La mejor película de…Steven Spielberg

“All movies should have a story to tell”

En la primera temporada de Dawson’s Creek, un grupo de amigos juega a hacer películas cerca de ese arroyo, apelando a lo casero, a lo artesanal y a la satisfacción de un deseo casi primario: la filmación como ceremonia, como lugar de camaradería y entretenimiento. No es casual que el protagonista de la serie tuviese su cuarto empapelado con pósters de las obras de un director con el que fantasea un encuentro, encuentro que finalmente se da sobre el final de la última temporada, cuando ese chico que dejó atrás el arroyo comienza a hacer cine desde un lugar menos íntimo y más expansivo. El objeto de su admiración era Steven Spielberg y la elección de ese nombre no podría haber sido más perfecta. La serie tomó al realizador ingenuo (en el mejor sentido del término) por excelencia, a ese hombre que supo traducir todo un imaginario pre-adolescente en films que elevan el concepto de entretenimiento (ese de los amigos que filman de modo rudimentario, pero también ese que privilegia la narrativa) a un escalón donde la figura de un Peter Pan siempre se cuela en historias de, justamente, niños eternos forzados a crecer, de adultos que deben adaptarse a medios desconocidos y, sobre todo, de situaciones con fuerte carga nostálgica. Como director, productor y narrador, Spielberg siempre está con un ojo en el pasado, en la mencionada nostalgia resaltada en el gesto de un niño robot abandonado en un bosque, pero también en la de un niño feliz elevando su bicicleta al infinito. Pero Spielberg también clava el otro ojo en el presente, en la conjugación perfecta de saciar el requerimiento algo juvenil de un cine como arte disfrutable, admirable, impresionable, sabiendo cuándo construir escenas que funcionan como cortos, que son exponentes de una maestría y capacidad de síntesis, sobre todo para concebir panoramas con distintos puntos de vista que se confunden y concluyen con una contundencia que no podíamos prever. Pero él lo dijo una vez, y lo hizo mejor que nadie: “Tenía doce o trece años y no había nada más interesante que hacer, nada que pudiera interesarme tanto como tomar una cámara de ocho milímetros y contar una historia, en tres o cuatro minutos”. Ese festejo de un cine exento de metáforas, de enrosques es, por contraposición, lo que hace que el cine de Spielberg celebre la claridad, la mirada en la narración y que, por sobre todo, nunca pierda (ni nos haga perder) la capacidad de asombro.

Las películas de Steven Spielberg:

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[OFF TOPIC]: El lunes bien temprano habrá post, con todo lo que pasó en los Oscars para quienes quieran charlar aquí al respecto y con el resultado del concurso, ¡los espero!

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La mejor película de…Alfred Hitchcock

“It’s fun and funny to watch”

“Su obra continuaba viviendo como los relojes de pulsera de los soldados muertos”. En el prólogo a su imprescindible libro El cine según Hitchcock, Francois Truffaut cita a Cocteau, quien a su vez aludía al carácter trascendental de la obra de Proust. Pero el emblemático realizador de la Nouvelle Vague no lo hacía para ratificar esa afirmación sobre el autor de En busca del tiempo perdido sino para resumir su percepción sobre Alfred Hitchock. Se sabe que Truffaut y compañía se habían embanderado en una defensa, en un rescate de films norteamericanos de sello Hawks, Ford y, por supuesto, de sello Hitchcock. La cita de Cocteau no podría estar mejor utilizada, pero el francés le suma su propia perspectiva del asunto: “Es un cineasta de pasión exclusiva, una emotividad extrema enmascarada por una maestría técnica poco frecuente”. En Extraños en un tren – que además tiene el aditamento de ser una adaptación de Raymond Chandler de una novela de Patricia Highsmith -, todos esos rasgos a los que alude Truffaut se ponen de manifiesto, se entrelazan y evidencian lo atemporal del cine de Hitchcock y con cuánta fuerza estableció parámetros para realizadores posteriores. Por ejemplo, la economía de recursos que Joe Wright aplica en Orgullo y prejuicio mostrando los zapatos sucios de Lizzie para denotar su clase social es claramente una perspectiva tomada del cine del director de Psicosis, uno de los pocos en poder resumir sin palabras toda una historia, todo un punto de vista, todo un manifiesto (Luis Buñuel sería un caso similar, aunque con un simbolismo mucho más marcado).

Así como en Intriga internacional ese método se percibía en la toma del tren entrando al túnel, en Extraños en un tren lo primero que vemos son dos pares de zapatos en camino hacia un encuentro que, desde ya, solo se produce para que las vidas de ambos partícipes cambien. Con la colaboración de Chandler – quién mejor para adaptar a Highsmith que él en este tipo de historias -, Hitchcock, como bien resaltó Truffaut, conjuga pasión con maestría técnica como pocos pudieron hacerlo. Para eso, se concentra en detalles, en una subjetividad para filmar que nos posiciona en distintas veredas (el partido de tenis mostrado desde la perspectiva de los espectadores, justamente para remarcar ese ida y vuelta entre un protagonista de la contienda y el otro), pero sin que la citada perfección técnica anule esa pasión desatada por dos hombres que establecen un pacto de sangre. Si la obra de Hitchcock continúa viviendo, si podemos detenernos en secuencias como la del asesinato visto a través de unos anteojos, es porque hay una maniático pulso detrás que nos dice que el cine es superior solo cuando nada queda librado al azar y cuando un primer plano, un macguffin o una simpatía enardecida que se despliega del “villano” (no hay uno definido, claro está) nos acerca a una inmortalidad autoral raras veces vista.

Mirá todos los cameos de Hitchcock en sus films:

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La mejor película de…Martin Scorsese

“En esta guillotina invisible, yo he puesto  la cabeza sin ojos de todos mis deseos”Federico García Lorca

“Lo opuesto a hablar no es escuchar. Lo opuesto a hablar es esperar”. No lo dijo Martin Scorsese, lo dijo Fran Lebowitz, con esa particular manera de escupir frases sentenciosas vistas en el documental del realizador titulado Public Speaking. Recuerdo pasar por delante del televisor cuando lo estaban emitiendo e inmediatamente sentirme fascinada no solo por la elocuencia de la escritora para emitir opiniones (la escuchás y parece ser que nunca nadie antes opinó sobre ciertos temas por el modo en el que los renueva con su análisis) sino también porque se notaba que, detrás suyo, estaba la mano de un autor observándola. Habiéndome hecho eco de sus sugerencias para el blog, me pareció que esta sección quincenal (porque seguiremos teniendo El mejor papel de…) tenía que tenerlo a Scorsese como director de apertura. Por eso, no es casual que ayer me hayan regalado un libro en el que yace una frase del realizador: “Todo en mi vida ha sido películas y religión. Eso es todo. Nada más”. Así, con ese modo categórico reminiscente al de Lebowitz, Scorsese inagura este espacio en el que nos propondremos abordar corpus autorales, quedándonos con la particular visión de la justicia de Taxi Driver pero también notando que el Scorsese de Los infiltrados es el mismo que el de sus primeras películas. Ahora apelará a micropchips y cierre de operaciones mediante celulares, pero esas peleas a puño cerrado, esos enfrentamientos entre bandos antagónicos (“we can become cops or criminals, but when you’re facing a loaded gun…what’s the difference?”), esos personajes en agonía, permanecen a través de las décadas y reconfirman que, cuando hablamos de autores, hablamos de quienes pueden desarrollar una mirada sobre el mundo como nadie lo hizo antes y como nadie, indefectiblemente, podrá hacerlo después.

La obra de Scorsese en 3 minutos:

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[OFF-TOPIC]: Los invito a que, desde hoy en adelante, chequeen el blog sábados y domingos, ya que les voy a ir dejando pequeños regalos virtuales…

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