Podcast Cinescalero Volumen XX: Radiohead y A Moon Shaped Pool

¡Buen comienzo de semana para todos! Les cuento que me di el gusto de grabar un podcast con Leonardo Ebel, fundador y editor del sitio web Exit Music, la fuente más completa y longeva que existe en nuestro país sobre Radiohead y sus integrantes. En dicho podcast intercambiamos opiniones sobre A Moon Shaped Pool, el noveno disco de la banda, y recordamos cómo fue nuestro primer acercamiento al quinteto de Oxford y cómo su música nos marcaría en distintas etapas de nuestras vidas. Desde ya, gracias por escuchar. Están más que invitados a sumar sus impresiones sobre Radiohead en este post. Por otro lado, el próximo lunes estamos de vuelta con una entrevista bilingüe a Craig Roberts, un amigo de la casa, a propósito del estreno de su ópera prima, Just Jim. ¡Hasta entonces, muchachada! 

Radiohead y Paul Thomas Anderson soñando despiertos

Solo paso a dejar esto por acá, a preguntarles qué están escuchando ustedes últimamente y a decirles que en unas semanas vuelvo con un post con una entrevista bilingüe a un amigo de la casa. Que tengan un excelente fin de semana.

Lightning in a Bottle: Un mapa para el alma

Hoy en Cinescalas escribe: Tony Vardé

Si el blues fuese una persona, ¿a quién elegiría para organizar su cumpleaños número 100? Martin Scorsese suena como una buena opción. En el 2003 el director se puso el traje de productor y convocó al cineasta Antoine Fuqua para registrar un concierto memorable que reuniría a las más grandes estrellas vivas del género: B.B. King, Buddy Guy, Dr. John, Ruth Brown, Hubert Sumlin, sólo para empezar. Fuqua y Scorsese se encargaron de que el concierto realizado en Nueva York el 7 de febrero se convierta en una película y la llamaron Lightning in a Bottle. El resultado es mucho más que la simple filmación de un recital: es una biografía audiovisual en vivo de la tradición blusera americana.

“En el viaje de estos artistas durante el concierto, podés ver la música como lo que realmente es: un mapa hacia el alma humana” dicen los productores. El resultado es una de las más dinámicas, emocionantes y entretenidas películas de conciertos jamás hechas. “Tocás una nota y estás atrapado. Eso es el blues” dice Steve Jordan, baterista y director musical del proyecto. El evento se desarrolla contando la vida del blues en forma cronológica, desde su prehistoria en África, y tocando muchos de los pilares fundamentales en su evolución. El film ilustra claramente cómo una simple forma musical de doce compases y tres acordes ha podido evolucionar tanto. A medida que se mueve la cronología, el blues se fusiona con jazz, funk, rock, soul, incluso hip-hop, con Chuck D convirtiendo “Boom Boom” de John Lee Hooker en un himno pacifista. Ligthning in a Bottle es la prueba fehaciente de que el espíritu del blues puede ser encontrado en cualquier lugar. Incluso, en el corazón de Nueva York. La banda estable del show es un verdadero All Stars con varios años de experiencia. El grupo está dirigido por el mencionado baterista y productor Steve Jordan y Levon Helm (ex The Band) también toca la batería en algunos temas. Los teclados están a cargo de Ivan Neville y la leyenda de New Orleans Dr. John; Kim Wilson de los Fabulous Thunderbirds en armónica, Danny Kortchmar, Willie Weeks, Keb’ Mo’ en guitarras y Larry Taylor en contrabajo. También está la sección de vientos The Beale Street Horns (Andrew Love, Ben Cauley, Jack Hale y Jim Horn), con las voces de Vanisse Thomas, Curtis King y Babi Floyd en los coros.

“¡Mejor tarde que nunca!” exclama Ruth Brown cuando llega al ensayo luego de un infarto reciente. Solo por ésta y algunas otras perlitas que suceden backstage vale la pena ver el film. Fuqua se las arregla para presentar casi todas las canciones con un contexto histórico dramático. Ésto les da a las letras y a la música una resonancia mas profunda. “La mayoría de los films de conciertos son brillantes y sobreiluminados ” dice el director. “Yo no podía permitir que Ligthning in a Bottle luciera de esa forma, ¡es un concierto de blues! Para eso necesitás un clima. Yo busqué convertir el Radio City Music Hall en un lugar oscuro, sombrío, que te te hiciera sentir que estabas en un juke joint del Sur. Al blues tenés que sentirlo y verlo, no solo escucharlo” justifica Fuqua. En una de las charlas detrás de escena, B.B. King habla de una época en la que el blues no era tan popular como lo es hoy: “Ser negro y tocar blues… era como ser dos veces negro” recuerda con tristeza. El tema “Jim Crow Blues” interpretado por Odetta es uno de los primeros números del show y posee una emotividad difícil de superar. Buddy Guy y Vernon Reid nos muestran la conexión entre Muddy Waters y Jimi Hendrix. Hubert Sumlin homenajea a Howlin’ Wolf y obtiene el reconocimiento que merece haciendo “Killing Floor”. Solomon Burke nos acerca al soul y al gospel, mientras que Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith nos llevan hacia el rock con su versión de “I’m a King Bee” de Slim Harpo. Por últiimo, B.B. King se pone al hombro el final de la fiesta haciendo “Sweet Sixteen” y “Paying The Cost to Be The Boss”, zapando con Robert Cray y Bonnie Raitt. Luego de la serie de documentales The Blues, Scorsese sigue con su epopeya para difundir esta músican que tanto ama y preservar su legado.

Por Tony Vardé

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[DE YAPA] Lightning in a Bottle, película completa:

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[LISTA DE REPRODUCCIÓN/OUR MELANCHOLY BLUES] 40 canciones bluseras mencionadas en el post de hoy; ¡gracias por los aportes!

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¡BUEN LUNES PARA TODA LA MUCHACHADA! Arrancamos una nueva semana del blog con esta excelente nota de Tony y tres consignas musicales: 1. ¿Cuáles son sus documentales y/o recitales capturados en cámara favoritos? 2. Este post también sirve como homenaje al blues, así que los invito a sumar canciones del género para incluir en una playlist; 3. Por último, ¿vieron Vinyl, la nueva serie de Scorsese?  Pueden dejar sus impresiones acá mismo; los leo y los espero el miércoles en el post de 45 Years; ¡hasta entonces!

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—> La última vez escribió Verónica Stewart sobre… LA SAGA DE THE HUNGER GAMES

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Lo mejor del 2015: Los actores

En una de las novelas más enérgicas que leí en el año – A Visit from the Goon Squad, sobre la cual hubo post acá mismo - Jennifer Egan decide en el prólogo que las palabras de Marcel Proust revelen el eje narrativo de su obra: el tiempo, la música y las interconexiones. En En busca del tiempo perdido Proust manifestaba que había una cierta naturalidad en el desconocimiento de muchos elementos de la vida de alguien, independientemente del grado de cercanía que nos uniese a esa determinada persona. Todos estamos acá para ser descubiertos a medias, para que nuestra imagen sea reconfigurada luego, como el realizador Alfonso Gomez Rejon supo captar con precisión en la reciente Me and Earl and the Dying Girl. Asimismo, en A Visit from the Goon Squad los personajes con los cuales nos vamos encontrando capítulo a capítulo cambian según la perspectiva del narrador. Sasha, esa cleptómana que trabaja (y vive) para la música, narra una pequeña travesía nocturna en el primer pasaje y es recordada años después (de un modo mucho más complaciente) por el hombre que la conoció durante esa noche, pero una vez que la novela termina. Egan construye un rompecabezas y emplea a la música como herramienta clave para mostrar que el tiempo altera la percepción pero a la vez como herramienta clave para cesar con la racionalidad y exudar un espíritu adolescente, sensible, permeable al impacto de las melodías, las letras y las pausas que hacen los músicos entre estrofa y estrofa. Love & Mercy, la biopic de Bill Pohlad sobre el frontman de los Beach Boys Brian Wilson, vendría a ser (inconscientemente) el equivalente cinematográfico a esa novela. Por un lado, tenemos esa división temporal. El Brian de los sesenta (interpretado por un Paul Dano de enorme y necesaria vulnerabilidad) y el Brian de los ochenta (John Cusack) son efectivamente la misma persona y, en simultáneo, no lo son tanto. El Brian “del presente” sigue siendo ese genio apabullado por las voces indetenibles de su cabeza, sigue siendo manipulado por una figura masculina despótica y controladora (antes era su padre Murry; ahora es su terapeuta Eugene) pero también es una persona nueva desde el instante en el que alguien lo redescubre. La entrada al film de esa presencia salvadora que fue su eventual esposa Melinda Ledbetter (Elizabeth Banks) aporta otra pieza del rompecabezas que es Wilson, otra mirada que lo redefine al no querer definirlo sino al dejarlo ser. Por otro lado, el film de Pohlad nos presenta a la música como arte receptivo a distintas formas de caos, el mismo tópico que serpentea en la novela de Egan. Por lo tanto, Love & Mercy triunfa en esos grandiosos momentos en los que Wilson graba Pet Sounds instintivamente, como tirándose a la pileta con los ojos cerrados (“es como estar ciego pero, al estar ciego, de algún modo podés ver más” asegura el Brian “del pasado”), como preparándose para un recorrido espiritual difícil de verbalizar. En consecuencia, Dano internaliza más de lo que saca hacia afuera y, al cerrar esos ojos, hace que el bullicio de la cabeza de Wilson cobre tesitura, espesor, se despegue de la pantalla asaltando con bravura. “Yo acepto el caos, pero no estoy seguro de si el caos me acepta a mí” escribió Bob Dylan. Esas palabras fueron tomadas por el guionista Oren Moverman y reubicadas en la boca de Arthur Rimbaud en I’m Not There. Nada es fortuito. Moverman realiza el mismo procedimiento en Love & Mercy al correrse de lo lineal para abrazar todo ese hermoso y tortuoso proceso de creación musical de alguien que batallaba contra un gran espectro de amenazas. Love & Mercy es caos porque la música, el tiempo, los rompecabezas, las relaciones que entablamos, las subidas y bajadas también lo son. No hay nada prolijo en esta biopic y ésa es su mayor virtud: dejar que el sonido penetre con extrañeza, la misma extrañeza que generan esos ladridos de los perros de Brian que, allá por 1966, entraron al estudio para hacer historia. ♫ 

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►[TRAILER] Algunas imágenes de Love & Mercy:

Love & Mercy - SFIFF58 Trailer from San Francisco Film Society on Vimeo.

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*[TOP FIVE] OTRAS GRANDES ACTUACIONES MASCULINAS DEL AÑO:

► 1. JASON SEGEL en The End of the Tour

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► 2. MILES TELLER en Whiplash

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► 3. MATT DAMON en The Martian

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► 4. OSCAR ISAAC en A Most Violent Year y Ex Machina

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► 5. BEN WHISHAW en Lilting y Paddington 

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*DE YAPA: JASON MITCHELL en Straight Outta Compton

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► [GALERÍA] 40 grandes interpretaciones masculinas del 2015 mencionadas en el post de hoy:

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 ¡BUEN MARTES PARA TODOS! Hoy entramos en la última semana de balance 2015 eligiendo los mejores actores del año; los invito a mencionar sus favoritos en los comentarios para luego armar una galería alusiva; por otro lado, me gustaría que quienes hayan visto Love & Mercy se explayen sobre la misma; nos reencontramos mañana en el megapost de fin de año con el video-regalo que espero que les guste; ¡hasta entonces, muchachada! PD. Para recordar quiénes habían sido los mejores actores del 2014, hagan click acá mismo

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Amy: Too much love will kill you (I died a hundred times)

Hoy en Cinescalas escribe: Matías Rodríguez

“They don’t even know what it is to be a fan, you know?
To truly love some silly little piece of music,
or some band,
so much that it hurts”
Sapphire – Almost Famous

My sweet sweet Amy. Con qué buen humor arranqué el documental homónimo. Por unos segundos me olvidé de que ya sabía cómo (y en qué condiciones) terminaba. El happy birthday cantado a los catorce como una señora que vive del jazz hace años y toda esa escalera al contrato discográfico bajo sus propios términos. Escribiendo sus canciones y puteando al productor que le había agregado cuerdas a una canción sin pensarlo…

Más allá de las alarmas que suenan cuando se habla de los antidepresivos, es reconfortante la idea de que pudiera bajar a la música todo lo que le estaba pasando. Es reconfortante hasta que te desconectás del momento que te muestra el documental para recordar el presente. Hace ya un tiempo largo que no puedo escuchar Back To Black sin saltar el primer tema. Que tu mayor éxito, el que va a ser reconocido como “tu tema” por la historia de la música, sea el que marca una de las razones de tu destino final no es tan irónico como injusto y reduccionista. Del padre semi ausente que se pone en el centro de la escena a exprimir billetes cuando su hija se convierte en “alguien” prefiero no escribir mucho porque es un cliché tan grande que es digno de un guión barato de película hecha para promocionar una figurita pop recién nacida. Suficiente tormento debe tener encima al recordar todos los momentos en los que podría haber rescatado a su hija como para seguir haciendo leña de ese árbol caído. Celebro de cualquier forma que el documental exponga su “falta de tacto” en momentos clave.

En cuanto a la pareja que conformó Amy con Blake Fielder-Civil, me mató el “quiero sentir lo que él siente, porque si no él está en un nivel y yo en otro”. Esa sintonía suena tan ideal y perseguible. Hasta que el “haría cualquier cosa por vos” se convierte en cortarse un brazo con la misma botella que se cortó Blake (el peor idiota para enamorarse en la vida), probar las mismas drogas que él está probando o negarse a una separación para recibir cada uno la atención médica que necesitan. Love is a Losing Game. Una escena que no aparece en el documental pero que para mí muestra esa conexión/dependencia es la presentación en vivo de “Wake Up Alone” cuando lo busca y lo busca antes de arrancar el tema para decirle “I love you”. Previo intento de explicar de qué va el tema y rendirse a mitad de camino por no poder desarrollar un par de oraciones seguidas. Queda a nuestro criterio creer si es la adicción molestando…

“Slow down. You’re too important. Life teaches you how to live it, if you live long enough”. Qué enorme que es Tony Bennett. Lástima que no pudo decírselo en vida. Quisiera tener un álbum como el que hizo con Lady Gaga pero con Amy y escucharlo una vez por semana. Al menos nos dejó su versión de “Body & Soul”. La cara de felicidad cuando Tony aparece en pantalla en los Grammy, y ni hablar cuando le dice que ganó como mejor single. Es otro momento del documental en el que me brotó una sonrisa que me hizo olvidar el final. Hasta que el testimonio de la amiga te pega con una viga en el pecho. “This is so boring without drugs”. Crash. De ahí en más me invadieron las ganas de pedirles a todos “hagan algo, hagan algo, hagan algo, por favor hagan algo, llévensela de ahí” como quien mira la repetición de un gol que le hacen a su equipo esperando que por arte de magia la pelota pegue en un poste y salga del otro lado de la red.

Amy con su voz de otro planeta y toda su capacidad creativa no pudo encontrar en la música soporte suficiente para descargar todo lo que le estaba pasando por adentro. “Sometimes, I guess, there just aren’t enough rocks” diría Forrest Gump. Ver el deterioro de las adicciones, sumado a la bulimia, pasa a ser una serie de cachetazos. Uno atrás del otro. Si fuera una ficción seguiría pidiéndole al resto que “hagan algo”, pero a cierta altura de la película se estaciona el final y es todo angustia pura. Encontramos una estrella (ésta en particular era mi lujo) y lejos de cuidarla la exprimimos hasta agotarla y nos reímos de su agotamiento hasta sobreagotarla y así sucesivamente. El comportamiento real del ser humano me hace pensar que si efectivamente Superman cayera en este planeta no tardaríamos mucho en llevarlo al consumo masivo de kryptonita.

My sweet sweet Amy. En una cosa estabas equivocada. You were as good as it gets. ¿Qué hacemos con las ganas de escuchar diez discos más tuyos? Ni idea. Pero menos idea aún de qué hacer con las ganas de que tengas una vida tranquila con la posibilidad de cantar para cien personas en un bar de jazz y caminar por la calle sin que a cada intento de tener privacidad te llenen de flashes y dedos en la llaga del momento.

Por Matías Rodríguez 

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► [TRAILER]: Les dejo el adelanto de Amy de Asif Kapadia:

Amy TRAILER 1 (2015) - Amy Winehouse Documentary HD from ChristoVideo on Vimeo.

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► [PLAYLIST]: Versiones en vivo, canciones de estudio, dúos, interpretaciones acústicas…Amy en 30 videos:

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► [GALERÍA]: 20 grandes documentales que vimos este año:

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¡BUEN LUNES PARA TODOS! Arrancamos con una nueva semana del blog debatiendo Amy de Asif Kapadia. 1. ¿Qué les pareció el documental? 2. Por otro lado, me gustaría que sigamos de balance y rescatemos los mejores documentales que vimos en el año 3. Por último, quiero dejarles una playlist en homenaje a Amy Winehouse, así que espero sus aportes con sus canciones favoritas de ella, versiones en vivo, demos, etcétera; como siempre, los leo y felicito a Mati por una nota tan sentida; ¡nos reencontramos mañana en el post del fanatismo! ¡Que tengan un excelente lunes, muchachada!

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*EL RECORDATORIO DE CADA LUNES: 

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 La última vez escribió Diego Valente sobre… LAS CANCIONES DE I’M NOT THERE

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