I wish you thought I was the reason you are in the world / I wish my smile was your favourite kind of smile / I wish the way that I dressed was your favourite kind of style / I wish you couldn’t figure me out, but you’d always wanna know what I was about / I wish you’d hold my hand when I was upset / I wish you’d never forget the look on my face when we first met / I wish you had a favourite beauty spot that you loved secretly ‘Cause it was on a hidden bit that nobody else could see / Basically, I wish that you loved me / I wish that you needed me, I wish that you knew when I said two sugars, actually I meant three / I wish that without me your heart would break / I wish that without me you’d be spending the rest of your nights awake / I wish that without me you couldn’t eat / I wish I was the last thing on your mind before you went to sleep / Look, all I know is that you’re the nicest thing I’ve ever seen and I wish that we could see if we could be something / Yeah I wish that we could see if we could be something… /

foto: hellousdaily.com

* Deathmatch propuesto por: Solitud y Miss Jackman

Como corresponde después de un post de esos cursis-celebratorios que tanto me/nos gustan, quiero dejar mi agradecimiento por los comentarios que, como siempre digo, exceden esa categoría al convertirse en muestras de afecto que no encuentro manera de retribuir. Así que, simplemente muchísimas gracias por las palabras de ayer. Ahora sí: el deathmatch del día, propuesto por Sole y Maru que, debo decir, se convierte instantáneamente en uno de mis favoritos y, en simultáneo, en uno de los más difíciles de “resolver”. Por un lado, la muñequita de porcelana que Capote nunca vio como una posible Holly Golightly (hasta que tuvo que verla, porque es inevitable no hacerlo, no sucumbir a sus movimientos, su voz y su prestancia), símbolo absoluto de la elegancia y del manejo del humor medido y encantador. Por el otro, la fierecilla indomable, reina de las screwball comedies, la tempestad por excelencia. Audrey Hepburn. Katharine Hepburn. Mismo apellido y dos maneras de abordar la actuación distintas en la forma, pero iguales en efecto. Mi devoción por las mencionadas comedias de rematrimonio me hacen inclinar la balanza hacia Katharine, a quien considero acaso más influyente para un modelo de mujer en un género en el que normalmente no se les hacía (incluso no se les hace) debida justicia. Y porque toda actriz que, al entrar en escena, causa un impacto análogo en ferocidad al de un leopardo ingresando a una habitación (el paralelismo no es caprichoso, así lo demostró el señor Howard Hawks, sobre quien debo post) siempre me generará una – paradójicamente – fuerte debilidad.

* 1. AUDREY en DESAYUNO EN TIFFANY’S:

* 2. KATHARINE en LA ADORABLE REVOLTOSA:

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DEATHMATCH WINNER: AUDREY HEPBURN

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¿Audrey o Katharine? ¿Cuál es su Hepburn favorita?; de  yapa, propongan  una secuencia y/o deathmatch que quieran ver el jueves próximo; ¡Gracias a todos!

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[OFF TOPIC]: Muchachada, WordPress anda con problemitas; como verán, se descategorizaron los 400 (!) posts del blog, junto con los tags (seee, me quiero morir); por cuestiones de la plataforma, mañana no publicaré, así que el regalo de cumpleaños de Maru – post de Richard Jenkins, claro – quedará para el viernes próximo; sepan disculpar las molestias ocasionadas

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“Lo peor es la falta de curiosidad” – Daniel Melero

“Mejor lo publico hoy a la noche, por si mañana me despierto tarde”. “Debería también incluir entrevistas, ¿o quizás no sea atractivo para quienes las leen?”. “¿Se te ocurre alguna idea para el post de la semana que viene?”. “¿Qué canción se podría relacionar con la temática de hoy?”. “No sé, me siento mal, pero voy a escribir igual”. Hay muchas frases más, hay muchos intercambios, hay mucho en mi vida relacionado a este blog. Una vez lo conté: despertarme y publicar (o publicar e irme a dormir) es parte de mi rutina y he posteado, desde el 18 de agosto de 2010 hasta hoy, en circunstancias totalmente contrapuestas. Sin embargo, no hablo de una rutina forzosa color ocre, hablo de una rutina motivadora que retroalimenta mi curiosidad, que me impulsa a asociar con el fin de crear algo nuevo en cada post, esos posts que les llegarán a algunos y a otros no, pero que al menos lo intentan. Este blog empezó como una necesidad, empezó porque una enfermedad me hizo ver que me urgía concebir un espacio para ir saliendo de la oscuridad, para que ese estado de malestar fuera quedando en un segundo plano. Y así quedó. Así, el efecto dominó trajo reuniones, amigos, una relación (sí, con vos, manejalo) pero, sobre todo, trajo la posibilidad de expresarme, desde una casa en Londres o desde un casa en San Antonio de Areco. Da lo mismo. Tener un blog diario, actualizarlo, independientemente de si me pagan por esto o no (nunca arrancó con esa finalidad y sigo sin pensar que lo sea: esto no es un trabajo) es, sobre todo, un compromiso que me propuse respetar incluso más allá de los golpes, y en consecuencia ustedes estuvieron siempre. Porque hay cosas (como esto, por ejemplo) que releo y me hacen sentir que (cursi alert!) haber pensado Cinescalas en el peor momento de mi vida hizo que ese peor momento haya valido la pena. Como siempre, y respondiendo a los gestos que han tenido para conmigo, seguiré con la tradición de que premiemos la mejor nota de los lunes, ahora con el agregado del video de sus escenas favoritas. Aclaro que están las que fueron mencionadas el día de la convocatoria (pido disculpas si alguna fue excluída por despiste) y que en los créditos finales el agradecimiento es para quienes hicieron su elección. Pero…de más está decir que ese agradecimiento se hace extensivo a quienes comentaron en un post, en veinte o en ninguno, a quienes dejan mensajes en redes sociales o en mails. Es eso lo que propulsa que los posts se vayan multiplicando. Los que me conocen saben que no puedo hacer otra cosa más que escribir. Parafraseando a Samuel Beckett: las palabras son todo lo que tengo. Pero el alcance de las mismas lo determinan ustedes. Gracias por hacerse eco de esas palabras.

LA LISTA DE NOTAS DE LOS LUNES PARA VOTAR:

Había una vez por Ale Zold / Aprendiendo a hacer cine con David Fincher por Gonzo Frick / Cuando la música es solo un experimento por Daniel Bajarlía / Enjoy the Silence por Ana Mancuso / Work in Progress por Florencia Romeo / La tristeza de las apariencias por Nora Scheneideroff / Wild at Heart por Casandra Scaroni / 10 cosas que aprendí del cine de terror por Diego Nuñez / Diablo Cody sigue sin querer crecer por Florencia Gaudio / FANCSI, donde los universos confluyen por Gabriela Gallo / Una mágica simbiosis por Javier Salas Bulacio / Brilla brilla, estrellita por Ignacio Portela / Las “profundidades” de Johnny por Carolina Gatti /

MI REGALO PARA USTEDES: SUS ESCENAS FAVORITAS DEL CINE EN UN SOLO VIDEO:

———> Gracias a Matias Aimar por la realización del video y a Florencia Cames por la imagen

Como siempre en estos posts, los invito a votar, a dejar sugerencias para el blog y, claro, a dejar también sus felicitaciones ; ¡gracias a todos por todo!

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“When I turn around, I want to know you will be there” – Aska Matsumiya

Maurice Sendak (1928-2012)

“Existe entre nosotros algo mejor que un amor: una complicidad” escribió la brillante Marguerite Yourcenar, vaya a saber uno si para referirse a ese editor que nunca la amó o a esa mujer que fue su compañera hasta el final de su vida. En Fuegos, además de reescribir la mitología (de traer al pasado un presente que eventualmente se convertirá en pasado), la autora elabora una tarea meta-literaria y retuerce con una capacidad de síntesis admirable los límites de la obra poética. Lo suyo es prosa solo en forma, porque esas reflexiones sobre el amor no pueden más que ser exponentes de una poesía desgarradora. Yourcenar alude a las relaciones sentimentales desde su propia experiencia, con una bella sapiencia, con una mentalidad valiente y voraz. “No hay nada que temer. He tocado fondo. No puedo caer más bajo que tu corazón”, escribe por ahí, segura de que “no hay amor feliz” porque “lo que se posee ya no se posee” y porque por mucho que uno cambie, el destino jamás lo hará. Esas frases se cuelan en medio de su precisa visión sobre, por ejemplo, Aquiles, cuyo destino ejemplar lleva la marca de la ambigüedad. No puede ni ser deidad ni ser mortal, es alguien a medias que termina estando en ninguna parte.

Tanto Yourcenar como Aquiles (o una escribiendo sobre el otro) me remitieron al cortometraje de Spike Jonze I’m Here, otra bandera indie tierna e inmaculada. O al menos eso creemos. La historia es una de amor, de amor entre dos robots (el término, sin embargo, puede ampliarse, es maleable, es un símbolo de otra cosa) en una sociedad contemporánea donde ni Sheldon ni Francesca encajan, donde les hacen saber de manera permanente que son distintos al resto. Justamente, volviendo a Aquiles, acá hay una línea intermedia, un terreno gris, porque ellos no pueden ser ubicados en ningún lugar. Pero así, en ese mundo que literalmente los quiebra, se enamoran, y bajo circunstancias anómalas construyen un universo propio, con lo onírico como presencia fuerte y necesaria, con los sueños como señales de ese destino trazado sobre el que escribe Yourcenar y que, esencialmente, remite a esos dioses de la mitología. ¿Jonze crea un episodio mitológico moderno? Algo de eso hay en I’m Here, pero también hay una oscuridad que se desprende de lo más naif-no-tan-naif: dar literalmente todo por alguien. Jonze toma ese “todo” y lo particulariza, con el correr de los minutos ya no importa el contexto, ya esa sociedad que no comprende (ni intenta hacerlo) a los parias pasa a ser absolutamente irrelevante. Un nuevo mundo, el de Sheldon y Francesca, es creado y nada tiene valor por fuera de éste.

Los invito a tomarse media hora para ver I’m Here:

De todos modos, en esa burbuja ella va rompiéndose poco a poco y él va dándole su brazo, sus piernas, ese “todo” que ya no está protegido por la dialéctica, que pasa a ser una acción concreta tras otra, hasta llegar a la ulterior: la demostración de amor más triste y natural. Lo simbólico, entonces, es la configuración de esos seres cuya apariencia, cuyas necesidades, le sirven a Jonze para hablar sobre la fortaleza de un vínculo ignominioso que parece tener todas las de perder, que es interpelado, puesto a prueba, saboteado. “Para todo amor que entregado a sí mismo empieza a desfallecer, existe un constituyente enérgico que es todo el resto del mundo que a él se opone y que no vale tanto como él”, escribió también Yourcenar en Fuegos y es aplicable a esta obra sobre ponerse en el lugar del otro y adquirir un temple cuando la situación así lo requiere. “If you’ll be weak, then I’ll be strong”, cantaría Patrick Wolf. Es que es tan simple y tan complejo como eso. Es que es tan simple y tan complejo como dar(lo) todo por otra persona. Alguien dijo que el amor es, en definitiva, lo que uno se lleva a casa consigo. Vean el final de I’m Here: no hay una imagen más exacta para describir poéticamente esa clase de sentimiento.

¿Les gustan los cortometrajes? Pueden sumar aquellos que más los sorprendieron y, si quieren, a explayarse sobre el cine de Spike Jonze; ¡Comenten!

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Hoy en Cinescalas escribe: Carolina Gatti

Enamoró a muchas adolecentes en su papel de policía encubierto en una escuela secundaria. Fue el sensible Edward, en ese aparentemente perfecto suburbio más destructivo que sus manos de tijera. Fue Sam, quien imitaba tiernamante a Buster Keaton y enamoró a Joon. Fue Gilbert, el paciente hermano y responsable hijo. Fue, según algunos, el peor director de la historia del cine. Fue el Don Juan del amor idealizado. Fue un periodista “alucinado” en el desierto de Las Vegas. Fue un librero que vio al diablo a los ojos y el investigador que trajo la tranquilidad a Sleepy Hollow. Fue un gitano que disfrutó del chocolate y un joven que hizo grande el negocio de la cocaína en la dácada del 70. Fue el inspector que investigó los asesinatos de Jack el Destripador. Fue el pirata “rockero” más simpático del cine. Fue un escritor celoso con problemas de personalidad y también fue el creador del mejor lugar en el mundo: “El País del Nunca Jamás”. Fue un chocolatero con traumas infantiles no resueltos. Fue la voz de Víctor, que sin querer desposó a una joven del inframundo; la de un camaleón que se transforma en héroe a pesar suyo, y el narrador de la historia de Jim Morrison. Fue el enemigo público Nº 1 y un exquisito sommelier de té. Otra vez, fue un periodista empapado por el ron.

Fue muchos, pero él es único.

Por Carolina Gatti

¿Cuál es su versión favorita de Johnny Depp (a saber: personaje)?; ¡Dejen sus comentarios!; para escribir en Cinescalas solo deben mandar sus notas a milyyorke@gmail.com

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La banda: Blur

Del disco: 13

Del año: 1999

La letra es esta: It’s over, you don’t need to tell me / I hope you’re with someone who makes you feel safe in your sleeping tonight / I won’t kill myself trying to stay in your life / I got no distance left to run / When you see me please turn your back and walk away / I don’t want to see you ‘Cos i know the dreams that you keep is where we meet / When your coming down, think of me here, I got no distance left to run / It’s over, I knew it would end this way, I hope you’re with someone who makes you feel that this life is a life / One who settles down, stays around, spends more time with you / I got no distance left to run / Coming home, so hollow, no more, no more, no more… /

“De Palma juega a ser De Palma disfrazado de De Palma” – Javier Porta Fouz

Me gusta traer a colación esa frase del crítico Porta Fouz – ex profesor y responsable de varias obsesiones de quien les escribe – porque creo que, a la hora de hablar de Femme Fatale (para ser honesta: no sé si es la mejor película de De Palma pero sí en la que más veo subrayados sus rasgos autorales, de ahí la elección), hay que hablar irremisiblemente de una obra personal (esto último parece una obviedad, pero viniendo de un realizador tan influencible como el que nos ocupa no parece serlo), ya sin esos ribetes tan pronunciados á la Hitchock o Welles que mencionaba otro crítico (el gran Rodrigo Tarruella) a propósito de Doble de cuerpo. Por lo general, en esta sección me inclino por esos films en los que se concentran manías (de las buenas) y debilidades (también de las buenas), es decir, todo aquello que define a un director y que, influencias a un lado, lo vuelven único. Acá esto se percibe desde el inicio, con ese brillante robo filmado de manera ídem, ya con el simbolismo bien al frente mediante espejos (como en su momento lo fueron los billetes ensangrentados en la subvalorada Ojos de serpiente), mediante una identidad en permanente mutación, y mediante la visión caleidoscópica de esa mujer del título, interpretada de manera sorprendente por Rebecca Romijn. Y sí, la marca de Hitchock está siempre en De Palma, pero acá ya no hay un uso y abuso, él te pone un título que remite al cine negro, te marea con flashbacks, te succiona en un espiral fascinante y logra que el homenaje no opaque ese despliegue del artificio. En Femme Fatale se nota que hay cine (cine visto, cine estudiado: cine en los poros), y un juego con lo inverosímil con el cual De Palma se ríe. No de nosotros. No de ese cine que exuda. Más bien de hasta qué punto es correcto que un realizador pierda el control y se entregue él mismo a ese desconcierto del que, ya de entrada, no podemos permanecer exentos.

Las películas de Brian De Palma:

¿Cuál les parece la mejor película de Brian De Palma? ¿De qué otro realizador quisieran ver post? ¡Comenten! ¡Buen Finde para todos!

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“Not everyone can become a great artist, but a great artist can come from anywhere”

Las grandes películas de animación – género del que nunca he sido asidua, como ya creo haber mencionado – son aquellas que van más allá del gag, que resultan atemporales, que no caen en fórmulas que caducan como lo puede ser el empleo de guiños a la cultura pop. Evitar esos modismos transitorios es la única manera con la que las primeras se aseguran perdurar por sobre las demás. Sin embargo, tiene que haber otra cosa. Tiene que haber una facilidad para conmover yendo a lo primigenio, al origen de todo. Por eso, para mí, Ratatouille es una película sobre el hogar. Un hogar que para una rata puede ser una cocina, sí. Pero también un hogar para un crítico que es transportado a su infancia mediante un plato, mediante el sabor, el aroma, mediante todo aquello que permite reabrir una etapa que creía olvidada. ¿Quién puede estar exento a eso? ¿Quién puede evitar ser encapsulado en un momento mediante un empuje hipersensorial? Creo que todos, en mayor o menor medida, nos conectamos con ese planteo casi neurálgico del film de Brad Bird y es eso lo que lo hace trascender. Eso y su mirada sobre los “orígenes humildes” de los que habla Anton Ego en su maravillosa reseña final. Tan simple, cándida y verdadera como la película misma.

Mirá esta escena de Ratatouille:

¿Les gustó Ratatouille? ¿Qué otras películas que tengan a la comida como eje central sumarían a este post?; de  yapa, propongan  una secuencia y/o versus que quieran ver el jueves próximo; ¡Gracias!

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