Deathmatch: Los mejores protagónicos masculinos del cine

Lo más llamativo de Dog Day Afternoon es su dicotomía entre la espontaneidad y la meticulosidad. Ambos rasgos se funden de manera permanente. Por un lado están sus protagonistas, dos hombres arrebatados, expulsados por el sistema (“I’m an outcast and that is it” se autodefine Sonny) que deciden robar un banco por fines que convergen en un mismo lugar: el amor. Sonny hacia su pareja y Sal hacia sí mismo y su avidez de superación. Por otro lado, Sydney Lumet calcula la acción, la maneja con una precisión tal que hace que todo ese transcurrir de los personajes no sea caótico al punto de la desprolijidad. Así, lo que podría haber sido la mera historia de un robo que sale mal, adquiere otra tesitura cuando Lumet deja entrever una vasta cantidad de observaciones con la naturalidad de quien rechaza los sermones. La relación entre Sonny y Leon, esos hombres enamorados (el que se sacrifica y el que espera), permite que se aborden tópicos como la homofobia y la ignorancia ante la diversidad sexual con la cintura como para también aludir a otra clase de brecha: la que divide a los privilegiados de quienes buscan progresar y no pueden (ver la cómica, improvisada y simultáneamente reveladora escena “de Wyoming”). Por lo tanto, toda la película es propulsada por oposiciones, siempre hay dos caras, siempre hay dos miradas. Y esto no sólo lo notamos en el vínculo puntual entre Sonny y Sal – mucho más que dos perdedores – sino también entre ellos y los rehenes y, sobre todo, entre ellos y la policía. Pero si Dog Day Afternoon, además de ese montaje que va a la par del desenfreno y el calor fiel al período canicular de su título, nunca se permite perder el corazón en el camino, esto se lo debe a la interpretación de Al Pacino. Sonny habla, gesticula, se mueve, duda, avanza y recula sin sacrificar su espíritu desbocado. Ni siquiera sobre el final – ese glorioso final -, cuando cae la noche, ese calor decrece, y la chispa se apaga. 

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► [ESCENA NÚMERO 1] La charla telefónica entre Sonny (Al Pacino) y Leon (Chris Sarandon), mi momento favorito de la película:

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► [ESCENA NÚMERO 2] El inolvidable John Cazale junto a Pacino en otra grandiosa secuencia del film de Sidney Lumet:

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► [GALERÍA] Los mejores protagónicos masculinos del cine, según sus aportes en el post de hoy:

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¡BUEN JUEVES PARA TODOS! En el Deathmatch de hoy, enfrentamos las mejores actuaciones protagónicas masculinas del cine; como siempre en estos casos, espero sus aportes para poder armar una gran galería; ¡los leo, muchachada, que tengan un gran día! ¡hasta mañana! PD. No dejen de ver este breve documental, por favor ;)

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DEATHMATCH WINNER: ROBERT DE NIRO

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… LAS MEJORES ENTREVISTAS

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Deathmatch: Las mejores entrevistas

Siempre digo que una de las aristas que más disfruto de lo que hago son las entrevistas. Sin embargo, nunca fui demasiado ambiciosa en ese aspecto. Nunca tuve como sueño acceder a grandes estrellas (lo juro). Por ejemplo, cuando compartí con ustedes el momento en el que pude hacerle unas preguntas a Tom Cruise, creo que me explayé más sobre la sensación que me produjo estar cerca del hombre que había sido dirigido por Stanley Kubrick. Mi disfrute, y aunque suene a falsa modestia, pasa más por buscar pequeñas películas y a los grandes realizadores detrás de ellas. Por eso, uno de los recuerdos más gratos que conservo del 2013 fue el haber podido hablar con Destin Cretton sobre Short Term 12, Brie Larson y el momento en el que Keith Stanfield cantó, dejando en silencio a todo el set, esa poderosa canción sobre la tortura progresiva llamada “So you know what it’s like”. Asimismo, esta semana (y gracias a un intercambio con Nati Paez), pensé en una breve entrevista que le hice a Julio Chávez cuya excusa era El puntero. Pero yo estaba más interesada en preguntarle sobre Un oso rojo. Creo que lo charlamos acá muchas veces. Los detalles son esenciales. Hace poco leía un libro en el que el protagonista diferenciaba los somethings de los anythings: “a drunk kiss at a party: anything; a sober kiss alone in a park: something” y así sucesivamente. Reviendo las entrevistas que dejo más abajo con el gran Martin Scorsese, me acordé de eso y puedo reformular un poco la teoría de lo genérico versus lo particular. Porque sí, es interesante cuando un cineasta define su obra mediante rasgos esenciales, pero es aún más interesante (al menos para mí), cuando Scorsese habla de Fellini, cuando Scorsese habla de cómo filmó a su mamá en Goodfellas ante la pregunta de Jim Jarmusch, y cuando Scorsese repasa punto por punto sobre cómo se logró en dos tomas la escena de los Quaaludes de The Wolf of Wall Street. Entonces, me quedo con los somethings de las charlas, y me gustaría que hoy, con ese disparador, rescatemos muchos otros. Los leo. ♦

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► [ENTREVISTA 1] Martin Scorsese entrevistado por Charlie Rose:

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► [ENTREVISTA 2] Jim Jarmusch entrevista a Martin Scorsese:

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► [ENTREVISTA 3] Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese en una imperdible charla sobre The Wolf of Wall Street:

 

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¡BUEN JUEVES PARA TODA LA MUCHACHADA! Hoy la idea es que compartan las mejores entrevistas a actores/directores/guionistas/otras figuras del cine que hayan visto o leído; ¿disfrutan mirando entrevistas? ¿cuáles fueron las más interesantes y también las más divertidas que vieron? por supuesto, los invito a dejar links así enriquecemos este post; por otro lado, me gustaría que contaran cuáles son sus entrevistas soñadas (expandiendo la consigna a músicos, escritores, artistas de cualquier rama); espero sus comentarios y nos reencontramos mañana en el post aniversario de los 10 años de Eternal Sunshine; ¡que tengan un gran jueves!

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DEATHMATCH WINNER: HITCHCOCK SEGÚN TRUFFAUT

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… LOS MEJORES MONSTRUOS

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SOS UN GRANDE, MARTY…

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Deathmatch: Monstruos del cine

The Host va, segura y decidida, hacia ese lugar al que no todas las películas “de monstruos” se permiten ir: al núcleo más humano. En medio de toda la desesperación que causa esa criatura que emerge del río Han de Seúl para destruir todo a su paso, el film de Bong Joon-ho no sólo evade emplear a sus personajes como instrumentos o figuras utilitarias (de hecho, sus reacciones se focalizan desde una posición más incómoda) que se activan cuando la amenaza se hace presente, sino que además acentúa sus peculiaridades bordeando el absurdo. A fin de cuentas, The Host muestra cómo una familia disfuncional se une para rescatar a una niña (hija del protagonista) de las entrañas de la criatura omnisciente. La cruzada que emprenden es tan sinuosa como los coletazos del monstruo. No hay seguridades como tampoco hay una sola manera de hacer las cosas bien. Los indefensos, en este caso, están a años luz de convertirse en héroes trágicos. Por el contrario, conforman un grupo de individuos que se comportan como pueden, casi siempre desbordados, lo cual le permite al realizador coreano introducir más de un gag para quitarle seriedad a todo aquello que se supone que debería horrorizarnos. En eso radica el encanto de The Host. En que podemos verla hoy, en el marco del estreno de la remake de Godzilla, y comprobar que es factible torcer los géneros para que lo descomunal provenga no sólo de la criatura en cuestión sino (y por sobre todo) del modo en el que se elige hacer cine.

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► [ESCENA] El ataque del monstruo en Gwoemul/The Host:

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► [TOP TEN] Monstruos y criaturas del cine:

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► [COLLAGE] Algunos engendros que mencionaron hoy :P :

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¡BUEN JUEVES PARA TODOS! En el Deathmatch de hoy la consigna es mencionar los mejores/más aterradores monstruos, criaturas y/o bichos varios que ha dado el cine y explayarse sobre su relación con este subgénero; ¡que tengan un excelente día y los espero mañana como siempre! PD. Ah, sí, hace un rato me puse un poco cursi :P

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DEATHMATCH WINNER: COMING SOON…

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… LOS MEJORES PROTAGÓNICOS FEMENINOS DEL CINE

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HOY JOAQUIN REACCIONA POR NOSOTROS…

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Deathmatch: Los mejores protagónicos femeninos del cine

“Es muy difícil ver si algo controla mi ser” – “Influencia” (Charly García)

Súbitamente. Ése es un adverbio que le calza perfecto a A Woman Under the Influence. Así como su protagonista Mabel confiesa cómo “de repente” extraña a todo el mundo, la película de John Cassavetes – cinta de culto de los inicios del verdadero cine independiente – es una en la que episódicamente una sucesión de hechos mundanos se desarrollan de repente, con una violencia implosiva. Asimismo, esas imprecisiones en el título (una mujer bajo la influencia nos lleva a preguntarnos: ·”¿qué mujer y bajo qué influencia exactamente?”) son elocuentes respecto a las intenciones de Cassavetes. Mabel puede ser una mujer de locura progresiva, puede ser una mujer que batalla contra los vaivenes de su ansiedad (ya lo había dicho Kierkegaard: “la ansiedad es la energía del movimiento por el cual el dolor se mete en el corazón”), como puede ser una mujer que lidia con la incomprensión. Así como las irrupciones se presentan de modo constante (Mabel bailando, Mabel moviendo las manos, Mabel mirando atónita a su alrededor), esas irrupciones son representativas de algo que está bajo la superficie y que resurge cuando ella es forzada a explicarse a sí misma. Estamos hablando de una película que toma el componente violento de las interacciones cotidianas pero lo exhibe de la manera más diáfana posible. Cassavetes limpia el panorama, desde los planos cerrados, pasando por la ausencia de canciones hasta su necesidad de prolongar en prácticamente un solo escenario cada uno de los estallidos de Mabel. Esa violencia, esa influencia, ese proceder de esa madre y esa esposa es inentendible bajo la mirada ajena. Todos le dicen qué decir, cómo comportarse, cómo sentarse para comer, qué cocinar, qué es lo correcto y qué es lo nocivo. Sin embargo, nadie la escucha, nadie realmente quiere saber sobre su condición. Cassavetes pareció haber tomado esa frase de Kierkegaard porque traduce el nerviosismo y la ansiedad de Mabel en un movimiento incesante. Y verla a Gena Rowlands (a quien su marido le dio el papel de su vida, como él mismo lo contaría en muchas oportunidades) entregada a esas caminatas errantes y entregada a esos pasos calculados que da Mabel en la extraordinaria escena final (donde se busca acomodar todo para que quede perfecto, con esa perfección como utopía) es una experiencia tan dolorosa como bella. La que proviene del placer de la pena, de la imposibilidad de contener las emociones.

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► [ESCENA] Un momento de A Woman Under the Influence:

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► [DE YAPA] Gena Rowlands y Peter Falk hablan sobre la experiencia del rodaje bajo la dirección de Cassavetes:

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► [GALERÍA] Los mejores protagónicos femeninos del cine:

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¡BUEN JUEVES PARA TODOS! En el Deathmatch de hoy propuesto por Juli (a.k.a. gallegamdq) la idea es mencionar los mejores protagónicos femeninos del cine, aquellas interpretaciones inolvidables que han dado grandes actrices; con sus aportes voy a amar una galería para inmortalizar esos papeles; quienes hayan visto A Woman Under the Influence pueden explayarse sobre ella; ¡como siempre, los leo! ¡que tengan un buen día, propongan otro Deathmatch y nos reencontramos mañana con sus películas de la semana!

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DEATHMATCH WINNER: MERYL STREEP

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… LAS PEORES CARACTERIZACIONES DEL CINE

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Deathmatch: Las peores caracterizaciones del cine

“Vení que yo te pongo tu sombrero de trovador, y vos te olvidás de lo fea que es mi peluca”

The Vow es una película que me resulta insultante en muchos niveles. Ni siquiera el conocimiento previo de que está basada en un hecho real la exonera de un maniqueísmo mal entendido. La historia de una joven que tras un accidente solo recuerda su vida pre-liberación de su personalidad está trabajada más desde lo físico que desde lo narrativo. Así, la regresión que sufre Paige deriva en transmutación de su aspecto general. Al no tener noción de su presente como artista plástica opta (alterada por los sucesos) trocar ese mundo (con todos los clichés de puesta en escena que uno pueda concebir) por el que conocía antes de que su vida se modifique. De este modo, retorna al núcleo familiar con sus demandas acartonadas, modifica su vestimenta y corte de pelo, y ya cesa de perseguir una ansiada autonomía. The Vow se convierte en un chiste porque, y en relación a esa dualidad de su protagonista, no cuida en ningún momento la caracterización (malas pelucas todo el tiempo) y tampoco se preocupa demasiado en evadir los estereotipos. La división de los mundos se ejecuta con un casamiento bohemio contrastado con la rigidez de la burguesía, sin grises, sin puntos de conciliación, sin líneas difusas. Ah, sí, y los músicos melancólicos son todos trovadores que citan (mal) frases de Thom Yorke. ¿Se entiende ahora por qué me resulta insultante?

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¡Buen jueves para todos! El post de hoy que vienen pidiendo hace tiempo es un Deathmatch para batir a duelo a los peores looks del cine; los invito a sumar las caracterizaciones más vergonzosas para armar una variopinta galería :P – Como siempre, los leo; y, también como siempre, nos reencontramos mañana; ¡buen jueves para toda la muchachada! ¡Que tengan un lindo día!

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► [GALERÍA] Las peores caracterizaciones del cine:

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DEATHMATCH WINNER: EL CAST DE TWILIGHT

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LA ÚLTIMA VEZ ENFRENTAMOS A… TODOS LOS ETERNOS SECUNDARIOS

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¿ERA NECESARIA ESTA PELUCA?

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