Crimson Peak: Las ciénagas de los muertos

Hoy en Cinescalas escribe: Evangelina Alejandro

“Hay cosas muertas, caras muertas en el agua – dijo horrorizado- ¡caras muertas!

Las ciénagas de los muertos, sí, sí. Así las llaman – cloqueó- no hay que mirar cuando los cirios están encendidos”

J. R.R Tolkien – El señor de los anillos: Las dos torres – Libro IV

Guillermo del Toro creció entre las páginas de los romances góticos que habitaban la casa familiar. Entre Samuel Langhorne Clemens y Harriet Stowe se acomodaban las hermanas Brontë, que sin duda debieron haber causado una impresión en ese niño, para que este adulto dedique una parte de su trabajo al género. Crimson Peak se despliega suavemente ante el espectador con la riqueza visual que lo caracteriza desde su primer film, Chronos. En esta vuelta, a diferencia de dos de sus mejores películas como fueron El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, la historia no ronda con la Guerra Civil española de fondo, sino que se ubica en las postrimerías del siglo XIX donde al finalizar el siglo se abre vibrante la segunda revolución industrial. Edith (Mia Wasikowska) es la hija de un importante constructor, huérfana de madre con una extraña conexión con los muertos: ha podido oírla llevándole un mensaje que años después habrá de entender. Es posible hallar cierta similitud entre la forma visual que tienen las representaciones fantasmales en Crimson Peak con aquellas de quince años atrás observables en El espinazo del diablo. Los apasionados de Del Toro sabrán encontrarlas. Edith se presenta con una dualidad bien lograda: independiente, crítica y decidida pero a la vez lo suficientemente frágil y crédula como para dejar que la historia la tome en el punto en el que es requerida y sin luchar demasiado. Thomas (Tom Hiddleston) y Lucille Sharpe (Jessica Chastain) desembarcan en la sociedad de la época y las matronas los miran elogiosamente, encarnan esa ancienne noblesse con las que les encantaría unir a sus hijas. Respetan la fórmula de lo esperado: sin un centavo pero con modales impecables y un guardarropas que ha visto mejores días, buscan inversores o uniones provechosas, lo mismo da. Hay que reconocer que es en esta parte del film donde lo predecible enaltece la historia.

Luego de quedar convenientemente huérfana (con un episodio bien logrado, habrá que reconocer más tarde) Edith Shape se encuentra viajando hacia su nuevo hogar (¿hacia dónde fue su criticismo y la elocuencia con las que parecía desenvolverse en los comienzos de la película?). La primera impresión de Allardale Hall es imponente, desnuda sobre el páramo (¿otro guiño a Charlotte Brontë?) se yergue sobre la arcilla profunda, roja con incontables habitaciones heladas y pesados cortinados húmedos. Lucille es el ama indiscutible del lugar, en él se esconden sus crímenes, se ocultan sus pecados fraternos, ella representa la otra protagonista femenina determinada y efectiva como la describió Del Toro. Alejada de sus amigos y desmejorando su salud día a día Edith buscará saciar su curiosidad alrededor de esa cumbre escarlata con paseos en los que encontrará poco a poco el rompecabezas para entender las historias que la precedieron, antes que sea muy tarde y llegue a ser como ellas.

Por Evangelina Alejandro

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[ESPECIAL] Una mirada backstage a Crimson Peak:

SYFY: Behind the Scenes of Crimson Peak. from Ann Fortune on Vimeo.

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[COMPILADO] La obra de Guillermo del Toro, en un solo video:

Guillermo del Toro - The Works from Joel Walden on Vimeo.

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¡BUEN LUNES PARA TODA LA COMUNIDAD! Hoy tenemos tres consignas: 1. Dar su opinión sobre Crimson Peak, ¿qué les pareció? 2. Elegir sus películas favoritas de Guillermo del Toro, ¿es un cineasta que les interesa particularmente? 3. ¿Qué otras obras góticas (cinematográficas o no) les han gustado? Como siempre, los leo y los vuelvo a ver el viernes; ¡que tengan un excelente comienzo de semana, muchachada!

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—> La última vez escribió Luján Noguera sobre… HEAVEN KNOWS WHAT

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Heaven Knows What: Distintos nombres, una sola adicción

Hoy en Cinescalas escribe: Luján Noguera

“For you I was a flame,
Love is a losing game”

Amy Winehouse“Love is a Losing Game”

Heaven Knows What es lo primero que he visto de lo que han hecho los hermanos Joshua y Ben Safdie, dos directores que me han causado una muy buena impresión. Sin detenernos demasiado en la película que existe detrás de la película misma (la actriz protagonista, Arielle Holmes, es una adicta a la heroína rehabilitada que fue rescatada por los hermanos cuando vivía en las calles del Diamond District de Manhattan y la película está basada en las memorias tituladas Mad Love in New York City que la misma Arielle está escribiendo sobre su experiencia con las drogas, su relación destructiva con su ex novio y su vida en la calles), quiero rescatar lo que estos directores han provocado con este trabajo. En primer lugar, no se trata de otra película más de un grupo de drogadictos que recorren las calles de Nueva York. Si bien se percibe una impronta de films que se presentan como antecedentes que han tenido su repercusión en su momento – podemos remontarnos a Kids de Harmony Korine o a Requiem for a Dream de Darren Aronofsky -, el film introduce un sello que consiste en hacer de una realidad una ficción con un formato semejante a un documental. Como lo describe Ben Safdie, con este producto híbrido su intención es “ficcionalizar la realidad”. Pero más allá de este género que mezcla ficción y no ficción, uno de los mejores logros del proyecto fue conseguir que ante una escena que habitualmente en las calles, en la realidad, quizás hubiéramos ignorado, nos detuviéramos con interés y acompañando con un efecto casi hipnótico a este grupo de heroinómanos en su vida cotidiana, conociendo a Harley, el álter ego de Arielle Holmes.

De este modo inferimos, entonces, que ese mundo interno que este grupo nos presenta por las calles de Nueva York y que evidenciamos a través de la protagonista, es tan repetitivo como puede ser la vida cotidiana de cualquier otro habitante. Ellos tienen su propia rutina. En ese universo el drama se convierte en un propósito a seguir, al igual que lo hacen los distintos métodos para obtener su próxima dosis de heroína. En esa rutina cobran sentido la distribución de una dosis matutina y una nocturna y las relaciones que se establecen en función de ello. Pero esa cotidianidad es puro presente: Harley solo vive el ahora. El pasado y el futuro no existen. La percepción del tiempo de ella y del grupo está condensada. Y en ese ahora el mundo externo solo aparece en pequeñas dosis, por medio de inferencias. Éste es otro acierto de la película: al presenciar la dinámica grupal lo hacemos desde un punto íntimo, desde una mirada interna. De esta forma, con una visión más sincera, cruda y sin adornos toda esa ficción se hace más real.

Junto a esta condensada concepción del tiempo, y como si surgiera de las mismas características del género híbrido del film, la contradicción es algo que caracteriza a la protagonista. En Harley conviven tanto la desazón como pequeños atisbos de esperanza; podemos verla ir desde un comportamiento maníaco, acompañado de gritos histéricos, hasta un estado de trance de completo silencio. Y esta contradicción se refleja en la resonante banda sonora que complementa a la película. Las piezas psicodélicas y los silencios acompañan a las escenas de una manera perfecta, reflejando los distintos estados de ánimo y sumergiéndonos en ese mundo sin tiempo. La elección de la música electrónica, sobre todo las producciones del compositor japonés Isao Tomita, favorece ese ensamble acompañando perfectamente ese vaivén de estados.

Asimismo, el drama en la vida de Harley se incrementa con la presencia de Ilya, su otra adicción, un joven interpretado por un excelente Caleb Landry Jones, el único actor profesional dentro de los protagonistas del film. La adicción a ese hombre es tan tóxica y destructiva como la misma heroína. Desde un comienzo se nos inserta en lo monopolizadora que resulta la presencia del ex novio en la vida de Harley, un ex novio al cual sin importar el trato que pueda darle, como la indiferencia, Harley sigue regresando. “Would you forgive me if I die?”, le pregunta Harley a Ilya, dejando claro su dependencia a otra droga que lleva distinto nombre, una droga sin la cual no puede existir. Y es entonces donde el romanticismo se esconde detrás de esa necesidad visceral, tanto de Harley como del propio Ilya. Es ahí donde ese romanticismo se convierte en un sometimiento dañino y trágico. De la misma manera, simultáneamente romántica y trágica, suena “Clair de Lune Nro 3” detrás de los arreglos del compositor japonés, reflejando ruidosamente esa relación tóxica y complementando así el tratamiento expreso y franco que los directores hacen de la misma.

Heaven Knows What fue una de las películas que más me sorprendió el año pasado. Y si bien se podría haber pulido un poco más la narrativa del film, el enfoque en las actuaciones, la banda sonora penetrante y la crudeza y explicitud con las cuales los hermanos Safdie contaron y mostraron la historia de Arielle Holmes son motivos suficientes para tener a estos cineastas en el radar.

Por Luján Noguera

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[TRAILER] El adelanto de Heaven Knows What:

TRAILER: HEAVEN KNOWS WHAT from Cinefamily on Vimeo.

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¡BUEN LUNES PARA TODOS! Los invito a explayarse sobre Heaven Knows What quienes la hayan visto y, por otro lado, a que sumen otras películas y/o series sobre adicciones que les hayan gustado; asimismo, quisiera agradecerles por sus palabras en ese post de la incertidumbre y contarles que el blog se actualizará tres veces por semana dependiendo del ritmo con el que venga, con notas invitadas, textos “a la deriva” y los podcasts revisionistas; en caso de que se presente un cambio más radical, obviamente serán informados, pero por el momento esa será la modalidad del blog, acaso más relajada que lo habitual y menos programada, dado que no cuento con tiempo para retomar la rutina de siempre; ¡gracias por estar contra viento y marea!; nos reencontramos el miércoles con un post sobre James White, ¡hasta entonces y bienvenidos de vuelta!

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—> La última vez escribió David Akerman sobre… CREED

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Creed, el reflejo de Rocky

Hoy en Cinescalas escribe: David Akerman

*Atención: se revelan algunos detalles del argumento

“Déjame decirte algo que ya sabes. El mundo no es siempre sol y arcoíris. En realidad es un lugar cruel y asqueroso. Y no le importa que tan fuerte seas, te derrotará hasta tenerte de rodillas y ahí te dejará si se lo permites. Ni tú, ni yo, ni nadie golpeará tan fuerte como la vida. Pero no se trata de que tan duro golpees, se trata de que tan duro puedes ser golpeado y seguir avanzando, que tanto puedes recibir y seguir adelante. Así es como se gana. Ahora bien, si tu sabes lo que vales, entonces ve y consigue lo que vales. Pero tienes que estar dispuesto a recibir los golpes y no señalar con el dedo y decir que no eres lo que quieres ser, por culpa de él, de ella o alguien’. Eso lo hacen los cobardes… ¡ y eso no eres tú! Tú eres mejor que eso.” Ese consejo de Rocky a su hijo – en la misma vereda donde abrió un restaurante de comida italiana llamado Adrian’s, en homenaje a su esposa fallecida – parecía ser el último diálogo profundo de la saga, la última lección de vida que nos regalaría.

Sin embargo, diez años después aparece Adonis Johnson Creed (Michael B. Jordan), el hijo de Apollo Creed (principal oponente y amigo del “Semental italiano”, muerto en 1985 a manos del boxeador ruso Iván Drago), para darle continuidad a la historia del campeón mundial de los pesos pesados, ahora sí – con 70 años – totalmente retirado del golpe por golpe. Porque no hay edad que limite a un hombre estar en una de las esquinas del cuadrilátero, y mucho menos al experimentado Balboa. Creed (segundo film de Ryan Coogler) es un cóctel de nostalgia, perseverancia y suspenso. Nostalgia por los que ya no están: Apollo, Adrian, Mickey y ahora también Paulie. La firmeza y perseverancia de Adonis para alcanzar a ser el mejo, en un deporte muchas veces criticado por las secuelas que sufren quienes lo practican se une a la tensión que genera no saber qué sucederá con el legado de Apollo en el reto final, o con la frágil salud de Rocky.

Creed también es una película cargada de guiños para los que siguen al personaje creado e interpretado por Sylvester Stallone desde 1976. Rocky como entrenador demuestra que fue el mejor aprendiz de “Mick”. El veterano ex boxeador somete al joven Creed a perseguir ¡y atrapar! una gallina (o un “pollo”) en un corral para ganar rapidez, como alguna vez Mickey lo hizo con él, aludiendo que “así se entrenaba en los viejos tiempos” (Rocky II). Claro que no se necesita ser un fanático de la saga para divertirse con esta escena o para entender y emocionarse con el resto del largometraje. La cinta que muchos denominan “La nueva de Rocky”, “Rocky 7″ o “La última de Rocky” tiene grandes aciertos de su director: 

El rol de “Ella. Adiós a Adrian (Talia Shire), una mujer sumisa que se alimenta de los sueños de su marido Rocky y que es maltratada física y verbalmente por su hermano Paulie. Bienvenida Bianca (Tessa Thompson), una joven que a pesar de la pérdida de su capacidad auditiva no se da por vencida con su sueño: ser cantante profesional. Lo interesante es que su novio (el propio Adonis), lejos de opacar su carrera, se interesa y la acompaña en el camino. En la única situación donde él la deja en ridículo, ella no se lo perdona (por lo menos en lo inmediato), sino que le cierra la puerta en la cara y “hace oídos sordos”.

Boxeadores por boxeadores. Rocky V y Rocky Balboa (o Rocky VI) tuvieron verdaderos púgiles como protagonistas. Thomas “Tommy” David Morrison (49-3, 44 KO), campeón peso pesado de la OMB, fue Tommy “The Machine” Gunn, el aprendiz y rival de Rocky en el film de 1990. Antonio Deon “Magic Man” Tarver (29-6, 20 KO), campeón semipesado de la AMB, CMB y FIB, interpretó a Mason “The Line” Dixon, la contrafigura de Balboa en la sexta entrega de la saga. Creed no es la excepción. El puertorriqueño Gabriel Rosado (22-9-1s/d, 13 KO), que supo enfrentar a Golovkin y Lemieux y particularmente nació y creció en Filadelfia, personifica a Leo ‘The Lion’ Sporino, uno de los dos rivales relevantes del film de Coogler. El otro es el inglés Anthony “Tony” Bellew (26-2-1, 16 KO), actualmente boxeador de la UER y campeón semipesado Silver CMB (ante el argentino Roberto Bolonti), que encarna a Ricky “Pretty” Conlan. Incluso Michael B. Jordan se convirtió en boxeador (amateur) para interpretar al hijo de Apollo y no utilizar un doble. Entrenó con pesas todos los días y boxeó cuatro a la semana durante ocho meses consecutivos.

Entrenamiento final, updated. Adonis corre por la calle acompañado de unos jóvenes del barrio subidos en sus motocicletas y cuatriciclos hasta llegar al restaurante Adrian’s, donde Rocky, desde el pimer piso, sonríe y levanta sus puños como bendiciéndolo por haber logrado el objetivo (me resulta inevitable no relacionar la escena con el simpático y… ¿difunto? Padre Carmine). Atrás quedó la carrera por las escaleras de la fachada del Museo de Arte de Filadelfia, cómo sin ningún otro boxeador a excepción de “Rock” tuviera permitido subirlas. Y, obviamente, no lo tienen.

Como las peleas del cable. Nunca la saga Rocky tuvo veladas pugilísticas que se asemejaran tanto a la realidad. La primera pelea de Adonis, rodada en un plano secuencia exquisito arrancando en el vestuario y concluyendo en el ring (tal vez la única ajena a una posible transmisión de TV por su insuficiencia legal), pasando por Sporino, hasta Creed vs. Conlan, absolutamente todos los enfrentamientos resultan creíbles. Los planos, focos, efectos especiales y maquillaje, en su justa medida, nos conectan con las noches de box que vemos en la pantalla chica los fines de semana. Lejos quedaron las inverosímiles situaciones dónde dos púgiles se noqueaban al mismo tiempo (Rocky II), luchaban a muerte en una velada de exhibición (Rocky IV) o un boxeador doblaba en edad a su contrincante (Rocky Balboa).

De todas formas, tanto para el flamante director como para Stallone, el mayor acierto de este film fue exponer las cicatrices de Balboa. En su mirada, en su manera de hablar, de pensar, recordar e, incluso, andar. Como si el camino de su vida no hubiera sido lo suficientemente sinuoso, el inesperado resultado positivo de una enfermedad terminal da un vuelco más a su vida. Porque Rocky es el ejemplo de haberlo perdido todo: esposa, mejor amigo, cuñado y entrenador. Y ahora también corre riesgo su vida. ”Si yo peleo, tú peleas”, le dice desafiante Adonis, para que el ex campeón no tire la toalla. Y nadie mejor que Rocky comprende de qué se trata un desafío de vida o muerte. Aunque también sabe que ”el tiempo le gana a todo el mundo, es invicto”, arriba o abajo del ring.

“Un paso a la vez, un golpe a la vez, un round a la vez”, le repite Rocky una y otra vez al heredero de Apollo en su entrenamiento. Le da consejos tanto a él como a nosotros. Porque Balboa esconde en la simpleza (y torpeza) de sus palabras las respuestas para enfrentar al mundo, para darle pelea al día a día  desde que nos levantamos, nos lavamos la cara y en el reflejo de la mañana nos encontramos ajenos a lo que queremos ser. ”Ese hombre ahí (en el espejo), es el rival más difícil que vas a enfrentar”. En definitiva, el film protagonizado por Michael B. Jordan es, por donde se lo mire, la reivindicación absoluta de una saga que ya no tiene su nombre y a la que todavía no nos acostumbramos a llamarla Creed, ni tampoco spin-off. Vaya uno a saber por qué.

Por David Akerman

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[ADELANTO] Algunas imágenes de Creed de Ryan Coogler:

'Creed' Trailer featuring Michael B. Jordan from EURweb on Vimeo.

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[COMPILADO] Los mejores momentos de la saga de Rocky:

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¡BUEN MARTES PARA TODOS! Los invito a explayarse sobre Creed en esta gran nota de David; asimismo, también quisiera saber si son amantes de la saga de Rocky o si ésta les resulta indiferente; como siempre, gracias por leer y los espero mañana con un nuevo podcast ¡hasta entonces, muchachada!

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—> La última vez escribió Tony Vardé sobre… LIGHTNING IN A BOTTLE

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Lightning in a Bottle: Un mapa para el alma

Hoy en Cinescalas escribe: Tony Vardé

Si el blues fuese una persona, ¿a quién elegiría para organizar su cumpleaños número 100? Martin Scorsese suena como una buena opción. En el 2003 el director se puso el traje de productor y convocó al cineasta Antoine Fuqua para registrar un concierto memorable que reuniría a las más grandes estrellas vivas del género: B.B. King, Buddy Guy, Dr. John, Ruth Brown, Hubert Sumlin, sólo para empezar. Fuqua y Scorsese se encargaron de que el concierto realizado en Nueva York el 7 de febrero se convierta en una película y la llamaron Lightning in a Bottle. El resultado es mucho más que la simple filmación de un recital: es una biografía audiovisual en vivo de la tradición blusera americana.

“En el viaje de estos artistas durante el concierto, podés ver la música como lo que realmente es: un mapa hacia el alma humana” dicen los productores. El resultado es una de las más dinámicas, emocionantes y entretenidas películas de conciertos jamás hechas. “Tocás una nota y estás atrapado. Eso es el blues” dice Steve Jordan, baterista y director musical del proyecto. El evento se desarrolla contando la vida del blues en forma cronológica, desde su prehistoria en África, y tocando muchos de los pilares fundamentales en su evolución. El film ilustra claramente cómo una simple forma musical de doce compases y tres acordes ha podido evolucionar tanto. A medida que se mueve la cronología, el blues se fusiona con jazz, funk, rock, soul, incluso hip-hop, con Chuck D convirtiendo “Boom Boom” de John Lee Hooker en un himno pacifista. Ligthning in a Bottle es la prueba fehaciente de que el espíritu del blues puede ser encontrado en cualquier lugar. Incluso, en el corazón de Nueva York. La banda estable del show es un verdadero All Stars con varios años de experiencia. El grupo está dirigido por el mencionado baterista y productor Steve Jordan y Levon Helm (ex The Band) también toca la batería en algunos temas. Los teclados están a cargo de Ivan Neville y la leyenda de New Orleans Dr. John; Kim Wilson de los Fabulous Thunderbirds en armónica, Danny Kortchmar, Willie Weeks, Keb’ Mo’ en guitarras y Larry Taylor en contrabajo. También está la sección de vientos The Beale Street Horns (Andrew Love, Ben Cauley, Jack Hale y Jim Horn), con las voces de Vanisse Thomas, Curtis King y Babi Floyd en los coros.

“¡Mejor tarde que nunca!” exclama Ruth Brown cuando llega al ensayo luego de un infarto reciente. Solo por ésta y algunas otras perlitas que suceden backstage vale la pena ver el film. Fuqua se las arregla para presentar casi todas las canciones con un contexto histórico dramático. Ésto les da a las letras y a la música una resonancia mas profunda. “La mayoría de los films de conciertos son brillantes y sobreiluminados ” dice el director. “Yo no podía permitir que Ligthning in a Bottle luciera de esa forma, ¡es un concierto de blues! Para eso necesitás un clima. Yo busqué convertir el Radio City Music Hall en un lugar oscuro, sombrío, que te te hiciera sentir que estabas en un juke joint del Sur. Al blues tenés que sentirlo y verlo, no solo escucharlo” justifica Fuqua. En una de las charlas detrás de escena, B.B. King habla de una época en la que el blues no era tan popular como lo es hoy: “Ser negro y tocar blues… era como ser dos veces negro” recuerda con tristeza. El tema “Jim Crow Blues” interpretado por Odetta es uno de los primeros números del show y posee una emotividad difícil de superar. Buddy Guy y Vernon Reid nos muestran la conexión entre Muddy Waters y Jimi Hendrix. Hubert Sumlin homenajea a Howlin’ Wolf y obtiene el reconocimiento que merece haciendo “Killing Floor”. Solomon Burke nos acerca al soul y al gospel, mientras que Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith nos llevan hacia el rock con su versión de “I’m a King Bee” de Slim Harpo. Por últiimo, B.B. King se pone al hombro el final de la fiesta haciendo “Sweet Sixteen” y “Paying The Cost to Be The Boss”, zapando con Robert Cray y Bonnie Raitt. Luego de la serie de documentales The Blues, Scorsese sigue con su epopeya para difundir esta músican que tanto ama y preservar su legado.

Por Tony Vardé

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[DE YAPA] Lightning in a Bottle, película completa:

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[LISTA DE REPRODUCCIÓN/OUR MELANCHOLY BLUES] 40 canciones bluseras mencionadas en el post de hoy; ¡gracias por los aportes!

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¡BUEN LUNES PARA TODA LA MUCHACHADA! Arrancamos una nueva semana del blog con esta excelente nota de Tony y tres consignas musicales: 1. ¿Cuáles son sus documentales y/o recitales capturados en cámara favoritos? 2. Este post también sirve como homenaje al blues, así que los invito a sumar canciones del género para incluir en una playlist; 3. Por último, ¿vieron Vinyl, la nueva serie de Scorsese?  Pueden dejar sus impresiones acá mismo; los leo y los espero el miércoles en el post de 45 Years; ¡hasta entonces!

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—> La última vez escribió Verónica Stewart sobre… LA SAGA DE THE HUNGER GAMES

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The Hunger Games – Mockingjay (Parte II): La dialéctica de Panem

Hoy en Cinescalas escribe: Verónica Stewart

El Escuadrón Estrella se reúne en uno de los tantos edificios destruidos del Capitolio. La guerra civil de Panem ha llegado al frío corazón del país, y Katniss y demás ganadores de los anteriormente practicados Juegos del Hambre se detienen ahora a planear su próximo ataque. Boggs, el comandante del escuadrón, les muestra un holograma que indica en qué calles hay trampas, a la vuelta de qué esquina se esconden los explosivos. Finnick Odair mira a Katniss. “Damas y caballeros”, dice “bienvenidos a los 76º Juegos del Hambre”. Recapitulemos: la trilogía de ciencia ficción de The Hunger Games, cuya última entrega se encuentra ahora en cines, tiene a Katniss Everdeen como protagonista y a Panem, un país ubicado donde Norte América estuvo una vez, como contexto. La primera parte de esta historia nos da un panorama del país y de sus Juegos del Hambre, una salvaje competencia televisada y organizada por el Capitolio para mantener a los distritos bajo control. Catching Fire, su secuela, nos revela a una Katniss Everdeen que, tras haber ganado los Juegos y teniendo que competir de nuevo en ellos, se dispone a encender la chispa de la revolución que ya viene gestándose desde hace rato. Finalmente, ambas partes de Mockingjay encuentran a Katniss a salvo en el Distrito 13 con su presidente Alma Coin quien, junto al pasado organizador de los Juegos Plutarch Hevensbee, se encargan de hacer de ella la cara mediatizada de la revolución.

La segunda parte de Mockingjay es ampliamente superior a la primera. La división entre ambas películas está hecha en el momento en el que Peeta, quien ha sido secuestrado – lo cual significa que el Capitolio ha logrado lavarle la cabeza hasta el punto de convertirlo en su sumiso servidor –, es recuperado por los integrantes del Distrito 13. La última escena de esta primera entrega es profundamente dolorosa: Peeta despierta queriendo atacar a Katniss, detestándola con cada fibra de su ser. Para quienes han leído el libro o incluso visto las películas, es innegable que la verdadera acción ocurre luego de este hecho, cuando la guerra civil llega a escalas terribles y tortuosas. El ritmo de esta última entrega es impecable: la escena de una cierta ejecución que queda a cargo de Katniss sobre el final de la película logra crear una tensión punzante entre el silencio de la sala, mientras que las varias batallas que se desatan en el Capitolio aturden a todo espectador que se siente envuelto en medio de esta guerra. La última parte de Mockingjay tiene muchos aciertos, entre ellos el hecho de ilustrar tan bien (y sin minimizar) el trauma del que sufre Katniss al terminar la batalla. Pero lo más importante de esta película es que nos ofrece algo que ninguna puede darnos: perspectiva. Al conocer el desenlace de esta historia, se vuelve más sencillo juzgarla de principio a fin, y el panorama completo de la historia de Katniss nos remite nada más ni nada menos que al esquema dialéctico del filósofo alemán Hegel.

Recapitulemos nuevamente: la dialéctica identifica tres grandes momentos en su esquema. El primero, el de la tesis, es aquel en el que se presenta determinada concepción del mundo, mientras que el segundo, la antítesis, expone sus problemas y contradicciones y propone una visión opuesta. Finalmente, la síntesis surge de una nueva comprensión del problema gracias a la implementación de elementos que se encuentran tanto en la tesis como en la antítesis; es decir, presenta una suerte de mezcla entre ambas. El principal motivo por el cual este esquema es tan utilizado para explicar procesos históricos es, sospecho, que somos criaturas propensas a la repetición. Se puede aplicar a momentos políticos y económicos tan diversos e incluso apartados en el tiempo justamente porque la política y la economía tienden a operar bajo los mismos mecanismos, una y otra vez. Una fuerza política sube al poder, en las elecciones siguientes se vota a quien más se le oponga y luego se opta por buscar un punto medio hasta que vuelva a comenzar el ciclo. Tan visionario fue Hegel en su concepción de la dialéctica que incluso se puede aplicar a una trilogía distópica como la de The Hunger Games.

Primera parte: la tesis. The Hunger Games nos da a conocer la concepción que se tiene del mundo desde el microcosmos que es Panem, el trato que reciben los más pobres distritos y los Juegos del Hambre, aquel sádico evento que representa el más estrecho vínculo entre ambas partes. Katniss, a pesar de encontrarle una vuelta a las reglas al final, participa en ellos. El pueblo todo todavía se encuentra sometido. Segunda parte: la antítesis. Catching Fire nos presenta a una Katniss mucho más segura de sí misma y determinada a acabar con la tiranía de los juegos. Toda la película se ve atravesada por pequeños actos de rebeldía, desde el vestido que se enciende en llamas en el programa de Ceasar Flickerman hasta la destrucción del domo virtual que hacía de los juegos lo que eran. Katniss literalmente destruye a aquello que más sometía al pueblo. Empieza la revolución.

Es en la tercera parte, en la de la síntesis, donde entra Mockingjay y donde más interesante se vuelve el asunto. Y es que a simple vista esta parte no es más que una agudización de la segunda, la más profunda antítesis ante la tesis propuesta por el Capitolio. Sin embargo, pronto comenzamos a observar cuántas de las actitudes de Coin y Hevensbee se asemejan a las del Capitolio. La televización de la batalla se vuelve crucial, y no quieren que Katniss, su tan adorado y explotando sinsajo, de pelea si no hay una cámara frente a la cual pueda jactarse luego. Lo que importa es lo mismo tanto en la revolución como en los mismos Juegos del Hambre: la estrategia mediática llevada a cabo debe ser perfecta, y el arma más grande no son ni las flechas ni las bombas, sino las imágenes en los televisores. Gale mismo dice que si tiene que morir gente inocente para que ellos puedan vencer a un distrito que sigue aliado el Capitolio, que así sea – inevitablemente, esto nos remite a la cantidad de inocentes que mató el Capitolio en su lucha por el poder. Aun manteniendo algo del espíritu revolucionario que prima en Catching Fire, en Mockingjay observamos con temor y un poco de asco cuán similares son todas las estrategias políticas, sin importar a quiénes favorecen ni qué fines cumplen. Coin es veloz para declararse presidente interina, en un proceso que nada tiene de más democrático que el del presidente Snow perpetúandose eternamente en el poder.

Es precisamente por esto que The Hunger Games se despide siendo una de las mejores sagas distópicas de los últimos tiempos. Teoriza, quizás sin quererlo, sobre los medios, la guerra, el trauma que ésta genera e incluso la política. Su mayor fuerza no descansa entonces en su historia de amor o en la valentía y vulnerabilidad que tan bien conviven dentro de su protagonista, sino más bien en cómo logra retratar el funcionamiento político y mediático todo a través de una sola historia de un solo lugar.

Por Verónica Stewart

■  Al texto escrito por mí sobre The Hunger Games lo pueden encontrar acá

■ Al texto escrito por Verónica Stewart sobre Catching Fire lo pueden encontrar acá

■ Al texto escrito por Natalia Paez sobre The Hunger Games – Mockingjay (Parte I) lo pueden encontrar acá

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[TRAILER] Algunas imágenes de Mockingjay – Part 2:

Mockingjay Part 2 Trailer from C M on Vimeo.

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¡BUEN LUNES PARA TODOS! Arrancamos una nueva semana del blog hablando sobre el cierre de The Hunger Games: 1. ¿Qué les pareció la saga en general y su conclusión en particular? 2. ¿Qué otras sagas resisten un análisis filosófico como el que propone Vero? 3. Por último, ¿son de leer sagas? ¿cuáles son sus favoritas? ; nos reencontramos mañana con un post sobre Grandma; ¡hasta entonces, muchachada! ¡que tengan un excelente día! PD. No se olviden del Concurso Oscars 2016, tienen tiempo hasta el domingo próximo para dejar sus predicciones; ¡buena suerte para todos!

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—> La última vez escribió Victoria Leven sobre… MIA MADRE y EL CINE DE NANNI MORETTI

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