Bienvenidos de vuelta y gracias por la paciencia. Debido a unos problemas de salud de un familiar cercano tuve que abandonar el blog por unos días, pero acá estamos. Y con un concurso. Como hice el año pasado, volvemos con el clásico prode de los Oscars. Las reglas son las mismas que aquella vez: dejar sus predicciones en las categorías que les dejo desglosadas más abajo. Tienen tiempo de votar hasta el sábado solo en este post. Quien acierte en todas las categorías se llevará la canastita cinéfila cinescalera (?). De lo contrario, los premios se repartirán entre quienes tuvieron la mayor cantidad de aciertos, como sucedió en el concurso del 2011. El ganador será anunciado en el post del lunes 27, que girará en torno a lo acontecido en la ceremonia del domingo. Espero sus votos, buena suerte a todos y nos reencontramos mañana, ya de vuelta a la (a)normalidad. Gracias de nuevo.

CATEGORÍAS DE LOS OSCARS PARA VOTAR:

* MEJOR PELÍCULA: El artista, Los descendientes, Hugo, Historias cruzadas, Medianoche en París, Moneyball, Caballo de guerra, El árbol de la vida, Tan lejos y tan cerca

* MEJOR ACTOR: Jean Dujardin (El artista), George Clooney (Los descendientes), Brad Pitt (Moneyball), Gary Oldman (El topo), Damián Bichir (A Better Life)

* MEJOR ACTRIZ: Meryl Streep (La dama de hierro), Viola Davis (Historias cruzadas), Michelle Williams (My Week with Marilyn), Rooney Mara (La chica del dragón tatuado), Glenn Close (Albert Nobbs)

* MEJOR ACTOR DE REPARTO: Christopher Plummer (Beginners), Max Von Sydow (Tan lejos y tan cerca), Kenneth Branagh (My Week With Marilyn), Jonah Hill (Moneyball), Nick Nolte (Warrior)

* MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Octavia Spencer (Historias cruzadas), Jessica Chastain (Historias cruzadas), Melissa McCarthy (Damas en guerra), Berenice Bejo (El artista), Janet McTeer (Albert Nobbs)

* MEJOR DIRECTOR: Michel Hazanavicius (El artista), Martin Scorsese (Hugo), Alexander Payne (Los descendientes), Woody Allen (Medianoche en Paris), Terrence Malick (El árbol de la vida)

* MEJOR GUIÓN ORIGINAL: Medianoche en Paris, El artista, Damas en guerra, A Separation, Margin Call

* MEJOR GUIÓN ADAPTADO: Los descendientes, Hugo, Moneyball, El topo, The Ides of March

* MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: A Separation (Irán), In Darkness (Polonia), Footnote (Israel), Bullhead (Bélgica), Monsieur Lazhar (Canadá)

* MEJOR CORTOMETRAJE: Pentecost, Raju, The Shore, Time Freak, Tuba Atlantic

* MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO: La luna, Dimanche/Sunday, The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore, A Morning Stroll, Wide Life

¡Dejen sus predicciones en los comentarios! El lunes daré a conocer el ganador, ¡gracias!

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“Music is not about being perfect, it’s about what goes on in here [the heart]“

Cuando pensaba en este post y en cómo muchos nos relacionamos de manera obsesiva con la música, me di cuenta que ese modo de conectarnos tiene que ver, fundamentalmente, con los detalles. Por ejemplo, a mí particularmente me gusta la manera en la que Manuel Moretti tose en versiones acústicas de Estelares o cómo a Thom se le va la voz en “The Gloaming” porque prefiere emplear su energía sintiendo la canción en ese baile espasmódico. En ese sentido, considero más relevante el caos por sobre la perfección. Casualmente (o no, ya saben qué pienso de esto), cuando en la reciente entrega de los Grammy Dave Grohl agradeció el premio por “Walk”, dijo lo siguiente (linkeado más arriba): “A la hora de hacer música, el elemento humano es lo más importante. Cantarle al micrófono, aprender a tocar un instrumento, a mejorar tu arte, eso es lo más importante. No se trata de ser perfecto o de cantar correcto, no tiene que ver con lo que pasa en una computadora. Tiene que ver con lo que pasa acá y acá”. Grohl se refiere al corazón y a la mente, a cómo todo sale de un lado (lo segundo), pero no podría trascender si no está absolutamente impulsado por lo otro (lo primero): ese corazón. Un corazón que puede notarse tanto en la manera en la que se toca la guitarra como en la que se grita o se padece una canción. Entonces, lo imperfecto, lo desprolijo, adquiere otro valor, porque es la manifestación auténtica del creador. Esos detalles son el resultado de una ejecución primal y salvaje de obsesiones, traumas y temáticas recurrentes.

Recuerdo que Nick and Norah’s Infinite Playlist no me había gustado tanto como esperaba. La mirada coming of age de Peter Sollett en su gran ópera prima Raising Victor Vargas era tan irónica y real, que me fue imposible no compararla con su segundo trabajo más “comercial” y que éste saliera perdiendo. Sin embargo, también es una película que alude ingenuamente a todo eso mencionado más arriba. Con la excusa de mostrar una relación incipiente entre dos jóvenes decepcionados por la incomprensión de sus respectivas parejas (decepción que se hace extensiva a todo el universo), Sollett dedica gran parte de las escenas a ejemplificar el valor que tiene la música en la vida cotidiana y en la manera de vincularnos con los demás (y, de nuevo, con ese universo). Además, esa ejemplificación es dual. Por un lado, lo hace desde una perspectiva moderna, con el shuffle del iPod. Por el otro, lo hace desde lo más clásico e indiscutible como lo es la mención a los Beatles. “’I Want to Hold Your Hand’ es brillante, probablemente la mejor canción que se haya escrito. Porque eso es lo que todo el mundo quiere. No son 24hs de sexo húmedo. No es un matrimonio de 100 años. No es un Porsche ni una casa de un millón de dólares. No. Todos queremos tomarnos de las manos. Es un sentimiento que no se puede ocultar. Cada historia de amor exitosa tiene ese momento tan excitante y abrumador como el de agarrar la mano del otro”, dice un personaje del film. Ahí está la respuesta a todo y ahí está el sentido de la historia de la película: los detalles, una canción simple, la imperfección de un roce torpe. Hace poco hablaba con un amigo sobre el final de Como un avión estrellado. Yo le dije [SPOILER ALERT] que me entristecía que Nico, el protagonista, no se quedara con la chica. Él me contestó de la manera más clara posible con una verdad que, de algún modo, inspiró el post de hoy: “No. No es triste. No se queda con la chica, pero se queda con la música”.

¿Cuáles son sus letras de canciones favoritas? Los invito a citarlas, a explayarse sobre Nick and Norah’s Infinite Playlist y, si quieren, sobre la música que hay en sus iPods; ¡Dejen sus comentarios!

[OFF TOPIC]: Quienes quieran dejar letras “románticas” por el día de la fecha, pueden hacerlo y más tarde les dejo la playlist correspondiente

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* BONUS TRACK: La playlist cursi:

OFF TOPIC 2: Muchachada, por cuestiones personales esta semana no habrá blog; nos reencontramos el miércoles 22 post-feriados

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Hoy en Cinescalas escribe: Florencia Romeo

Ya la sola mención del nombre de Ben Affleck desataría un vendaval de conceptos y adjetivos de todo tipo y especie, seguramente para mal. Es entendible. Sus comienzos fueron alentadores, con el Oscar a Mejor guión original por En busca del destino, que compartió con, Matt Damon, y varias de las películas en las que trabajó, entre otras, las que hizo con Kevin Smith. Pero una serie de malas elecciones (Daredevil, Jersey Girl, Gigli, Pearl Harbour) y la sobreexposición que tuvo su romance con Jennifer Lopez hicieron olvidar que también actuó en Shakespeare apasionado y Hollywoodland.

Sin embargo, cuando parecía que el lindo e inexpresivo de Ben era un caso perdido, pegó un volantazo y se reveló como un notable director de cine. Hasta hoy, cuenta con dos películas (y una tercera, Argo, en posproducción, más dos cortos): Gone Baby Gone (2007), estrenada como Desapareció una noche, y The Town (2010) que aquí se dio con el inexplicable título de Atracción peligrosa. Así como ambas tuvieron excelentes críticas en todo el mundo, fue casi nulo el reconocimiento por parte de la Academia a la hora de las nominaciones a los premios Oscar. Otra más y van…

Además de dirigir, se encargó de los guiones. Si bien Gone… y The Town tratan diferentes temas, tienen puntos en común. Ambas transcurren en Boston, la ciudad donde se criaron los Affleck, pero no muestra la parte rica y glamorosa, sino sus suburbios, donde abundan los white trash y la escasez de horizontes. Siempre intercala imágenes de la zona por donde andan los personajes. No hay manera de perder de vista cuál es el lugar de origen de sus criaturas, el contexto donde se mueven. El protagonista de Gone… dice al principio: “Siempre creí que las cosas que uno no elige son las que te convierten en lo que sos. La ciudad, los vecinos, la familia…”. Affleck nació en Berkeley, California, pero es sin dudas un hombre de Boston, conoce sus calles, su gente y mide su pulso con precisión.

Gone Baby Gone está basada en la novela homónima de Dennis Lehane, el autor de Río Místico. La protagoniza Casey Affleck, que con Michelle Monaghan componen una pareja sencilla, feliz, que trabajan juntos como detectives privados. La segunda línea es un lujo: Morgan Freeman, Ed Harris, Amy Ryan (nominada al Oscar por este papel) y Amy Madigan, más Titus Welliver, al que vimos mucho en la tele (Glenn Childs en The Good Wife, el hombre de negro en Lost, el diablo de ojos amarillos en Supernatural). El punto de partida es la desaparición de una nena de cuatro años, que es buscada por la policía; pero los tíos de la nena contratan a la pareja de detectives, para que ayude en forma paralela a encontrarla. La película podría haberse limitado a ser un buen policial, pero son otros los temas que importan: los límites entre lo correcto y lo deseable, las reglas y la realidad, con la religión omnipresente. Como espectadores, nuestro punto de vista es el de la pareja de detectives y descubrimos con ellos las capas de una intriga que deja múltiples pistas, de esas que pasan inadvertidas y se resignifican con el transcurrir del film. Pero si algo se destaca es la escena final, el plano final, en que nos preguntamos (suponemos que al igual que el protagonista) si se hizo lo correcto. En realidad, el lo contestó algunas escenas antes, pero es probable que en ese momento haya advertido realmente las consecuencias de sus actos.

The Town se estrenó en 2010. La palabra ‘town’ se suele traducir, literalmente, como ciudad o el centro de la ciudad. En este caso, refiere más a lo que llamamos “el barrio”, ese lugar donde crecimos y al que pertenecemos. Pero si en Gone… es difícil saber quién tiene razón y quién no, aquí la duda es todavía mayor. Nos ponemos (me puse) del lado de quien, en definitiva, es un delincuente. ¿En qué se basa esa empatía? ¿En su voluntad de cambio, declamada y no llevada a cabo? ¿Su infancia difícil? También aquí hay un policial, donde lo que menos interesa es la resolución del/los caso/s. Si en Gone… los personajes son como son y nadie analiza por qué, acá sabemos cómo es el protagonista, en qué ambiente se crió, las oportunidades que tuvo y no hace falta saber demasiado de psicología para entender por qué, si pudo forjarse un futuro mejor, terminó optando por la delincuencia. En este caso, Affleck se pone al frente del elenco y asume la doble función. Junto a él, dos grandes actores de cine como Rebecca Hall (la Vicky de Vicky, Cristina, Barcelona) y Jeremy Renner (nuevamente nominado al Oscar 2011, ahora como actor de reparto; el año anterior había sido candidato a mejor actor por Vivir al límite), más Jon Hamm (Mad Men), Blake Lively (Gossip Girl) y el gran Pete Postlehwaite, en su anteúltimo trabajo. El final es bastante más abierto y ambiguo que el de Gone…, pero no por eso menos triste.

Ambos filmes cuentan con múltiples detalles que hablan de un cineasta fino, detallista, que ha visto mucho cine. No debe ser casual que haya elegido para su primer filme un libro de Lehane, el autor de Río Místico. Clint Eastwood, como Affleck, es un ex galán poco reconocido como actor, pero que se reveló como uno de los mejores directores de cine de las últimas décadas. Affleck derrapó bastante antes de ponerse a dirigir, pero algo del monólogo final de The Town lo representa: “No importa cuánto cambies, igual debes pagar el precio por lo que has hecho, así que tengo un largo camino, pero sé que te volveré a ver, de este lado o del otro”. Si me preguntan, me gusta más cuando se ubica detrás de cámara.

Por Florencia Romeo

¿Qué opinan de Ben Affleck como intérprete y como director? ¿Cuáles otros actores devenidos en realizadores podrían destacar en este post?; ¡Dejen sus comentarios!; si quieren escribir en Cinescalas manden sus notas a milyyorke@gmail.com

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Lo canta: Luis Alberto Spinetta (con Fito Páez)

Del disco: La la la

Del año: 1986

La letra es esta: Un rumor adormece toda marea en mí y a la vez yo te grito sin poderte gritar / Mientras tanto alguien nos prejuzga sin ninguna razón, piedra sobre piedra, nada importa ya / Oh! mi amor yo te choco débilmente  bajo un sol de mañana desesperada  y me veo partir, soy un barco que se hace a la mar y en todo retorno un cambio nacerá y en tu nombre yo brindo en la nada vestido de gris  en tu nombre me quito las llamas de un cuerpo que fuí, en tu nombre habrá que seguir y seguir y seguir  y seguir pidiendo por siempre un asilo en tu corazón / Sólo amar, sólo amar hasta perder la noción y así doblar por esta esquina que confluye hacia el sur, que es como un espejo, espejo que marcó las lágrimas de hoy / Y en todo retorno un cambio nacerá y en tu nombre yo brindo en la nada vestido de gris, en tu nombre  me quito las llamas de un cuerpo que fui / En tu nombre habrá que seguir y seguir y seguir y seguir pidiendo por siempre un asilo en tu corazón…/

“I cross the sand with(out) your hand”

En The Descendants, una muñequita hawaiana se mueve dentro de un auto. Alexander Payne hace un primer plano y es entonces cuando resulta inconfundible dónde le gusta poner su sello: en esa zona gris que divide el respeto por las idiosincrasias y el sarcasmo por los lugares comunes que las representan. Payne es un director que no sabe cómo desprenderse del cinismo, un cinismo que jugaba a su favor en Election, que se volvió menos tolerable en About Schmidt y que convirtió en luz en Sideways, con ese final donde se golpea una puerta y, en consecuencia, se deja entrever un futuro. El director siempre está moviéndose, consciente de ello, en el borde de la misantropía. El trazo grueso en las escenas de sexo de la mencionada Sideways y ciertos momentos de incomodidad en About Schmidt lo denotan. Sin embargo, y a pesar del patetismo inherente que hay en ellos, Payne quiere a sus personajes, esos personajes que van desde una maniática overachiever hasta un mujeriego infantil. Su cine es un cine de eterna juventud, razón por la cual esa estudiante que quiere conquistar el mundo interpretada por Reese Witherspoon también tiene como contrapeso a una chica con otras ambiciones llamada Tammy, quien se hamaca con su novia y solo con eso es feliz. Lo mismo en Sideways. El aparente libertinaje de Jack (Thomas Hayden Church) es solo una faceta de su personalidad, también está la lealtad y amistad incondicional para con Miles (Paul Giamatti). Los unos y los otros. La simbiosis. Las relaciones en las películas de Payne son siempre especulares. En The Descendants, más allá de que siempre vuelve sobre sus vicios (regodeo en planos evitables y personajes caricaturescos), el director encuentra el equilibrio y se corre del ridículo gracias, en gran parte, a la medida actuación de George Clooney. Cuando él deja caer una lágrima (Payne lo dirige tan bien como hizo con Giamatti en otra secuencia clave) o cuando mira un contrato meditando su inminente cierre, todo es verdadero y menos estridente. Y aquí, para lograr ese contrapeso, el director hace que Matt forme un lazo fuerte con su hija mayor (la increíble Shailene Woodley), quien está a su lado para que él pueda exorcizar, lidiar con las decisiones y, sobre todo, dejar ir. ¿Qué cosas? Miedos, culpas, bronca. Y así como deja ir, también aprende a pelear por lo que le pertenece. Porque su otra hija nunca acampó en el paraíso y para él, en un momento bisagra, eso parece ser lo único verdaderamente importante en la vida. Lo verdaderamente importante para Payne -  como lo muestra en ese abrazo tímido entre Miles y Maya en Sideways, en la emoción final de Warren Schmidt sosteniendo un dibujo y en el momento familiar en el sillón en The Descendants – es una sola cosa, tan básica como difícil: saber cuidar del otro.

Mirá esta escena de The Descendants:

¿Cuál les parece la mejor interpretación de George Clooney? Como siempre, propongan un actor o actriz para futuros posts de viernes; ¡Espero sus comentarios! ¡Buen Finde!

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* Escenas (e idea) propuestas por: Solitud

“Ahora. Bourne volvió a apoyar la mano sobre el gatillo, dio un empujón a la puerta con el hombro y se abalanzó adentro de la habitación, disparando en círculos mientras rodaba por el piso, balanceando las piernas en sentido inverso a las agujas del reloj. Le dispararon furiosamente mientras Jason alineaba el arma hacia la fuente de los disparos. Un rugido de furia estalló del otro lado de la habitación, desde la oscuridad”. Al analizar un texto (literario, en este caso) siempre hay que estar atento al campo semántico, a las palabras que se repiten y a las razones por las cuales eso sucede. Releyendo la novela de Ludlum El caso Bourne, y concentrándome en el párrafo que les dejo, todo lo que se narra tiene como motor el impulso de seguir hacia adelante. La acción. La oscuridad. Los golpes. El abrirse camino. El no rendirse. Al advertir esto, es evidente cómo Paul Greengrass, en la tercera parte de la saga, tradujo ese ritmo planteado por Ludlum a través de secuencias de incesante pulso. Dicho esto, les cuento que por una idea que surgió en algún que otro divague cinescalero impulsado por Soledad, inauguramos hoy una suerte de combinación de Escena del Día con un Deathmatch, que se planteará quincenalmente. La contrafigura elegida fue James Bond. Las escenas, las que dejo más abajo. ¿Mi elección? Creo que la apertura de este post lo dice todo.

* 1. Mirá esta escena de Bourne, el ultimátum:

* 2. Mirá esta escena de Casino Royale (Spoiler):

DEATHMATCH WINNER: JASON BOURNE

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¿Bourne o Bond? Argumenten su elección y opinen sobre las sagas si así lo desean; de yapa, propongan una secuencia y/o versus que quieran ver el jueves próximo; ¡Gracias a todos!

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“Every paper that you read says tomorrow is your lucky day, well here’s your lucky day”

La percepción es una cosa tan extraña. Sucede con las fotografías y el modo en que nos llegan a todos por un lugar distinto, ya que estamos configurados de manera tal que una cosa nos conmueva pero que a otros, por contraposición y lógica, les resulte indiferente. Stanley Kubrick – él, con sus fotografías para publicaciones varias y sus películas – fue universalmente catalogado como un observador de registro frío, cualidad que se aplicó con connotación peyorativa. En mi opinión, sin embargo, esa frialdad era la única manera de abordar un tema tan complejo, vasto e inaprensible como el del libre albedrío. Sí, Kubrick tenía una versión fatalista, y nunca la ponía al descubierto mediante personajes cálidos que amortiguaran tanto cataclismo. Pero sabía lo que hacía. La esperanza estaba. Incluso en la dualidad de la Humanidad y en las catástrofes proclives a ser ocasionadas por ésta, podía mirar de cara al futuro, aunque más no sea un futuro inmediato y salvaje (el “we have to fuck” que concluye Ojos bien cerrados y todo su cine). Décadas después al estreno de La naranja mecánica, un hombre llamado Jonathan Glazer usaría todo el imaginario de la adaptación de la novela de Burgess para una adaptación diferente: la de traducir una canción en imágenes. La canción era “The Universal”. La banda, Blur. Glazer también sabía lo que hacía. Tomaba para su video esa supuesta visión pesimista y distante de Kubrick para poner a Damon Albarn cantando sobre la llegada de un futuro y la concreción de las posibilidades (“yes, it really, really, really could happen”). Con esa clase de manifiestos, Glazer pasó del videoclip al cine como solo un grupo selecto supo hacerlo (ya lo saben, el grupo de Gondry, Jonze y compañía): manteniendo una línea autoral.

Los ecos de Kubrick en Glazer son notorios (el primer plano de Nicole Kidman en Birth es brillante en ese aspecto), pero más notoria aún es su obsesión por el destino como arma de doble filo. El realizador inglés usa todas las herramientas que tiene a mano para mostrar a individuos que son alcanzados por un pasado, individuos que no pueden huir de un determinado karma. En el video de Radiohead titulado, justamente, “Karma Police”, Thom Yorke canta sobre las consecuencias de meterse con esa policía persistente y justiciera, y Glazer lo evidencia con ese hombre que corre, corre y corre, mientras un auto (muy a lo Christine de Stephen King) lo persigue para derrotarlo, hasta que algo arde con sonoridad. En “Rabbit in your Headlights” de U.N.K.L.E., otro hombre, esta vez caminante, ignora un caos desatado a su alrededor, un poco a la manera de la banda de Oxford en otro gran video de la factoría Glazer, esa mágica obra ralentizada y en blanco y negro llamada “Street Spirit (Fade Out)”. Al director le gusta hacer foco en un individuo, se apega a él, capta sus expresiones como nadie y muestra la irrupción de ese karma con un recurso tan poderoso y ridículo como lo es el de una piedra cayendo en una pileta, en esa gran escena de su ópera prima Sexy Beast. Los videos de Glazer y su cine work in progress son cínicos y desprejuiciados, son obras que hablan sobre los quiebres que se producen en la soledad y en medio de un silencio que aturde. Es allí, en ese silencio, donde un hombre, de la manera que sea y con las armas que tenga disponibles, deberá fijar la mirada y enfrentar, a su modo, un destino inexorable.

TRES VIDEOS DE JONATHAN GLAZER:

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* 1. “KARMA POLICE” (Radiohead):

* 2. “RABBIT IN YOUR HEADLIGHTS” (U.N.K.L.E.):

* 3. “A SONG FOR THE LOVERS” (Richard Ashcroft):

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* BONUS TRACK: Playlist de las canciones que Jonathan Glazer convirtió en videos:

¿Qué realizadores de videoclips que hayan hecho el salto al cine les interesan particularmente? De yapa, los invito a que mencionen sus videos favoritos de la historia de la música; ¡Dejen sus comentarios!

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“The youth is starting to change, are you starting to change together?”

“Llevo conmigo fotografías sin revelar” es una de mis frases de cabecera y no me cuesta demasiado entender las razones. En esa canción de Mi pequeña muerte – y en esas palabras en particular – hay una suma de elementos nostálgicos con los que cualquiera de nosotros podría identificarse. Está el recuerdo. Está el pasado. Está el recuerdo de ese pasado. Todos, seamos conscientes de eso o no, vamos recopilando imágenes mentales de momentos que ya no vuelven, instantáneas de una época que nos define. El cine, si es parte de esos momentos, entonces también puede llegar a definirnos y a marcar el camino posterior. Como las canciones, hay películas con cuyas escenas nos basta reencontrarnos para ubicar las sensaciones de la primera vez que las vimos. Me pasa con John Hughes, pero sobre todo hay un vínculo especial con Hackers, justamente por ser un film que llegó en mi adolescencia y al mismo tiempo por ser un film que, visto hoy en perspectiva, es adorable porque resulta obsoleto en los detalles. Paradójicamente, lo mágico del asunto es la manera en la que, incluso con eso jugándole en contra, hay escenas que (si las abstraemos de su registro de una época puntual) trascienden ese instante y terminan siendo atemporales. Porque el plano final con Crash Override y Acid Burn en la pileta puedo verlo hoy y considerarlo como un gran punto de partida para el cine libre, desprejuiciado y algo punk que me iba a gustar tiempo después. Un cine en el que, claro, la música nunca podría resultar prescindible.

¿Cuáles fueron las películas que marcaron su adolescencia? ¿Las siguen viendo en la actualidad? ¿Creen que hay films que pueden definirlos? ¡Dejen sus comentarios! ¡Buen martes para todos!

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Hoy en Cinescalas escribe: Ana Mancuso

Parecía imposible. En una época en la que los más sofisticados efectos especiales, los bombardeos de estímulos en imágenes y efectos de sonido, y el abuso del 3D son moneda corriente, que una película como The Artist captara la atención del público parecía algo impensado. Sin embargo, un director francés del que en la vida había escuchado hablar concibió a George Valentin, una estrella del cine mudo de los años 20, que se enfrenta a la caída de su carrera como consecuencia de la llegada del cine sonoro a fines de aquella década; él, junto con Jean Dujardin, quien le da vida en la pantalla a este héroe sin voz, obraron la magia de que lo imposible se volviera no solo posible, sino además aclamado por la crítica, gran favorito en cuanta entrega de premios existe y amado a primera vista por quien les escribe. Un Dujardin que por su magnífica actuación en esta película merecería un post aparte: por la increíble expresividad que tiene, por la versatilidad con la que en un mismo film pasa del drama, a la comedia, a finalmente emocionarte sin necesidad de decir ni una sola palabra.

Mientras se produce la caída de la carrera de George, la de Peppy Miller, a quien Valentin conoce por casualidad – y con quien conecta al instante -  va en vertiginosa subida. Peppy se cruza en la vida de George como su fan, y pasa de ser una extra en sus películas a ser la nueva cara de un cine parlante. Un cine que a George le resulta desconocido, innecesario y hasta digno de burla (“If that´s the future, you can have it…” dice – sin que se lo escuche -…) El ocaso de George Valentin por su negativa a adaptarse al cine sonoro y su orgullo, hacen paralelismo con su dificultad para hablar en situaciones reales de su vida, como la crisis que conjuntamente con la de su carrera atraviesa su matrimonio o lo que personalmente le provoca perder todo aquello que hasta entonces era su vida: la actuación; tampoco entonces elige hablar… George se comunica haciendo gracias, como su perrito (para cuándo una categoría en los Oscars para los animales!!???). Para George todo es silencio, gestos, miradas y música. George quisiera hablar, pero no puede. George es un artista…

The Artist te transporta en el tiempo, viéndola uno se descubre como hipnotizado por lo que sale de la pantalla. The Artist exacerba las emociones, hace que nos perdamos en infinidad de detalles muy sutiles que no estamos acostumbrados a mirar, y uno se descubre riendo, asombrándose, llorando…Personalmente, me hechizó como hacía tiempo no me pasaba con una película. Sin dudas su genial banda sonora ayudó a provocar ese efecto: la maravillosa música de Ludovic Bource acompaña cada sentimiento que atraviesan los personajes. La genialidad de Bource logra alegrarnos con una melodía cuando George Valentin está feliz, hacernos reir con otra cuando Peppy contagia chispas, desesperarnos con una más cuando la escena es tensa o enamorarnos cuando George y Peppy se dicen tanto solamente con los ojos…

No les voy a contar sobre las escenas tan perfectas que tiene y sobre lo que ellas expresan e implican: no quiero spoilearles una película que nadie debería perderse de ver en el cine cuando el proximo 16 de febrero se estrene en nuestro país. Lo que sí les voy a decir es que The Artist es un film que te enamora desde lo más básico, sin super adornos y artilugios visuales, sin diálogos elocuentes y llenos de ocurrencias fantásticas dignas de ser citadas. The Artist es música para los oídos y para los ojos, ambas perfectamente entrelazadas. Te provoca esa misma fascinación inexplicable que te sucede con ciertas historias en tu vida. Te enamora con ese blanco y negro en el que podés ver mucho más intensamente cada luz y cada sombra, con la manera en la que todo lo trascendente se dice con un lenguaje que no es verbal.  A mí me recordó exactamente eso: cómo era enamorarse (en el cine, pero también fuera de él, en las historias qupe a nosotros mismos a veces nos ocurren así de mágica e inexplicablemente como en las películas…), precisamente, porque en eso, como también en The Artist, Words Are Very Unnecesary…

Por Ana Mancuso

¿Vieron The Artist? ¿Cuál es su relación con el cine mudo? ¿Han visto mucho o es una asignatura pendiente?; ¡Dejen sus comentarios!; si quieren escribir en Cinescalas manden sus notas a milyyorke@gmail.com

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