Mundial 2014, Arte y Fútbol

Como madre de varones, muchos domingos de Fútbol de Primera abonan mi pasión por el fútbol que en esta edición del Mundial Brasil 2014 se tradujo en una catarata de tuits, patrón expresivo de multitudes.

Pegarle a la pelota es un arte, y atajar un penal en ese arco enorme que achicó Romero con sus manos, también lo es. Pero, ¿qué decir del momento en que Mascherano estira el pie pegado al palo y le saca a Robben un gol cantado?.

La estética del fútbol ha cambiado de manera sideral y basta con mirar los botines con lunares que parecen inspirados en una obra de la nipona Yayoi Kusama. Pero también hay otra estética en las camisetas adherentes, en los hipercuidados cortes de pelo,  hechos para ser vistos por tevé.

Las cámaras ralentizan los movimientos y hasta pueden hacer del penal no cobrado del arquero alemán al delantero Higuain un registro para el recuerdo… de lo que no se debe hacer

Bill Viola, un maestro de la cámara lenta como identidad visual, se hubiera hecho un picnic con cualquiera de estas escenas. Con los abrazos después de cada gol, con la palomita de Messi o con la piña del Kun Aguero que dejó ensangrentada la cara del alemán en una de las pocas acciones que concretó en la final.

La cámara habla y dice cosas que el ojo no ve. Hasta se puede ver en el gesto el alcance de la intención.Dos imágenes me vienen a la mente y las dos tienen que ver con el Real Madrid, el equipo merengue de donde salió Raúl “el angel del gol”, tal vez uno de los más notables coleccionistas de fotografía de España, alentado por la gran galerista Helga de Alvear.

Primera imagen: la camiseta blanca del Real defendida altri tempi por la “saeta rubia”, el argentino Di Stefano. Dicen que fue dueño de un fútbol superlativo jugado cuando no había cámara lenta. El arte de jugar a la pelota. Nada más. En las fotos de la despedida publicadas en El País de Madrid se lo ve a Di Stefano embarrado hasta la mandíbula, con unos bombachudos de potrero y sin ninguna marca. No había llegado todavía la era de los sponsors, pero la saeta rubia acumulaba copas a sus pies.

La otra imagen ligada a los “merengues” es arte en estado puro. Y me refiero al  video filmado por los artistas Douglas Gordon y Philip Parreno durante el último partido que  Zinedine Zidane jugó en el Santiago Bernabeú. Fue contra el Villareal en abril de 2005. “Retrato del siglo XXI” se llama el documental, filmado en tiempo real, durante los 90 minutos del partido, con 17  cámaras sincronizadas que solo enfocaron los pies, la cara , el gesto y  la bravura de un jugador impar que terminó su carrera con un cabezazo de película.

El video de Zidane se proyectó en el Estadio St. Jacques de Basilea, en 2006 , durante una edición de la ya célebre feria Art Basel. Los autores fueron saludados con aplausos tras 90 minutos de silencio y, luego,  el film fue adquirido por el MOMA de Nueva York para su colección. El fútbol hecho arte según Zidane por Gordon y Parreno se puede ver en Internet Movie Database. Joya.

 

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Jeff Koons socio de H&M en la 5° Avenida

Lo último que faltaba para sellar la alianza entre la moda y el arte es la nueva sociedad firmada entre el artista  Jeff Koons y la tienda sueca H&M para el nuevo local de la Quinta Avenida, Manhattan. Para celebrar la apertura del local de 57.000 pies cuadrados ubicado en el número 589 de la avenida más marketinera del planeta,  H&M patrocinará Jeff koons A retrospective, en el Whitney Museum . Como contrapartida el artista contemporánaeo que estuvo casado con la Cicciolina, vendió un perro globo naranja por  58 millones de dólares y dos esculturas por 14 millones de verdes  a Eduardo Costantini para su proyecto de Bar Harbor, diseñará bolsos y carteras con formato Balloon Dog (foto abajo) . Ese modelo se llevará también a locales de los Angeles, Chicago y Dallas y también se podrá comprar on line  a hm.com partir del proximo 17 de julio. En el Whitney, durante la muestra que inaugura el 27 Madison Avenue y la calle 75, se venderán carteras baloon en un número acotado. Está previsto que la muestra viaje después al Centro Pompidou de París, y al Guggenheim de Bilbao en junio de 2015.

La tienda H & M , Hennees y Mauritz fue fundada en Suecia en 1947 y cotiza en Nasdaq de Estocolmo. La idea clave, que ha sido la fórmula del éxito,  es vender buen diseño a precio lógico, por no decir baratos. Su archicompetidor es Zara quien maneja el mismo concepto impulsado por Amancio Ortega, el hombre más rico, o uno d elos más ricos de España, que empezó el business con un batón para su madre.  Una de los caminos para posicionar la marca  ha sido durante los últimos años encargar a diseñadores top una línea de productos de cantidad limitada, pero que garantiza un  upgrade para el  resto de la colección. Lo hicieron con Karl Lagerfeld  y con Stella McCartney con excelentes resultados. El local de la Quinta tendrá también una sección HOME y una sección NIÑOS, desde recien nacidos hasta 14 años. El grupo H&M tiene 116.000 empleados y 3.200 locales en 54 países más un mercado de franquicias. El primer gran salto de Jeff Koons en el mundo del arte fue crear un perro hecho con flores para que custodiara el Guggenheim de Bilbao. Puppy lo hizo famoso en el mundo entero hasta convertir en el niño mimado del arte actual.


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Colección Tour’Auvergne en Saráchaga

Hoy, martes 27,  a partir de las 19 en el hotel de ventas de la calle Juncal al 1200,  Juan Antonio Saráchaga subastará platería, pinturas, muebles, porcelenas y maravillosas tejas chinas en pesos y con bases lógicas. Despúes de la seguidilla contemporánea de arteBA, el mercado secundario, el de las subastas, ofrece una selección de pinturas modernas, muchas de ellas procedentes de la colección La Tour d’Auvergne.Tiempo de saber los precios de martillo para obras de colección como la vista veneciana firmada por Félix Ziem, un especialista en la ciudad de los canales, que saldrá a subasta con base de 800.000 pesos.

También se rematará un lindo retrato de Antonio Berni. Niña riojana, con memoria lejana de Carmen Miranda (por las flores en la cabeza), Hay un Seoane de buena factura y época Desnudo en la roca por 350.000 y un Kasuya Sakai de los más buscados, rabioso e informalista con base 150.000 pesos (abajo). Siempre hablamos en pesos auqnue todo piensas en dólares. .

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Subasta récord en Nueva York

Black fire , de Barnett Newman, fue rematado por Christie’s en 84,1 millones de dólares.

El mercado de arte contemporáneo vivió el último lunes una noche histórica en Christie’s de Nueva York. Durante tres horas compradores de todo el  mundo  pagaron 744 millones de dólares por obras de la posguerra, lo que constituye el valor más alto logrado en la historia de las ventas de arte por una sola sesión de subasta.

 El tope de la noche fue para una pintura minimalista de Barnett Newman (1905-1970), una raya amarilla sobre un fondo negro, que alcanzó la increíble cota  de los 84,1 millones de dólares. Se establecieron 26 nuevos récords ; 4 obras se vendieron arriba de los 50 millones de dólares; 12 superaron los 20 millones; 19 los10 millones y hubo 86 lotes que quebraron la barrera del millón de dólares.

Hay un nuevo paradigma si se piensa que en los noventa el récord fue pagado por el Retrato del Doctor Gachet,  adquirido por el papelero nipón Rioei Saito en 82,3 millones de dólares. El vértigo de las ventas, impulsado por otra generación de compradores, por la enorme liquidez y la falta de reaseguros en el circuito financiero, ha colocado al arte contemporáneo en la cima de las aspiraciones.

El retrato del médico de Van Gogh era una pintura sentimental melancólica y conmovedora, el cuadro de Barnett Newman es una línea de color sobre un fondo oscuro, una tela minimalista, abstracta y hermética que tuvo en vilo a compradores llegados de 35 países, aunque no se descarta que el comprador haya llegado de Rusia, donde se concentran los millones del planeta y donde nació uno de los mas poderosos coleccionistas del siglo XXI: Roman Abramovich, radicado en Londres y con una novia galerista.

 Durante años Van Gogh fue el socio de los récords, paradoja para el artista holandés que no había vendido un cuadro en su vida. Picasso, Giacometti, Francis Bacon, Gustav Klimt , Lucien Freud conquistarían luego la cima del ranking de los más caros que  ahora está copada por el arte de la posguerra.

Atrás quedaron los impresionistas, los viejos maestros y el arte moderno, la nueva estrella del mercado es el arte contemporáneo que sintoniza con los compradores sub 40, muchos de ellos salidos del circuito financiero. Steven Murphy, ejecutivo de Christie’s, admitió que “se trata de un momento excepcional, hay mucho dinero en danza y cuando la oferta es de calidad excepcional como en este caso,  los precios no tienen  límite”

Con un nivel de efectividad del 98 por ciento, casi una subasta de “guante blanco”, como se llama  en la jerga al la sesión en la que se vende la totalidad de las obras, las ofertas dispararon una catarata de dólares por obras “frescas”. El 80 por ciento de los lotes eran totalmente nuevos en el mercado y tenían procedencias notables como el Art Institute de Chicago. Alexander Calder, Robert Gober, Frank Stella y Joan Mitchell,entre otros,anotaron nuevas marcas en su cotización y contribuyeron a lograr el total más alto para una sola sesión de subasta desde que James Christie fundó la rematadora en el siglo XVIII para vender libros y cosas viejas.

A la hora del analisis, queda claro que el arte contemporáneo está de moda, que las obras subastadas eran “calidad museo” y que fueron “consultadas”  on line por más de 12.000 potenciales compradores. Un escenario impensado seis años atrás cuando la caída de Lehman Brothers pareció herir de muerte al mercado. Por el contrario, la crisis y sus consecuencias  fortalecieron.el lugar del arte como refugio. Un refugio caro pero seguro, que, además,  brinda placer estético y garantiza prestigio.

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Popeye millonario por Jeff Koons

Una mega estatua de Popeye por el marketinero Jeff Koons y seis autorretratos de Andy Warhol serán las estrellas d ela proxima venta de contemporáneos de Sotheby’s, que dará el tono global del mercado en el umbral de arteBA, la feria de Buenos Aires. El 14 mayo el musculoso de la espinaca buscará nuevo dueño con un precio estimado de  U$ 25 millones. La pieza representa a Popeye en su pose más conocida, luciendo  los músculos de su brazo izquierdo y con una lata de espinacas en la mano derecha.  Jeff Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Fue broker en  Wall Street antes de elegir ser artista. En los 80 abrió un taller con un staff de 30 colaboradores inspirado en The Factory de Warhol. Autor del célebre Puppy, perrito de flores de la puerta del Guggi de Bilbao, fue el primer artista en contratar una agencia de publicidad para promocionar su imagen. Se casó en el 91 con la actriz porno italiana Ilona Staller (Cicciolina). Tuvieron un hijo, se separaron y ella partió  a Europa, en medio de una rencilla mediática sin fin,.para militar en política. Pocos meses atrás su Orange Ball Dog se vendió en 58 millones de dólares. El empresario y fundador de Malba  Eduardo Costantini compró dos esculturas de su autoría para el proyecto inmobiliario de Bal Harbor, Miami.  Abajo un modelo de BMW pintado por Koons en el estilo de los capots de Porsche que el coleccionista argentino Jorge Gómez encargó a una selección de artistas argentinos con curaduría de la galerista Loreto Arenas. Entre ellos Luis F. Benedit, Rogelio Polesello y Eduardo Stupía, 

 

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Perón y Evita, fondo para la foto

El retrato de Perón y Evita por Numa Ayrinhac fue comprado por el empresario Carlos Spadone en una subasta de la firma Posadas y donado a la Casa Rosada en tiempos de Carlos Menem. Luego el cuadro fue mudado al Centro del Bicentenario. La faraónica obra que debía ser ianugurada en 2010 y que pasó del área de Cultura a la de Julio De Vido intervino y desguasó una joya del Patrimonio Arquitectónico de Buenos Aires. Un diseño del francés Norbert Maillart (Palacio de tribunales, Colegio Nacional Buenos Aires) construido por encargo de Ramón J. Cárcano a comienzos del siglo XX  .  Ayer la Presidenta volvió a utilizar en la recepción a Michelle Bachelet el retrato del matrimonio Perón en la cumbre de su popularidad y de su juventud como fondo para la foto del discurso repetido en cadena.  En el cuadro, Evita luce una silueta fantástica y un diseño de Jacques Fath, alta costura francesa. La escena del cuadro como fondo para la foto repite la imagen tomada tiempo atrás durante la visita del presidente Santos,  de Colombia.

Edificio del ex Correo Central y el francés Norbert Maillart, arquitecto

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Sin pan y sin trabajo, obra maestra

 

Obra maestra del arte nacional, Sin pan y sin trabajo integra la colección del MNBA. Un homenaje a todos los argentinos en el día de los trabajadores. En 1902 el cuadro ingresa en la colección del museo por compra directa a Ernesto de la Cárcova (1866-1927). Esena doliente, realista y conmovedora, la que reconstruye  Sin pan y sin trabajo fue presentada en 1894 en el 2º Salón del Ateneo. El hombre se asoma a la ventana como buscando una salida a la situación de marginación y pobreza que lo tiene atado sin esperanza con su familia en las cuatro paredes de la vivienda humilde. La luz le da en el rostro y vuelve al personaje eje central de la pintura que puede verse en la planta baja de nuestro museo mayor, Lugar de privilegio en la relectura de la colección realizada por Guillermo Alonso cuando fue su director, en colaboración con el historiador y curador Roberto Amigo. La fuerza de la actitud crítica está en la mano cerrada sobre la mesa, señal de tensión y frustración.

Como en las pinturas del Pio Collivadino, que traslada la escena de sus pinturas del campo a la ciudad, De la Carcova pinta los bordes de la naciente urbe, donde comienza a crecer la metrópolis de manera despareja y vertiginosa. La obra participó del envío argentino a la Exposición Internacional de Saint Louis, Estados Unidos, en 1904, en la que obtuvo el Gran Premio de Honor.

De la Cárcova comenzó a pintarla en 1892, en Roma, cuando tenía 26. La finalizó en Buenos Aires, en 1893. Un año después, la expuso en el II Salón del Ateneo con excelente repercusión. El cuadro da cuenta del modo en que, durante su larga estancia en Europa, el joven artista asimiló las preocupaciones sociales que conmovían al Viejo Continente. Ese clima de agitación se traducía en la búsqueda de formas expresivas distantes de las fantasías románticas o la exaltación del pasado clásico.

Tomás Espina reeditó la obra en una cita que lo muestra desnudo en el lugar de la mujer.

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PARC de Lima dispara el circuito latino

Que Perú es mucho más que ceviche, tiraditos y la fama gourmet de Gastón Acurio lo confirma la segunda edición de Parc (Perú Arte Contemporáneo), la feria montada por dos argentinos emprendedores, Diego Costa Peuser (Pinta Miami) y Gastón Deleau. Su apertura al público, pasado mañana en el Museo de Arte Contemporáneo de Barranco, pone en marcha un intenso calendario de exposiciones -en Buenos Aires, Río de Janeiro, Bogotá, Santiago de Chile y Miami- que conforma un emergente circuito del arte latinoamericano.

Barranco, sobre la costa afilada del Pacífico, es el barrio de moda de Lima. Bohemio y republicano, fue elegido por Mario Testino para fundar MaTE, la casa museo que alberga su colección y que en breve tendrá una sala consagrada a Lady Di, inesperada musa real que lo lanzó al estrellato mundial.

Perú forma parte de los países emergentes que han empezado a tallar fuerte en el  mercado. El artista  Fernando Bryce, ela galerista Lucía de la Puente y el coleccionista-filántropo Juan Carlos Verme, que preside la Asociación de Amigos del Mali (Museo de Arte de Lima), tienen mucho que ver con este cambio de óptica y perspectivas.

Con la presencia de 42 galerías de Argentina, Colombia, Venezuela, Uruguay, Estados Unidos, España, Alemania y Bolivia, Parc ocupará 2000 metros cuadrados en el MAC de Barranco, con un montaje que se cuenta entre los principales atractivos, y la curaduría del colombiano José Roca, que integra el comité de compras latinas de la Tate Modern de Londres y ha creado un programa de apoyo a los artistas llamado Flora.

La tendencia global confirma que los compradores de arte se mueven de feria en feria y de bienal en bienal. Esta itinerancia permanente -basta con saber que hay una nueva feria cada cinco días- condena a los galeristas a una vida nómade y en algunos casos los obliga a decir presente en dos ferias al mismo tiempo.Parc dispara la seguidilla de ferias regionales, que en los últimos diez años se han multiplicado como un indicador cierto del nuevo mapa del arte. Como en aquel famoso cuadro del oriental Joaquín Torres García, un mapa de América al revés, se han invertido los puntos cardinales para hacer del Sur un Norte y de la periferia un centro. Ch.ACO, en Santiago de Chile; ArtBo, en Bogotá; arteBA, en Buenos Aires, y Art Río carioca serán escalas obligadas. El caso de Río suma puntos por el efecto mundial y por la política articulada entre los organizadores y el gobierno para la libre circulación de obras de arte.

Este vértigo de ferias continentales culminará en Miami, donde la crème de la crème se reúne todos los años en torno al relojito suizo de Art Basel. Allí debutará la primera edición de Pinta Miami, el 2 de diciembre, y lo hará en el corazón del art district.

 

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Parque Patricios, nuevo art district

Ni la lluvia pertinaz detuvo a la tribu del arte, que el sábado 5 se congregó en un edificio industrial de Parque Patricios para el lanzamiento del proyecto Móvil con la obra Termo de Irina Kirchuk. Dirán que es un juego de palabras, porque no hay nada más móvil que un termo, pero, casualidades aparte, el plan de acción impulsado por Alejandra Aguado y Solana Molina Viamonte es crear un espacio de exhibición neutro, entre el formato museístico institucional y el comercial de la galería, para dar una oportunidad de exhibición y difusión a jóvenes artistas. El acento está puesto en lo experimental, en la práctica emergente y en la convocatoria a públicos diversos.

Parque Patricios está sólo a diez cuadras de San Telmo, tiene su boca de subte y será, como lo imagina el ministro Francisco Cabrera, un polo de nuevas tecnologías y diseño, que ya tiene la fabulosa ancla del edificio diseñado por sir Norman Foster (foto arriba) . Algo similar a lo que sucede hoy en Nueva York con el meatpacking district a donde en breve se mudará el Museo Whitney que deja la sede de Madison y se la alquilará al MET para colgar arte contemporáneo. El nuevo Whitney será un edificio diseñado por el gran Renzo Piano (Centro Pompidou, The New York Times).

Móvil ocupa una sala en el edificio fabril de Chela (Iguazú 451), una suerte de ONG con mucho amor por el arte, pero también ligada a iniciativas tecno. Estos desplazamientos, alianzas y nuevos formatos se perciben como una tendencia en la escena actual, que ha expandido el concepto tradicional de la típica galería de arte. Formada en Londres con una visión internacional, Aguado cree que Móvil cumplirá una función que estaba vacante.  Un centro gestionado sin ataduras y con apoyo privado. En este caso la mecenas y coleccionista Erica Roberts, apoyo incondicional del Proyecto Flora de José Roca, en Colombia, facilitó la puesta en marcha de Móvil como organización independiente.

Las obras de Irina Kirchuk se articulan naturalmente con el entorno sin llegar a “engolosinarse” con el metraje y la memoria fabril. Sorprende y encanta un tejido de filigranas metálicas que recuerdan las ventanas de Tiffany’s, sólo que está hecho con hornallas de cocinas Longvie. Otro tanto sucede con la instalacion de respiradores de techo (foto) ready made contra un fondo de laminado desplegado.

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El Guernica de Picasso y Adolfo Suárez

España ha recordado con pompas y circunstancias la figura de Adolfo Suárez, el politico, el hombre de la transiciòn, el arquitecto del pacto de la Moncloa que vivió con pena y murió con gloria. Capítulo menos conocido  de su vida, y que nos lo recuerda con su pluma certera  Natividad Pulido en el ABC, es la gestión de Suárez  para repatriar el Guernica, el cuadro de Picasso tal vez más famosos y hoy, la obra mas visitada de España. Estaba en el MoMA de Nueva York y debía regresar a la tierra de su autor. Siempre hizo pública Pablo Picasso su decisión de que el Guernica fuera exhibido en su patria cuando hubiera terminado el tiempo de la dictadura de  Franco. Suárez , que lo sabía, comenzó las conversaciones muchos antes, con el fin de llevar el cuadro de Nueva York a Madrid e instalarlo en el Casón del Buen Retiro, anexo de pintura del Siglo XIX del Museo de Prado. Y allá fue. Durante años visitamos en ese entorno palaciego, detrás de Los Gerónimos, el gran fresco desgarrador de la guerra, la herida visual de una época, pintada magistralmente por el malagueño. Pero este destino sería una escala, porque el lugar definitivo para el GUernica ha sido, con toda razón, el Museo Centro de Arte Reina Sofìa, en Atocha, Madrid. De allí no saldrá más y las autoridades del Reina lo saben. Manolo BorjaVillel, su actual director, ha rubricado la firme decisión de que la pintura no se preste. A nadie.  Ni a los vascos. Que lo pidieron … sin éxito. El ultimo viaje del Guernica fue en septiembre de 1981. Suárez ya no era presidente del Gobierno, pero él fue la pieza clave para que el regreso fuera posible.

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