“De los textos críticos borgeanos, considerándolos en su cronología y según las relaciones que establecen entre sí — como si fuera un gran texto, más que una colección de textos inconexos. La interpretación avanza mediante un inteligente y sostenido desarrollo argumentativo a favor de la demostración de la hipótesis de que Borges, antes que poeta y narrador, es por sobre todo un crítico fundamentándose en el hecho de que la crítica es una práctica constante a lo largo de toda la trayectoria literaria de Borges, y sobre todo en que es el recurso mediante el cual ejerce sus intervenciones más eficaces en el campo de la literatura”. Me gusta la mirada de Sergio Pastormerlo sobre Borges como crítico por sobre todas las cosas, más que nada porque me gusta imaginar al autor como un cinéfilo rabioso. Pensarlo de esa manera es inevitable tras la lectura de sus análisis, obras maestras de la contundencia y que, como bien señala Pastormerlo, son en sí obras literarias. Podemos afirmar que Borges revitalizó la crítica de cine, y que sus textos (junto con los de Pauline Kael, Susan Sontag y Rodrigo Tarruella, por mencionar tres ejemplos) ponen a la profesión (siempre dudo de si llamarla así o denominarla “vocación”; supongo que seguiré dudando…) en el lugar que se merece. Eso (y una idea expuesta aquí) me llevó al post de hoy, a cómo el cine mira las profesiones, trabajos, carreras, y a cómo esa mirada contrasta (o se emparenta) con la realidad personal.

¿Qué películas reflejan adecuadamente sus profesiones y/o trabajos y qué películas se toman demasiadas licencias poéticas al respecto?; ¡Espero sus comentarios! ¡Buen miércoles!

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Todo empezó cuando me hicieron rever esta genial intro de una serie ídem en una noche que apuntaba, desde el comienzo, a hacer resurgir la nostalgia. Creo que todo se reduce a eso: a cómo una canción, una imagen, extrapoladas de un instante del pasado traídas al presente, pueden en segundos activar un mecanismo que reafirme que, así como hay recuerdos que queremos borrar, hay otros que necesitamos traer de vuelta. Reasegurar(nos) que hubo un tiempo que fue hermoso y que, en mi caso, consistía en ver Don Gato y su pandilla con mi hermano mientras mi vieja nos traía pequeñas bolsas llenas de chocolates. La televisión. La chocolatada. Las cinco de la tarde. Una tarde que ahora, con solo bucear por YouTube, puede ser revivida con un índice de felicidad análogo al de entonces. Porque yo creo que es posible, por un momento, recuperar la ingenuidad o, al menos, hacer el intento de correr hacia ella.

TOP 10: dibujos de nuestra infancia x Unbekannt0087:

Describí tus “cinco de la tarde”: merienda, dibujos, películas; ¿cómo era tu tarde ideal de la infancia?; ¡Espero sus comentarios! ¡Buen martes!

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Hoy en Cinescalas escribe: Andrés Fluxa

Esa noche soné que me extrañaba. Lo raro no fue soñar con ella sino soñar que me extrañaba. Ese detalle me resultó curioso: deseaba que ella me extrañe. A partir de ese hecho onírico pensé en la importancia del otro. Sin el otro, tranquilamente se podría exagerar que no existimos y no sería una exageración. ¿Cómo existir sin la mirada del otro? ¿Cómo sentirnos a gusto sin su aprobación? En definitiva, ¿cómo ser feliz sin el otro?

El cine lo dice todo. Los grandes films dejan marcas.

Recordé la película dirigida (bastante bien) por Sean Penn con la maravillosa banda de sonido de Eddie Vedder. Super-sinopsis: un joven termina el secundario y en lugar de ir a la universidad tal como lo tenían previsto sus padres emprende un viaje a manera de búsqueda espiritual por Estados Unidos terminando su recorrido en Alaska luego de cruzar un río en invierno (un rio congelado) para internarse en lo salvaje bien alejado de la civilización y no pudiendo volver cuando se puso enfermo muy enfermo porque era verano y ese rio ya no era tan estrecho sino ancho y caudaloso “¡ups!, no puedo cruzar y me estoy muriendo, pero aprendí un montón y el viaje fue genial”.

Mirá este fragmento de Nos habíamos amado tanto:

Recordé la película y recordé el final. En ese final el protagonista sintetiza, antes de morir (solo muy solo), todo lo aprendido en una frase que dice algo así: “La felicidad no existe si no es compartida”. Y así parece ser. Ese muchacho había recorrido mucho y al final de sus días sentía que había encontrado la felicidad. Pero no tenía con quien compartirla, no existía ni él ni su estado de felicidad.

Esa mañana después del sueño me levanté y la lluvia oscurecía el día. Al abrir Internet, entre diarios, correos y otras páginas, me cruzo con un artículo sobre un film italiano inolvidable: Nos habíamos amado tanto de Ettore Scola. Y recordé nuevamente mientras veía la cortina de lluvia por la ventana. Recordé cuando vimos esa película juntos, cuando compartimos ese momento. Y la extrañé; soñé que me extrañaba; soñé que nunca había dejado de compartir la vida; soñé que era feliz…

Por Andrés Fluxa

¿Vieron Nos habíamos amado tanto? Los invito a sumar sus películas favoritas del cine italiano y, si quieren, como expresó Andrés, compartir ese film que está ligado a una persona en especial; ¡Dejen sus comentarios!; para escribir en Cinescalas solo deben mandar sus notas a milyyorke@gmail.com

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Ilustración de Domanic Li

He expresado más de una vez por acá que disfruto de las películas que tienen, por lo menos, una secuencia donde toca una banda en vivo. Pasa en Como un avión estrellado, pasa en El espacio entre los dos y pasa en La vida de los peces. En esta última, particularmente, escuchamos a la banda chilena Inverness interpretar la preciosa “Nubes”, canción simbólica de la relación entre los protagonistas del gran film de Matías Bize. Tuve la oportunidad de entrevistar a este grupo que nació en Santiago en el 2007 y cuyos integrantes (Rodrigo Jarque, Washington Abrigo, Ángelo Agurto y Rodrigo Soto) tienen bien en claro en qué consiste el poder de la música (“sobrevolar las azoteas”) y nos hacen estremecer, en medio de una atmósfera shoegaze, fluyendo con un ritmo al que no tenemos otra opción más que entregarnos.

* ¿Cómo se encontraron y dieron forma a lo que hoy es Inverness?

Venimos de distintas partes de Chile. Algunos de nosotros crecimos en la Patagonia y otros en pequeñas ciudades sureñas como Curicó. Otros crecieron en Santiago. Es divertido que nos hayamos encontrado, como amigos y músicos, después de tantos ires y venires en nuestras vidas. Comenzamos a juntarnos a principios del 2008. Todo comenzó con el proyecto solista de Rodrigo Jarque, quien había editado un disco en el 2006 llamado Monstruos bajo la cama. Cuando nos conocimos todos, era inevitable formar Inverness. Fue como ese tipo de asuntos que se van desenvolviendo solos y crecen como árboles con el tiempo y de pronto te encuentras bajo una sombra agradable y fresca. La amistad entre nosotros es la que originó todo y también la que lo mantiene.

* Fuegos distantes es un gran disco, con una persistente melancolía que lo sobrevuela, letras muy reales y poéticas; ¿siempre supieron cómo querían sonar, sobre qué temáticas les interesaba ahondar, o eso surgió en el camino?

Fuegos Distantes es, efectivamente, un disco melancólico. No diríamos triste, como podrían percibir algunas personas después de una escucha superficial. Y más que melancólico, diríamos que es un disco que expresa cierto estado de deseo muy fuerte por algo que es inalcanzable o que se perdió hace mucho tiempo. Incluso por algo que tal vez ni siquiera comprendemos cabalmente. Y tiene mucho que ver con nuestra generación, que creció entre amenazas de guerras nucleares, un avance implacable de la tecnología y todo lo relacionado con las partes más feas de la globalización. Son cosas que te alienan de ti mismo y de los demás y la música en esos casos es una válvula de escape. Con Fuegos Distantes e Illuminaciones quisimos crear un lugar al que las personas pudieran acceder y encontrar alivio y recuperar su mirada de las cosas. Suena un poco pretencioso y estará en las personas decidir si logramos eso o no, pero podemos decir con franqueza que es lo que aspiramos a hacer siempre con nuestra música: crear un lugar, un mundo secundario, para recuperar la visión perdida. En ese sentido, siempre abordamos las letras como una etapa de subcreación, lograr que esos lugares sean verosímiles y acogedores. Por eso, muchas de las letras hablan de parajes bucólicos y de las diferentes luces del día y de la noche. Si no entendiéramos nuestra música como un gran lienzo que se va pintando con los años, seguramente nos aburriríamos.

* ¿Cómo se concretó su participación en el soundtrack de La vida de los peces y cuánto cariño les tienen a esas dos maravillosas canciones?

La relación de Matías Bize con Inverness se remonta al disco solista de Rodrigo Jarque. Matías incluyó tres de las canciones de ese álbum en la película Lo bueno de llorar y eso produjo un revuelo en la prensa local, ya que tanto la película como su música eran apuestas arriesgadas, difíciles de digerir y poco comerciales en un mercado acostumbrado a los efectos hollywoodenses y a la pachanga. Pasar por eso juntos afianzó la amistad entre Jarque y Bize. Era natural participar en La vida de los peces, aunque para entonces Matías se encontró con Inverness y con Illuminaciones ya editado. Éramos una banda y nuestro sonido estaba más definido y pulido. ‘Nubes’ fue la primera canción de Inverness. La primera en la que los cuatro participamos y pusimos nuestro corazón en ella. Es un manifiesto. Un manifiesto un tanto pesimista, pero debe entenderse que esa fue una época difícil de nuestras vidas. No teníamos dinero, tampoco un lugar muy agradable para vivir e incluso no siempre comíamos muy bien. Preferíamos gastar el dinero en comprar cuerdas para nuestros instrumentos. Pasar de eso al Goya que ganó La vida de los peces el año pasado, nuestra visita al festival SXSW en Estados Unidos y la inclusión en un documental de la BBC de Escocia, ha sido como un espaldarazo a nuestra amistad y a nuestro trabajo como banda y Matías Bize ha sido testigo cercano de todo eso.

Cuando suena “Nubes” en La vida de los peces:

Se entiende que el cariño que le tenemos a ‘Nubes’ y a ‘Illuminaciones’ sea muy parecido al cariño que le podría tener un padre a su pequeño hijo que vuelve a casa con buenas calificaciones y el reconocimiento de sus profesores. Los músicos somos anécdotas comparados con la música. Nunca nos pusimos un pie forzado para crear música. Nunca lo haremos. Dejamos que todo fluya en nuestro estudio. Vamos detrás del sonido y la melodía manda. No tenemos muchos estudios formales de música. Si entendiéramos la música como una gran ciudad y a los músicos formales como personas, ellos conducirían sus vehículos por supercarreteras urbanas a altas velocidades. Nosotros en cambio, somos como fantasmas algo torpes que atraviesan las paredes y sobrevuelan las azoteas. El proceso es mucho más orgánico en nosotros. Es algo casi fisiológico.

* ¿Podrían mencionar bandas que cada uno de ustedes escuchan diariamente y bandas que sienten que, de una manera u otra, los han influenciado?

Escuchamos música muy diversa. En estos momentos escuchamos mucho Avishai Cohen, The Who, White Denim, Chopin, Erik Satie, Sun O))), Scott Walker, Robert Wyatt, Blur y Pedro Aznar. Siempre  escuchamos Radiohead y The Cure y también Slowdive. Podrías decir que todas esas bandas nos inspiran diariamente de una u otra manera, ya sea por su música o su oficio y talento.

* ¿Cómo describirían el panorama musical chileno?

El panorama musical chileno es muy interesante en este momento. Hay muchas bandas. Casi todas las personas de cierto grupo etario están en una banda o planean estarlo. Eso es bueno. El problema es que el mercado no crece proporcional a como lo hacen las diferentes escenas musicales. Es decir, hay muchas bandas, pero los lugares son mínimos y pocos y por lo general sus dueños son como especies de roedores famélicos sordos con un dejo de autosuficiencia terrible. Suponemos que es así en todos lados. Con un mercado tan anoréxico, es difícil que las bandas sobrevivan más de 3 años. Los que lo hacen, crecen con  ciertas habilidades de supervivencia admirables. Nosotros armamos un sello (LeRockPsicophonique) para crearnos una escena con bandas afines. Jovenabuelo, Nader Cabezas, Pablo Yovane, Nhur, Martín Pescador, amBattom y Prehistöricos son buenos ejemplos de lo que está pasando en nuestra escena musical, más ligada al post-rock y al rock alternativo. Les dejamos el link a nuestro sello para que puedan escuchar y bajar mucha música gratuitamente.

* BONUS TRACK: la hermosa canción “Vivíamos en la mitad de la nada”:

——————————> Un agradecimiento especial a Natalia Nin

Para Maru

Hay una suerte de karma que persigue a los actores secundarios. Podemos mostrarle a alguien un fotograma de una película de la que hayan formado parte, o una imagen de alguno de ellos, pero rara vez van a recordar sus nombres. Por eso, quizás, ese karma pueda convertirse en un sello distintivo, en una consecuencia de la capacidad de infinidad de actores “de reparto” para hacer lo justo y necesario desplegando la mayor cantidad de herramientas posibles. Como si su dominio a la hora de mostrar todo en pocos minutos no conociera límites. Richard Jenkins es uno de esos actores en contar con la extraordinaria cualidad para amoldarse. Puede ser el centro de una obra imprescindible como The Visitor y también puede conmover en pocas escenas en Amigos con beneficios, film en el que hace un papel menor pero vital. Ahí radica todo. En encontrarle la vuelta a cada personaje y hacerlo suyo sin importar cuánto dure la secuencia. Hay muchos papeles de Jenkins, pero más abajo les dejo el final de esa serie en la que lo vi por primera vez y en donde demostró que estar vivo en pantalla no es una cuestión de tiempo o de explosiones y brillitos: es una cuestión de actitud.

El gran final de Six Feet Under:

¿Cuál les parece el mejor papel de Richard Jenkins?; de yapa, cuenten de qué actor o actriz quisieran ver post; ¡Gracias a todos y Buen Finde!

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“I always believed in you…”

Allá lejos y hace tiempo aludí a Pretty in Pink cuando compartíamos cuál había sido nuestro primer VHS. Sin embargo, recordando la importancia de Molly Ringwald en mi universo cinéfilo personal, advertí que ese post no era suficiente, y que tanto ella como Howard Deutch – y, claro, el inolvidable John Hughes – merecían más que eso. Pensé en lo que hace que esta película (al igual que la brillante Some Kind of Wonderful) sea tan encantadora: en ambos casos sus heroínas defienden sus convicciones hasta lo último. No cambian. Creen en algo y lo sostienen. En los ojos brillosos de Andie (Ringwald) al llegar al baile final, haciendo caso omiso a la mirada exterior, se denota un nerviosismo que, de todas maneras, no sobrepasa la valentía al lucir un vestido concebido por ella (los personajes de Hughes siempre toman el mundo con sus manos, lo aprehenden, aún en su detrimento), y al decidir (para muchos espectadores, erróneamente) quién es el hombre que va a hacerla feliz. “Si los demás no creen en mí, yo no puedo creer en ellos”, dice la chica de rosa, sintetizando así el corazón del cine de ese joven eterno que fue Hughes, un narrador que, por sobre todas las cosas, creía (porque siempre hay que creer) en lo genuino de sus personajes.

Recordá el final de Pretty in Pink:

Hoy me gustaría que nos explayáramos, además de sobre Pretty in Pink y Molly Ringwald, sobre sus películas ochentosas favoritas; de  yapa, propongan  una secuencia y/o deathmatch que quieran ver el jueves próximo; ¡Gracias a todos!

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“Each dream of life I’ll share with you”

Para la persona que me regaló Just Kids (y para el Peter Pan que me lo dedicó)

“El collar fue pasando de uno a otro con el transcurso de los años. Siempre lo tenía quien lo necesitaba más. Aquella reciprocidad se manifestaba en muchos de nuestros jueguecitos. El más inquebrantable se llamaba ‘Un día tú y otro yo’. La primera era simplemente que uno de los dos, el protector, debía estar siempre alerta”, escribe Patti Smith en Just Kids, la inspiradora novela sobre su vínculo con Robert Mapplethorpe (novela que, según Patti, pronto se llevará al cine). Rescato en primera medida ese párrafo porque alude a lo que significa, al menos en un aspecto, ese libro para mí. Es un libro que se regala a alguien que se quiere. A alguien a quien creemos que las palabras de Patti, como el collar persa que le obsequia Robert, pueden cambiarle la vida, protegerlo/la, ser objeto motivador. Recuerdo terminar de leerlo, con un llanto atragantado y tener esa necesidad de ir hacia algún lado, con la música que quisiera sonando en mis oídos, con los recuerdos que te energizan en lugar de hundirte, con una mochila, unos libros en ella, y no mucho más. Smith se obsesionaba con Rimbaud y eso se nota. Sus palabras destilan movimiento. “Sin hablar, sin pensar, iré por los senderos: pero el amor sin límites me crecerá en el alma. Me iré lejos, dichoso, como con una chica,  por los campos, tan lejos como el gitano vaga”, escribió el hombrecito de Charleville, cuyo museo luego Patti visitaría en un arrebato de espontaneidad bellamente descrito en un pasaje del libro.

Just Kids es, además, una novela sobre la importancia de entrar en comunión con el arte y de la mano de alguien que pueda comprender cabalmente hasta qué punto ser artista es ver lo que los otros no pueden. En consecuencia, la prosa de Patti es sincera y llana en el mejor sentido del término. Lo que atestiguamos es un viaje narrado por alguien que supo lidiar con el dolor y con el impulso de vivir una vida diferente sin doblegarse (no sin miedos sino dejando que el miedo cumpla una función distinta) y repitiéndose ese mantra de “soy libre, soy libre”. En ese recorrido hacia la libertad (que, en un punto, es algo que tenemos o no, que decidimos obtener), Patti encuentra en Robert un hombre (“la obra más bella de todas”) que no cree, justamente, en los caminos largos, porque se entrega a los atajos. Ambos, nacidos el mismo día, “codo a codo”, en esa devoción por vivir del amor y del arte (también para el amor y para el arte), permanecen juntos hasta el final, pero dándole otro sentido a la idea de compañía. Ella misma lo admite en un momento, cuando Mapplethorpe se ausentaba para encontrarse, para explorar su sexualidad: “Para mí no era fácil abandonar el mundo que teníamos él y yo”. Hasta que su mentalidad cambia, hasta que comprende y nos hace comprender lo fundamental que es tener a alguien en la memoria para traerlo al presente. Estar. A la distancia. En otro mundo. Pero estar para el otro. Con un pensamiento. Con un regocijo interior al saber que existe esa persona que “ve como nosotros”. Cuando lo geográfico se hace añicos porque la distancia intelectual, sentimental, se va achicando conforme los cambios no logren separar, conforme uno sonría siempre “con complicidad hacia una persona que jamás había sido una desconocida”.

Patti lee Just Kids y canta “Because the Night”:

Pero acaso lo más bello de la novela sea esa mirada exenta de prejuicios de Patti, tanto para comprender los vaivenes de Mapplethorpe como para ingresar al Chelsea Hotel. Su travesía – que sigue hoy, un día pidiéndole a Patrick Wolf que toque los violines en sus shows; otro, leyendo Just Kids sin rastros de vanidad posibles – es, como lo indica el título de su libro, la travesía de alguien que cree en una juventud perpetua. Sobre eso, se hace preguntas con respuestas implícitas (“¿Quién conoce el corazón de la juventud salvo la propia juventud?”) y preguntas con respuestas que tardarían en llegar (“¿Adónde conduce todo? ¿En qué nos convertiremos? Aquellas eran nuestras preguntas de juventud y el tiempo nos reveló las respuestas. Conduce a nosotros. Nos convertimos en nosotros”). Just Kids excede el homenaje al arte de los setenta, porque al concluir con esa bella imagen de un muchacho que adoraba a Miguel Ángel, centra su foco en cómo no necesitamos de explicaciones cuando las pulsiones hablan por sí solas. Patti parece decirnos que nos dejemos arrastrar por el corazón hacia todo lo extraordinario, hacia nuestra propia cloud-cuckoo land: “Todos acababan diciendo que fantaseaba demasiado, que siempre tenía la cabeza en otro sitio. No sé dónde estaría ese sitio”. Ese sitio podría ser una habitación donde suenan discos mientras se dibuja, o en una iglesia donde se va solo para escuchar poesía. Lo importante es mantener esa capacidad de sorpresa de cuando éramos niños, cuando las acciones parecían genuinas. “Yo no pienso. Siento.”, dijo Mapplethorpe. Quizás ahí, en ese urgir del deseo, es donde está el corazón, el mandala, el collar persa, ese bien preciado al que llaman juventud.

* BONUS TRACK: Playlist de Patti Smith:

————–> Para revivir la muestra de Robert Mapplethorpe en el MALBA, hacer click acá

¿Qué novelas que no llegaron al cine les gustaría ver adaptadas y con qué actores? ¡Espero sus comentarios y buen miércoles para todos!

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Muchas veces lo pensé. ¿Qué pasa en Entre Copas luego de que Miles junta valor, va hacia la casa de Maya y golpea la puerta? Muchas veces lo pensé también: todos los caminos conducen a Antes del atardecer y a esa reflexión de Jesse acerca de cómo, cuando nada está dicho explícitamente, podemos decidirnos (inconscientemente) por una alternativa romántica o por una alternativa cínica. Muchas veces pensé que el cine – o al menos, determinadas historias – no terminan con el fundido en negro sino después, ya sea con el juicio de valor que hacemos o con un cierto modo de fantasear respecto a cómo continúan las narraciones. Entre Copas, entonces, para mí no concluye con ese golpe a la puerta sino con mi idea de un futuro para dos personajes que, casi sin quererlo, se encuentran para salvarse.

Les propongo un ejercicio creativo (?): elijan una película que les guste (o no), con final abierto (o no) y escriban la continuación de ese final según lo que ustedes querrían que suceda; ¡Los leo! ¡Buen martes!

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Hoy en Cinescalas escriben: Ale Zold, Florencia Gaudio y Ana Mancuso

Quienes pueden ver ahí arriba son los ganadores de los tres concursos que, hasta el momento, organicé para premiar “La mejor nota de los lunes”. La mayoría de ustedes, en distintos momentos y por diversos factores, decidieron que la visión de Ale de El gran pez, la mirada de Flor sobre las coming of age y la perspectiva de Anis sobre El artista eran todas, a su manera, atractivas, conmovedoras, interesantes. Ninguna de esas notas – como tampoco ninguna de las otras que fueron publicadas en este espacio – han pasado inadvertidas. Tuve ganas de, antes de continuar publicando más textos de otras voces, juntar a los ganadores para que nos digan qué es el cine para ellos, y con qué escena lo definirían. Aquí les dejo sus análisis, y abajo espero los de ustedes. Ahora bien, ¿qué es el cine para mí? En este post hablé un poco sobre eso citando a Quiroga, quien asegura que, por sobre todo, el cine es un arte que abre los ojos al infinito.

¿Qué es el cine? x Ale Zold:

Acostumbrado a escribir largo, tratar de describir en un par de párrafos lo que es el cine para mí, equivale a querer encerrar el universo en una botella. Tarea imposible si las hay. Sin embargo, me subo a esa metáfora para pensar que tal vez el cine sea eso mismo: una simbiosis de las artes, el diseño y cualquier otra forma de expresión; historias, personas, lugares y sensaciones enfrascados en cortos lapsos de tiempo, conviviendo en un caos constante y ligados por un hilo conductor imaginario que hace de ese caos un orden. El cine nos permite en cada película viajar a distintas configuraciones de la realidad: universos pasados, presentes o futuros, reales o ficticios; climas alegres, dramáticos, terroríficos. Una travesía a nuestro propio interior, a nuestras pasiones, miedos, delirios y a la empatía respecto de personas o personajes que no conocemos y casi nunca existen verdaderamente, y sin embargo nos conmueven, nos sentimos parte de ellos y sentimos que ellos son parte de nosotros. De igual manera y con la pantalla como espejo, a través del cine nos aventuramos desde lo más profundo de nuestros sentimientos al afuera, al exterior, al mundo entero. Literalmente, al infinito y más allá. Si lo tuviera que poner en la menor cantidad de palabras posibles, diría que para mí el cine es arte y entretenimiento. Pero sobre todo, es el mejor medio de transporte.

¿Qué es el cine? x Florencia Gaudio:

Para muchos es puro entretenimiento, una simple distracción, optativa salida de sábado por la noche. Con amigos, con pareja, en familia. Zapping en la televisión para encontrar el último estreno o para volver a caer por vigésima vez en esa película que ni siquiera les gustó demasiado, pero que es fácil de ver. Para mí el cine nunca fue nada de esto. Desde mi primera película, cuando contaba pocos años, hasta el momento en que escribo estas líneas, el cine es una gran porción de mi vida. No es un simple pasatiempo ni una opción ante horas vacías. No concibo un mundo sin películas, así como no concibo un mundo sin historias para contar. La imaginación me identifica, y es quizás debido a que una película, de cualquier género, de cualquier origen, siempre me permite imaginar un poco más, que el “séptimo arte” me define. El cine desde sus inicios abre puertas; nos deja asomar por una ventana; respirar nuevos aires; caminar otras geografías; vivir, aunque sea por unas horas, una vida diferente. El cine es imaginación plasmada en una enorme pantalla, o en una pequeña, a solas o en compañía, capaz de producir una lágrima o una sonrisa. A veces las dos al mismo tiempo. No me imagino el mundo sin cine. No me imagino a mí misma sin que las imágenes de una pantalla se reflejen en mi rostro… Tal vez porque es la combinación de un libro y una película que La historia sin fin fue una de las primeras opciones que me vino a la mente cuando Mily nos pidió que pensáramos una escena que nos identifique o que resuma lo que el cine significa para nosotros. Podría haber sido una bella toma área del barrio de Belleza Americana, Amelie paseando en una moto, un E.T. con peluca, alguna imagen estática de la Salta de Martel o, incluso, un Joven manos de tijeras creando nieve a su alrededor. Podría haber sido la imaginación de Burton, o la belleza de Jeunet, o la locura de Gondry. Pero no. Fue un niño sobrevolando Fantasía. ¿Quién no ha paseado alguna vez sobre Falcor sobre mundos encantados? Un libro nos permite imaginar cualquier historia; una película nos ayuda a verla. Por eso elegí esta escena, porque el cine siempre me permite volar.

¿Qué es el cine? x Ana Mancuso:

Por Ale Zold, Florencia Gaudio y Ana Mancuso

Consigna “simple” la de hoy: ¿Qué es el cine para ustedes?; ¡Dejen sus comentarios!; para escribir en Cinescalas solo deben mandar sus notas a milyyorke@gmail.com

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