Hoy habla con Cinescalas…Vanessa Saba

Lelia: What happens now?
Tony: What happens? Um, what do you mean, “what happens now?”
Lelia: I mean, do I stay with you?
Tony: Stay with me? Um, stay with me. Do you mean live with me?
Lelia: Yes
Tony: Do you want to?
Lelia: No. I want to go home

Shadows

En ocasiones, los movimientos corporales son el reflejo más irrefutable del daño que puede hacer el paso del tiempo en una relación tormentosa. Blue Valentine muestra esto a través de las manos de Cindy rechazando las caricias de su marido Dean en un hotel que Derek Cianfrance filma con la misma incomodidad y asfixia que padecen sus personajes. En Like Crazy, por otra parte, los ojos de Anna se abren y se cierran mientras Jacob la abraza en la ducha y ella intenta aprehender un recuerdo para que el presente sea menos presente y más pasado, más cercano a esa locura bien entendida y más alejado del vacío emocional. Sentir algo, lo que sea, pero sentir. En 10,000 Km, Alexandra y Sergi finalmente se reencuentran tras un año de distancia geográfica pero, paradójicamente, sus cuerpos denotan una brecha irreconciliable. Estas tres películas, en un punto herederas del cine de John Cassavetes, no solo se concentran en ese terreno intermedio en el que se toma la decisión de largarlo todo o quedarse para empezar de nuevo sino que también, como diría Federico Moura, obligan al espectador a convertirse en un testigo oculto de esos intercambios ásperos, “espiando sin discreción como un voyeur en vacaciones”. En la reciente edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tuve la posibilidad de ver en la sección Panorama el film peruano Ella y él, dirigido por Frank Pérez Garland y co-escrito por él y su esposa, Vanessa Saba, además protagonista junto a Giovanni Ciccia. Una pareja con identidad anónima – aquí no hay nombres, solo pronombres – intentan que su vínculo no se desmorone a pesar de que sus vidas están signadas por traumas familiares que les impiden superar fobias, restricciones, miedos para así funcionar “normalmente” y obtener un canónico final feliz. Aquí abajo comparto mi entrevista con Vanessa, quien brinda una de las mejores interpretaciones del año como “ella”, una mujer que al desprenderse de su familia está deseando, con muchos traspiés, construir la propia.

¿Quién tuvo la primera idea para el guión, vos o Frank?

Yo tuve una idea muy chiquita pero que estaba muy alejada de lo que finalmente fue el resultado. Pensaba mucho en contar la historia de una pareja a través de canciones y con muy poco texto. Lo hablé con Frank y me dijo que le gustaba pero que estaba más interesado en sacar las canciones y escribir algo juntos. Así se armó una dinámica de escritura muy relajada, cada uno escribía por su lado y luego nos juntábamos para hacer correcciones y decidir qué sacar y qué dejar. Hubo un período de conversaciones muy extenso

¿Cuánto tiempo les consumió el delinear personajes, teniendo en cuenta que ambos acarrean muchos conflictos?

Nos llevó bastante tiempo justamente por eso. La película se filmó en el verano de 2013, pero mis charlas con Alex sobre la misma arrancaron dos años antes del rodaje, así que invertimos mucho tiempo en intercambios sobre el guión y sobre los personajes, porque si bien ellos son las figuras centrales del film, también los queríamos mostrar interactuando con otras personas que hubieran tenido una fuerte incidencia en esos conflictos. Justamente esos traumas que ambos sienten nos obligaron a ir para atrás, a concebir las dos familias, porque en un punto Ella y él es más un estudio sobre eso que una historia de amor

Eso te iba a comentar, es una película sobre cómo los traumas familiares afectan una dinámica de pareja

Eso mismo, tú lo has dicho exactamente como es. Si te lo pones a pensar es un tema muy interesante porque la familia siempre se quiere mucho a pesar de todo, a pesar de los choques. Cuando eres más grande y creces y empiezas una relación, si todavía tienes mochilas es más complicado que se genere una dinámica pacífica. Si no te sacaste ese peso siendo chico, construir algo nuevo de grande, en los cuarenta, es extremadamente complejo. No todo el mundo puede formar una nueva familia bajo sus propios términos

¿Por eso fue que se optó por un final abierto, como si los personajes estuvieran diciendo “así somos, empecemos algo con estas limitaciones”?

Sí, de hecho es un final abierto porque no sabemos qué les va a pasar pero para Alex y para mí el desenlace de la película era el comienzo de la historia de ellos, todo lo previo estaba vinculado al quebrar barreras, con él diciendo “este soy yo”, con ella expresando lo mismo, delimitando términos, con la idea de aceptación circundando. En realidad, es por eso que no se puede hablar de un final feliz a secas. Es un final feliz para ellos, acorde a sus circunstancias

Desde el comienzo del film la más expuesta emocionalmente es ella, mientras que de él no sabemos demasiado hasta que se acerca el final, ¿eso siempre se mantuvo inamovible en el guión?

Me parece que eso siempre estuvo pautado pero te diría que como algo inconsciente. Al escribir yo los fragmentos de ella, creo que la puse más al descubierto como sin quererlo. Por el contrario, Frank hizo muchas observaciones “de género” en cuanto al personaje de Giovanni y ahí pensamos que podía ser atractivo que hubiera un cierto enigma a su alrededor, sobre todo porque se trata de un personaje mucho más contenido que el de ella

En ese aspecto, ustedes cuidaron muchos los detalles, a él lo vemos sobresaltado en ocasiones festivas como Navidad o su cumpleaños, sin saber bien la causa

Sí, esos detalles fueron los que ocasionaron una identificación con los espectadores que se acercaron a hablarnos del film. Recuerdo que un chico nos comentó que a él le pasaba eso en su cumpleaños también, que el hecho de [SPOILER A CONTINUACIÓN] haber perdido a sus padres le ocasionaba un sentimiento de culpa tan grande que no podía disfrutar de esa clase de instantes celebratorios, y que la pasaba muy mal por eso

Desde el punto de vista actoral te tocaron escenas muy duras, ¿recordás alguna en particular que te haya costado más que otra?

Mi personaje está cargado todo el tiempo, así que todas las escenas fueron difíciles pero hubo algo que me sucedió que no me lo esperaba. Yo hace veinte años que soy actriz y por primera vez me fue complejo ponerme en la mente de mi personaje porque, al haber escrito el guión y al ser productora, a mi cabeza la costaba atravesar el proceso actoral. Me fue confuso porque a pesar de haberla escrito a ella, no podía definirla, estaba en una especie de nebulosa. Hasta que ahí me cayó la ficha. “Esa nebulosa es ella” pensé. Ella no sabe quién es, no se ha encontrado aún, y creo que intuitivamente absorbí eso mismo

Creo que el acierto está en que la vemos perdida desde la primera escena pero no se sobreexplican los motivos

Sí, eso fue algo a lo que le prestamos mucha atención. Aparecen otros personajes que tiran algunas frases sobre ellos, pero que no detallan sobremanera sus conflictos. Ingresan para dar un mínimo de información, nada más. Por eso tampoco les quisimos poner nombres a los protagonistas. Son particulares y universales. Todos estamos un poco locos si lo piensas, todos hemos pasado por situaciones similares, aunque las anécdotas no sean calcadas

Toda la película se desarrolla a partir de viñetas de la relación amorosa, ¿cuántas quedaron afuera?

Teníamos muchas escenas que finalmente decidimos sacar de la película porque atentaban contra la intención de la historia. Es decir, eran dramáticas pero en extremo y Ella y él es un film que es más bien íntimo, en el que no hay cabida para secuencias caprichosas. Una vez que se determinaron esas viñetas, todo el proceso de filmación fue muy veloz, duró alrededor de tres semanas

¿Tuviste margen de tiempo para improvisar con Giovanni?

No, no improvisamos, solo tuvimos muchas conversaciones sobre nuestros personajes y algunos ensayos, pero también porque estábamos acotados de tiempo y de presupuesto. Esta película se filmó con 25.000 dólares, con un equipo pequeño que hizo un enorme esfuerzo, que cobró por debajo de lo que cobra habitualmente, porque creyó en el proyecto, porque era algo realizado entre amigos, comunitario, honesto. De hecho me sorprendió que en Perú se haya quedado más de cinco semanas en cartelera teniendo en cuenta que no es un film para nada comercial

¿Cómo se enteraron de que iban a formar parte del Festival de Mar del Plata?

Alex recibió la noticia y me despertó a los gritos (risas). Él conocía mucho sobre el perfil del festival y tenía muchas ganas de formar parte de él, aunque lamentablemente no pudo viajar para presentar la película conmigo

¿Qué sentís ahora al verla?

No suelo verla. Solo el comienzo y el final. Me sigue dando mucho pudor verme y, peor aún, escucharme, pero me encanta a la salida de las proyecciones hablar con la gente, eso es lo bueno de una película como esta, que tiene objetivos que exceden su desempeño en taquilla

Sí, eso se nota, en relación con la cualidad honesta que mencionabas, es una película que apunta a generar identificación

Sí, por eso nosotros ya somos felices si alguien comparte la experiencia de verla y si a alguien le llega desde algún lugar. Me moviliza cuando logramos eso. A mi esposo le cuesta mucho filmar algo que no sea personal, por eso nos da nervios mostrar la película, porque ambos nos involucramos mucho y cuando una persona se nos acerca y nos dice que se sintió conmovida por lo que vio no puedo evitar emocionarme. 

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 ► [TRAILER] Les dejo el adelanto de Ella y él:

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 ► [CANCIÓN 1] Vanessa Saba interpreta “No me imagino”, uno de los temas del film de Frank Pérez Garland:

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 ► [CANCIÓN 2] “Si no estás”, otra de las composiciones de la banda sonora de la película:

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 ► [GALERÍA] 30 fotos de rodaje de las películas “de dos personajes” mencionadas en el post de hoy:

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¡BUEN MIÉRCOLES PARA TODA LA MUCHACHADA! Como consigna para el post de hoy, me gustaría que nombremos películas centradas en dos personajes para armar una galería alusiva; desde ya, quienes hayan podido ver Ella y él están más que invitados a debatirla; nos reencontramos mañana con los jueves de balance y el turno de Las mejores frases que nos ha dado el cine durante el 2015; ¡a anotarlas! Que tengan un excelente miércoles, ¡los leo! 

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El cine bajo la mirada de…Justin Lerner

“Siento de alguna manera que es una desgracia no hacer nada, estar únicamente esperando el momento oportuno, tomárselo con filosofía, ser sensato” le confesó Anaïs Nin en una de sus febriles correspondencias a Henry Miller. En la entrevista que podrán leer a continuación, el director Justin Lerner habló sobre su segundo largometraje The Automatic Hate – exhibido recientemente en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata – citando a Nin como una de las inspiraciones veladas de esta historia sobre secretos latentes que son descubiertos para simultáneamente poner al desnudo una parte de nosotros mismos. Davis (Joseph Cross) es visitado una noche por Alexis (una intempestiva Adelaide Clemens, el gran fuerte del film), una joven que dice ser su prima. Como en el resto de los acontecimientos, Alexis es el disparador excluyente de un gran número de revelaciones. Davis le cuestiona a su padre Ronald (Richard Schiff) por qué nunca le dijo que tenía un tío y tres primas, al tiempo que entabla con Alexis una relación sentimental que lo obliga a redescubrirse. ¿Pero quién es Davis? ¿El joven pragmático de vida organizada que está por casarse con su novia Cassie (Deborah Ann Woll)? ¿O el joven impulsivo que, como decía Nin, considera que lo mejor es eludir la sensatez? ¿Davis es su padre o Davis es su tío Josh (Ricky Jay)? A Lerner, quien co-escribió el guión junto a Katharine O’Brien, le interesa la no-respuesta, o las múltiples respuestas concentradas en una: el rostro de Joseph Cross que esconde tanto como revela.

Tanto tu ópera prima Girlfriend como The Automatic Hate abren con primeros planos que revelan muy poco acerca de los personajes principales. ¿Ésa fue una decisión consciente o surgió en ambos rodajes?

Siempre decido de antemano, más específicamente en el proceso de escritura, ya que me gusta que mis películas comiencen con la cámara por detrás de los personajes porque eso les añade una cuota de misterio a los relatos. El objetivo es que los espectadores se queden con ganas de ver más y la manera de mantenerlos interesados es no contando mucho al comienzo, no revelando demasiado. En las escenas que vos mencionás traté de poner el ojo en algo que va a explotar luego. Me gusta usar la cámara como vehículo para manejar el nivel de conocimiento que uno tiene de los personajes. Cuando pasás mas tiempo con ellos, vas a poder verlos más de cerca y de manera más íntima, pero si empezás con lo íntimo, entonces eso no te deja mucho espacio para recorrer. Por otro lado, si empezás enfocándolos a la distancia, tenés un margen de acercamiento que se va a producir a lo largo de toda la película

¿Cuál fue el personaje más difícil de escribir? Pensaba en Alexis, que podría haberse configurado como el prototipo de stalker, casi como una caricatura de una joven problemática, y que termina siendo mucho más humana y pluridimensional

Alexis fue el personaje más complejo de escribir, sin dudas, ya que su personalidad cambia con el clima (risas). Con Katharine estábamos preocupados de que la gente pensara que ella era simplemente una loquita y no mucho más. Creo que la mejor manera de describirla es partiendo del hecho de que fue una persona prácticamente criada por lobos. En contraposición con Davis que fue criado en la ciudad, ella creció en el campo, no tiene las reglas o la consciencia de alguien que vivió la mayor parte de su vida en la civilización. Además es la más joven de la familia y sus padres jamás le dijeron que tenía que disculparse cuando hacía algo equivocado así como tampoco la incitaron a seguir las reglas o a frenar sus impulsos. Es por eso que ella hace lo que quiere. Fuera de la ciudad hay menos dictámenes. Eso era un dato muy importante para nosotros, ya que no queríamos pintarla como una loca sino como alguien más complejo

En toda la película Alexis se comporta de manera extraña, al punto de que no sabemos exactamente qué es lo que sucede con ella

Ella es encantadora, curiosa, vengativa, está feliz, triste, todo junto. Alexis siente las cosas con mayor fuerza que otras personas. Está viva y eso la hace más excitante. Nunca sabés con qué te vas a encontrar cada vez que aparece y eso a Davis le parece atractivo

Adelaide Clemens y Joseph Cross tienen mucha química. ¿Ensayaron previamente?

Sí, coincido, la química se nota. Eso es porque se cayeron muy bien en el set y pasaron mucho tiempo juntos. A mí no me gustan mucho los ensayos porque quiero captar el primer momento en el que tiene que pasar algo con la cámara y no en instancias previas. Cuando tenés buenos actores no necesitás ensayar demasiado. Hablamos mucho, sí, nos encontrábamos todos los días para discutir las escenas, pero después en el rodaje íbamos cambiando algunas frases si era necesario

¿En qué momento les surgió a vos y a Katharine la idea de contar esta historia?

Decidimos escribirla juntos cuando yo estaba terminando la universidad UCLA y ella estaba por empezar a estudiar cine en Columbia. Escribimos esta película antes que Girlfriend, pero filmamos aquella primero porque pensamos que iba a ser más fácil de financiar porque era más chiquita y con menos personajes. En cuanto al proceso de guión de The Automatic Hate, básicamente nos sentamos a pensar la historia, después nos repartimos las escenas y luego las intercambiábamos para hacer correcciones o aportar algo nuevo. Nos íbamos enamorando de los personajes a medida que íbamos escribiendo

¿De cuál te enamoraste vos?

De Alexis. Me gustó más escribir ese personaje que cualquier otro y a Katharine le pasó lo mismo pero con el del tío Josh. Si bien ambos escribimos todo, yo concebí la mayoría de los diálogos de Alexis ya que era algo que me divertía y que disfrutaba, en parte porque salí con muchas mujeres de personalidad similar a la de ella, así como Katharine tiene primos hippies que viven en el campo, por lo cual basamos esa parte de la historia en su familia

El final de la película genera una ambigüedad interesante: en un punto da la impresión de que Alexis vuelve y en otro, al no aparecer nunca en pantalla, se constituye como algo que acosará a Davis por ausencia

Exacto, queríamos crear la duda de si ella estaba realmente ahí cuando Davis escucha un ruido o de si lo estaba imaginando. Pero eso no es lo más importante, lo importante es que Alexis siempre va a estar en su mente, la vea a ella o no. Nos aseguramos de que Davis escuchara el sonido de algo que podía ser la camioneta de Alexis o bien un camión de basura. Queríamos crear la doble naturaleza en su rostro, en el cual se pueden percibir dos sensaciones. Por un lado, Davis está asustado de que ella reaparezca en su vida. Por el otro, cuando se da cuenta de que no hay nadie allí, se pone muy triste. Fue una escena que tenía que salir perfecta y por eso la filmamos más de veinte veces. La idea es que así como Davis y Alexis querían destapar el secreto de sus familias, ellos mismos terminan creando el suyo. Davis hereda su propio secreto

En relación a eso que mencionás, cuando Davis le miente a su novia sobre el final, lo hace para asemejarse más a su padre (“un cobarde” bajo la mirada de su hermano) que a su tío; sin embargo, en el fondo tiene la impulsividad de su tío aunque reniegue de ella

Precisamente era eso lo que quería mostrar. Davis está con un pie en el campo y con otro en la ciudad. Tiene una pierna en cada lugar y siempre está yendo de un lado al otro. En una vereda, está la vida similar a la de su tío, la que te dice que está bien que vivas siguiendo tus deseos independientemente de cuáles sean. En la otra vereda está el padre de Davis y su novia, ambos representando la civilización, las reglas, quizás una futura boda, un compromiso

¿Cuál sentís que es la vereda que está pisando más fuerte?

No te puedo decir eso (risas). La cara de Davis en el final de la película debería decirte todo lo que querés saber y aún así siento que aunque no hay una respuesta correcta. Todo lo que muestra su rostro es verdadero. Lo que más me gusta del cine es cuando te encontrás con películas que se quedan con vos por un largo tiempo. En algún punto busco generar eso con la mía. Quise hacer un final más desordenado, en el cual al personaje le sucedan muchas cosas en cuestión de un minuto. De hecho, la mejor manera de mostrar el cambio en un personaje, según mi punto de vista, es haciéndolo girar 360 grados para luego posicionarlo en el mismo lugar del comienzo, pero habiéndole hecho atravesar muchas cosas en el medio. Éso es lo que pasa con Davis. La película empieza y termina en el mismo sitio, pero él ya no es la persona del inicio. Es por eso que tiene un pie en la ciudad, lugar donde está parado físicamente, pero la mirada perdida en otro, que es el campo. Davis está detenido, está en el limbo. Me parece que todas las personas estamos estancadas en ese lugar o en ese no-lugar: entre lo que debemos hacer y lo que realmente queremos hacer. Por lo tanto, lo que veas o infieras de su cara en el final es correcto porque él no está pensando en una sola cosa

Como dice Jesse en Before Sunset, hay escenas que uno interpreta según su propia personalidad o sus propios deseos, según tu romanticismo o tu cinismo

Sí, o dependiendo de en qué parte de la cara del personaje decidiste concentrarte; ¿conocés a Anaïs Nin?

Sí, claro

Ella dijo que nosotros no vemos las cosas como son sino como somos. Por ejemplo, The Graduate es mi película favorita, y si bien al comienzo creía que tenía un final feliz, cuantas más veces la veía, más se iba convirtiendo en una tragedia

Tus padres son psicólogos, ¿cuánto influyeron en el guión de The Automatic Hate en particular?

Mis padres siempre están influyendo en muchas cosas ya por el hecho de ser mis padres (risas), pero para esta película tomé bastante de ellos, ya que mis padres también son profesores como los padres de Davis, al tiempo que los primos de Katharine son hippies como la familia de Alexis. Emplear algunos componentes autobiográficos nos ayudó, ya que partíamos de la premisa de mostrar cómo un chico que siempre obedeció las reglas despertó una parte de su mente que desconocía

En tu película trabajás mucho con los detalles, desde el brazalete que Alexis usa como disparador de una disputa familiar hasta los gestos faciales, ¿eso era algo que te interesaba explorar?

Sí, absolutamente, me gusta concentrarme en los detalles, como cineasta y como espectador. Siempre me atrajo cómo el hecho de mirar a un personaje en silencio por mucho tiempo puede afectarte, aunque parezca que no está sucediendo nada. Eso mismo hacen algunos de mis directores favoritos como Michael Haneke, Lucrecia Martel y Lisandro Alonso, acercarse a los rostros de manera muy íntima pero sin que el espectador pueda precisar a ciencia cierta todo lo que internamente les está sucediendo a esos personajes. La mujer sin cabeza es buen ejemplo de eso, es una gran película

En Girlfriend vos hacés algo similar, lo mostrás al personaje de Evan en situaciones mundanas de manera prolongada

Sí, quise tratar a Evan casi como si fuera un modelo, algo que Robert Bresson hacía de manera magistral. Mirar a una persona ser ella misma es ocasionalmente una de las cosas mas interesantes que podés hacer

¿Cuál fue la escena más compleja de filmar de The Automatic Hate y aquella de la cual estás más orgulloso?

Tengo la misma respuesta para ambas preguntas: la de la cena familiar donde se produce la confrontación

Me imaginaba que ibas a optar por esa 

Sí, fue una secuencia que nos llevó una semana entera de los veinte días de rodaje. Fue muy difícil y muy intensa, pero afortunadamente los actores llegaron muy preparados porque no querían hace un papelón frente al resto del cast (risas). Además era una escena que estaba acompañada por una canción que empieza lenta y que luego explota [N. del E.: "Quand on n'a que l'amour" de Jacques Brel], y era Alexis esa bomba siempre a punto de explotar. Alfred Hitchcock decía que para crear más suspenso en tu película solo tenés que ubicar a dos personas hablando en una mesa pero con una bomba abajo, una bomba que los espectadores vieran para generar tensión. Alexis era eso para mí. Por otro lado, se trata de un momento trágico pero al mismo tiempo musicalizado con una linda canción francesa (risas). Fue lo más cercano a una obra de teatro, porque los actores tenían una suerte de audiencia, ya que es la única secuencia en la que están todos juntos

Me imagino que la escena de amor entre los primos también debió haber sido difícil de filmar, ¿cuán complejo fue encontrar el tono justo para que el espectador no se distancie?

Muy complejo. Se trataba de una situación extremadamente íntima. Me parecía que la relación con un primo o prima ayudaba a reflejar lo gris de los vínculos humanos, en los que nada es tan blanco o tan negro. Me gusta mostrar esa zona moralmente intermedia, creo que mis dos películas y mi cortometraje The Replacement Child hablan sobre eso mismo

En la película hay un gran secreto que se revela sobre el final, ¿a la hora de escribir el guión siempre lo tuvieron definido?

Te voy a decir algo que seguramente no imaginabas, ni Katharine ni yo sabíamos cuál iba a ser el secreto hasta que llegamos a esa escena en la que todo explota. Al momento de filmar la secuencia de la cena de la que hablamos previamente, decidimos cuál iba a ser ese hecho tan grande que arruinó la vida de muchas personas. Afortunadamente Katharine es una mujer muy inteligente y ella pensó que el secreto debía hablar más sobre lo duro que es pasar algo de generación a generación, de lo duro que es heredar ciertos patrones. Asimismo, pensamos que lo pasó entre esos hermanos tenía que ser similar a lo que pasaría luego entre Davis y Alexis, es decir, tenía que ser una revelación que impactara pero que al mismo tiempo fuera lógica y no del todo sorprendente

A fin de cuentas, es una película sobre la familia como peso

Sí, tomamos algunas cosas de Romeo y Julieta o de películas como La celebración para hablar del tema. La familia y la cultura pueden pasar odio de una generación a otra, por eso el título del film debía tener esa palabra, hate, que en inglés suena muy dura, muy fuerte. Absolutamente todos tenemos mochilas familiares que nos pesan. Es más, yo no hubiese escrito esta película si no tuviera algo familiar con lo que lidiar. Vivimos con secretos, con problemas familiares, con situaciones ante las cuales nos vemos obligados a tomar una determinada posición

¿Considerás que la familia es lo único de lo cual no se puede escapar?

Considero que uno puede intentarlo, pero como es algo que te elige, en un punto no podés controlarlo. Si te escapás de tu casa o te vas en algún momento, quizás podés decidir quién querés que te críe, pero no quiénes van a ser por siempre tus padres. Hay algo muy fuerte en tu ADN que jamás vas a poder cambiar

¿Tu próxima película va a abordar el mismo tema?

La próxima será algo así como la tercera entrega de “historias de amor consideradas tabú” para los ojos de la sociedad. Es sobre una adolescente que se convierte en estrella pop, queda embarazada y debe ocultarlo porque creció bajo las reglas de un padre pastor muy rígido. Por lo tanto, su círculo debe contratar a una doble que finja ser ella por nueve meses y entre ambas se genera un vínculo sexual y espiritual muy fuerte

Definitivamente la voy a ver (risas). Más allá de Haneke, Alonso y Martel, ¿qué directores contemporáneos que pertenecen como vos al circuito indie norteamericano nos recomendarías?

Me gusta mucho todo lo que hace Sean Baker (Starlet, Tangerine), también me encanta el cine de Adam Christian Clark (Caroline and Jackie), el de Jeremy Saulnier (Blue Ruin) y el de Shane Carruth (Upstream Color). 

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 ► [TRAILER 1] Les dejo el adelanto de The Automatic Hate:

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► [TRAILER 2] Algunas imágenes de Girlfriend, la ópera prima de Justin Lerner:

GIRLFRIEND - Theatrical Trailer from Justin Lerner on Vimeo.

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¡BUEN MARTES PARA TODOS! Si alguien pudo ver The Automatic Hate en el Festival de Cine de Mar del Plata, los invito a explayarse sobre la misma; por otro lado, en relación a la temática del film de Justin Lerner, me gustaría saber qué cosas sienten que han heredado de sus padres o de algunos de sus familiares; como siempre, los leo y los espero mañana en El post del baboseo versión 2015; ¡buen martes para toda la muchachada!

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La última vez vimos el cine bajo la mirada de… BEATRIZ SANCHIS

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Composición: Tema libre (vigesimosexta entrega)

¡Buen viernes para toda la muchachada! Como ya les había comentado en este post, a partir de hoy hasta el domingo 8 inclusive voy a estar trabajando como jurado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (les dejo acá mismo mi lista de recomendadas de la muestra de este año). Es un placer regresar a ese marco donde presenté mi documental, especialmente porque compartiré la experiencia con Ezequiel Acuña y Ayar Blasco, también jurados de la sección HORA CERO. Por lo tanto, voy a abocarme a dicha tarea en la próxima semana. Nos reencontramos el martes 10 con un post de Camila Martínez sobre los paralelismos entre Her y Lost in Translation que es brillante. Mientras tanto, divaguen sobre lo que gusten en este post. Para eso está. ¡Nos vemos pronto!

Diario de proyección: No estás solo en Mendoza

Foto: Leandro Fernández / Sin Retorno

En la charla que tuve la posibilidad de dar en el auditorio de la Biblioteca Municipal Manuel Belgrano de Godoy Cruz me reencontré con el realizador mendocino Matías Rojo, a quien hace unos años había entrevistado a raíz de su ópera prima, Algunos días sin música. La breve conversación que tuve con Matías sintetiza lo que sucede cada vez que viajo con No estás solo en esto a algún sitio: hay una cierta afinidad circundando cada proyección. Así lo pude comprobar en quienes se acercaron después de ver el documental, en quienes me hicieron entrevistas, en quienes pusieron su grano de arena para que mi película se proyecte en Mendoza (un gracias enorme a Laura y al incansable equipo detrás del Cineclub Stocco), y en quienes levantaron la mano para hacer alguna pregunta respecto al blog y mi trabajo con él (especialmente a Florencia Morales). Considero que todos los que estábamos en ese auditorio tenemos “ese código en común” del que habla Paola en No estás solo en esto y que va mucho más allá de compartir admiración por directores o películas en particular. Como siempre, todo se relaciona con sentir al cine sin medias tintas, con el cinéfilo como sinónimo de persona altamente sensible y altamente apasionada. En consecuencia, cuando veía el tatuaje de Submarine de Sebastián o el tatuaje de Radiohead de Victoria o cuando Lu ponía un disco de Foo Fighters camino a una bodega, reconfirmé que uno de los aspectos que más disfruto de las proyecciones es la interacción, las charlas más personales (gracias, Gustavo) y el redescubrimiento de que el cine, la música y las palabras siguen extendiendo esa enredadera que es el blog. Un gracias enorme a los que se acercaron a escucharme, a disfrutar de algunos videos editados por Mati que representan la esencia del blog y a quienes se tomaron una hora de su tiempo para ver el documental. Quisiera rescatar que algunos de los asistentes no conocían Cinescalas ni participaban activamente de los comentarios pero, como me dijo un chico a la salida de la proyección, se vieron representados por los testimonios de algunos de ustedes, testimonios que les recordaron qué es lo bueno de sentir pasión por lo que uno hace: es una cualidad que va más allá de todo, quebrando restricciones, motivando e impulsando a vivir un poco más genuinamente. Hasta la próxima proyección, muchachada. 

Fotos cortesía de Diego Echenique, Leandro Fernández para Sin Retorno y Cineclub Stocco

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► [GALERÍA 1] La presentación del documental, la charla y otras postales del paso de No estás solo en esto por Mendoza:

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► [GALERÍA 2] Más imágenes del encuentro del miércoles:

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► [DE YAPA] Un saludo de los integrantes del Cineclub Stocco de Mendoza a la comunidad de Cinescalas:

El Cineclub Stocco de Mendoza saluda a Cinescalas from Mili Amondaray on Vimeo.

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► [AUDIO] Les dejo la entrevista que me hizo Gustavo “Ringo” Obregón para el programa Tomémonos un tiempo de Radio Vorterix Mendoza:

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¡BUEN COMIENZO DE SEMANA PARA TODOS! En este post sin consigna simplemente quería compartir con ustedes la experiencia de proyectar No estás solo en esto en Mendoza y recordarles que el viernes 18 de septiembre a las 20:00hs. finalmente presentaré la película en Capital Federal en la UNA, lo cual me entusiasma enormemente; nosotros nos reencontramos el miércoles con el post de Cop Car y el jueves con sección nueva; ¡hasta entonces, muchachada!

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