La mejor película de…Terry Gilliam

* Director propuesto por: Fede

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Sam: “I don’t want anything”

Ida: “Of course you do. You must have hopes, wishes, dreams…”

Sam: “No, nothing! Not even dreams!”

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En el documental “The Battle of Brazil”Terry Gilliam bromea sobre cómo a veces el cine no se relaciona con dónde se pone la cámara sino con cómo se lidia con la industria. El realizador alude a su experiencia durante las distintas proyecciones de Brazil, proceso en el cual los estudios prácticamente le exigieron modificar el final de su inclasificable largometraje. Por supuesto, quienes vimos la película sabemos que su última escena es lo que la define. Es la que plantea cómo una maquinaria X nos va empujando tanto a los extremos que nos termina quebrantando. Y, en esa derrota, no tenemos otra opción más que aislarnos en una suerte de realidad paralela donde huimos de la opresión y podemos autodenominarnos sujetos libres. En este aspecto, Gilliam logra que un desenlace duro y casi indigerible adquiera una connotación positiva. Porque a pesar de todo, Brazil es optimista. Lo vemos en esa búsqueda desesperada que emprende Sam para hallar a Jill, la mujer que le devuelve la fe en los sueños. Incluso lo vemos en los ojos de Sam en el final, cuando ese sueño ya se vuelve más concreto, cuando es el único lugar donde encuentra refugio. Pero de Brazil se puede decir mucho más. Se puede hablar de Kafka, de Orwell, de Kubrick. En su desmesura nos topamos con múltiples influencias que colaboran para la creación (vaya creación) de un mundo nuevo. Eso, que se convertiría en una constante en Gilliam, acá está acentuado, desplegado en su incuestionable belleza (porque también hay belleza en la oscuridad), en su humor, en su slapstick, pero, más que en ningún otro aspecto, en el retrato ardiente y fascinante de las más distópicas de las historias de amor. Una historia que, como el propio director y su imaginación insaciable, no conoce fin. Como le dice Sam a Jill: “Vayámonos lejos”. A lo que ella responde: “¿Lejos? Lejos nunca es suficiente”.

Les dejo una escena de Brazil:

*DE YAPA: El cine de Terry Gilliam en 4 minutos:

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¿Vieron Brazil? ¿Cuál les parece la mejor película de Terry Gilliam? ¿De qué otros realizadores quisieran ver post? ¡Comenten! ¡Buen Finde para todos! Nos vemos el martes con una nota de ustedes, porque el lunes no podré postear; gracias por la paciencia ;)

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———> La última vez hablamos sobre… LOS HERMANOS COEN

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La mejor película de…Los hermanos Coen

“I’ve traveled far and I’ve burned all the bridges…”

* Director(es) propuesto(s) por: Nicolás Balduri

“La mente tiene vida propia y no hay un mapa para recorrer ese territorio. Explorarla puede ser doloroso”, dice Barton Fink (el gran John Turturro) en una de las mejores películas de los hermanos Coen. Creo que en más de una oportunidad expresé que, en mi opinión, lo más interesante de Ethan y Joel vino de la mano de un dude y un grupo de nihilistas, pero ya he hablado sobre ese film en este post y hoy me parecía apropiado cerrar la semana con Barton Fink. No solo porque fue una semana donde escribí sobre esas cosas dolorosas a las que se refiere el citado personaje sino donde también debatimos sobre la mente y sus límites. Pero además de todo eso, hay que destacar que este es un film (lisa y llanamente) sobre el cine. Sobre los canallas de la industria, sobre esos hombres detrás del escritorio – marca autoral de los hermanos -, y sobre otro hombre que, en el fondo, busca explicarse (“Yo soy un escritor, ¡yo creo cosas, yo las creo, soy un creador!”) y, en ese ámbito sórdido, ese hotel que no ayuda a superar el bloqueo narrativo, tiene que concebir un guión por encargo. Él. Alguien que defiende el hecho de sacar a relucir lo más oscuro, lo más inabordable. Con algo de Lynch en su claustrofobia, en esa atmósfera que se va enrareciendo, Barton Fink encontraba a los Coen en un momento donde tenían algo para decir. Y lo hacían bordeando la sátira y criticando sin miramientos una forma de encarar el cine donde lo artístico y lo genuino estaban en el último peldaño y donde casi siempre terminaba predominando el desencanto. Es interesante rever la película hoy y pensarla como un manifiesto poético. Porque no vamos a encontrar más poesía en los Coen que en ese final tan hermoso, surreal y deslumbrante.

Les dejo un video tributo a los Coen:

¿Cuál les parece la mejor película de los hermanos Coen? ¿Los bancan todavía o dejaron de hacerlo? ¿De qué otros realizadores quisieran ver post? ¡Comenten! ¡Buen Finde para todos!

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La mejor película de…David Cronenberg

Como siempre sucede en esta sección, el planteo que les hago no juega a mi favor. Aunque suena a perogrullada, la decisión no es irrevocable y va variando a medida que la filmografía del director lo hace y a medida que mi visión como espectadora hace lo propio. Con Cronenberg suele pasarme esto de manera continua y separar a una película de otra, hacerla a un costado, extrapolarla del corpus total parece ir en contra de lo que su cine en definitiva propone. Como si fuera la obra de un compositor, la de Cronenberg se va constituyendo a través de cintas que se responden unas a otras, que se vinculan, se interpelan y se continúan. Lo único que varía son los métodos. La esencia es la misma: todo está en carne viva. Lo vemos en Crash y su deformidad a la hora de abordar el sexo, pero también lo vemos en Una historia violenta y su deformidad a la hora de abordar lo monstruoso. Y también lo vemos en Un método peligroso y su deformidad a la hora de abordar la (in)sanidad. Cronenberg es uno de los directores más salvajes que ha dado el cine, pero su salvajismo siempre está desarrollado con sofisticación, incluso cuando esa carne viva se vuelve intolerable. Lo enfermo y lo brutal encuadrado con una precisión que asombra y perdura, con ojo para las adaptaciones literarias y con ojo para fundir al hombre con la tecnología, con la máquina, y desatar una violencia que, en muchos casos, nos hace cuestionar nuestra propia naturaleza y que definitivamente sobrepasa la mera provocación.

Cosmopolis, lo nuevo de Cronenberg:

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La mejor película de…Brian De Palma

“De Palma juega a ser De Palma disfrazado de De Palma”Javier Porta Fouz

Me gusta traer a colación esa frase del crítico Porta Fouz – ex profesor y responsable de varias obsesiones de quien les escribe – porque creo que, a la hora de hablar de Femme Fatale (para ser honesta: no sé si es la mejor película de De Palma pero sí en la que más veo subrayados sus rasgos autorales, de ahí la elección), hay que hablar irremisiblemente de una obra personal (esto último parece una obviedad, pero viniendo de un realizador tan influencible como el que nos ocupa no parece serlo), ya sin esos ribetes tan pronunciados á la Hitchock o Welles que mencionaba otro crítico (el gran Rodrigo Tarruella) a propósito de Doble de cuerpo. Por lo general, en esta sección me inclino por esos films en los que se concentran manías (de las buenas) y debilidades (también de las buenas), es decir, todo aquello que define a un director y que, influencias a un lado, lo vuelven único. Acá esto se percibe desde el inicio, con ese brillante robo filmado de manera ídem, ya con el simbolismo bien al frente mediante espejos (como en su momento lo fueron los billetes ensangrentados en la subvalorada Ojos de serpiente), mediante una identidad en permanente mutación, y mediante la visión caleidoscópica de esa mujer del título, interpretada de manera sorprendente por Rebecca Romijn. Y sí, la marca de Hitchock está siempre en De Palma, pero acá ya no hay un uso y abuso, él te pone un título que remite al cine negro, te marea con flashbacks, te succiona en un espiral fascinante y logra que el homenaje no opaque ese despliegue del artificio. En Femme Fatale se nota que hay cine (cine visto, cine estudiado: cine en los poros), y un juego con lo inverosímil con el cual De Palma se ríe. No de nosotros. No de ese cine que exuda. Más bien de hasta qué punto es correcto que un realizador pierda el control y se entregue él mismo a ese desconcierto del que, ya de entrada, no podemos permanecer exentos.

Las películas de Brian De Palma:

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La mejor película de…Francois Truffaut

“Prefiero ver la vida a través de los libros y el cine”

A simple vista, La novía vestía de negro parece ser una historia de amor. Sin embargo, trata sobre el fallecimiento de una, es un desafío al espectador quien, inevitablemente, podrá cuestionarse acerca de por qué no se escandaliza ante lo aberrante que se muestra. Lo aberrante son esas venganzas que lleva a cabo Julie Kohler (una deslumbrante Jeanne Moreau), con la soledad como detonante, con la muerte del gran hombre de su vida como recuerdo indeleble. Francois Truffaut aborda la historia con cierta intimidad, siguiendo el rastro de esta mujer fantasmagórica que lleva la angustia en la mirada. Por un lado, Julie parece totalmente abstracta, difícil de notar en las multitudes, incapaz de ejecutar acciones cotidianas como la de acostarse a dormir. Por el otro, la cámara del realizador la acompaña calculada y fríamente, con algunos rasgos de Hitchcock, que van desde lo real como consecuencia de lo irreal hasta el desequilibro omnipresente. Justamente por ese desequilibrio – incuestionablemente apto para un policial -, La novia vestía de negro se mueve en una inestabilidad que inquieta, como inquieta esa protagonista clásica del cine del director de la Nouvelle Vague, un personaje de aberrante dureza, con una meta inquebrantable. Sin embargo, más allá de que Truffaut parta de un clasicismo, el deseo como motor de esa mujer sombría es exhibido con un distanciamente propio de las vanguardias. “Yo no esperaba nada porque en mi vida, desde siempre, estaba David; nunca he mirado a otro chico y para él no existía otra mujer en el mundo que yo”, expresa Kohler con un lirismo que tiñe toda la película. Al igual que en la brillante La habitación verde, Truffaut encuentra en lo sombrío la belleza, como en la desolación encuentra lo taciturno. A fin de cuentas, esa novia, una abstracción dentro de un universo real y trágico, es la única en conmoverse ante las pasiones, a su idea de vitalidad.

Les dejo un video tributo a Francois Truffaut:

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