Berni, amor a primera vista

 

Anoche, en la preinauguración Citi de la muestra de Juanito y Ramona en Malba, el rayo de la obra de Berni iluminó a la audiencia formada por coleccionistas, criticos, curadores y amigos del arte. Una expansiva y contundente MariCarmen Ramírez (abajo foto) cocuradora de la expo con Marcelo Pacheco guió a los visitantes por la muestra y por el camino estético recorrido por Antonio Berni en esta aventura impar que fue la creación de sus criaturas Juanito Laguna y Ramona Montiel. El director Agustìn Pérez Rubio y el fundador Eduardo Costantini  participaron de este inolvidable encuentro con la obra del mayor artista argentino del siglo XX. Julio César Crivelli, María Herrero, Agustina Blaquier, Aníbal y Marlise Jozami, Canela Von Buch, Giorgio Aliata, Teresa e Isabel Anchorena, María José ´Wuille Bille, Maia Guemes, Flavia Martini y Javier Iturrioz celebraron el regreso de los viajeros Juanito y Ramona llegados de Houston en compañía de varios coleccionistas de la ciudad tejana.

 

 

 

Comparto con los blogueros el texto publicado el último viernes en adn para celebrar el regreso. Juanito y Ramona están de vuelta tras la gira internacional que los llevó a Houston y a Phoenix, luego de tres años de investigaciones encaradas por los curadores Mari Carmen Ramírez y Marcelo P acheco, en un esfuerzo compartido por el Malba y el Museo de Bellas Artes de Houston (MFAH). Un año atrás despedimos a los viajeros en las páginas de adn y hoy los saluda en el regreso Fernando García, crítico, periodista y escritor, voz autorizada como pocas. García ha investigado con obsesión, sin pausa y sin piedad, la obra de Antonio Berni, el más grande artista argentino del siglo XX (Los ojos, Planeta).

 
El examen, 1976. Foto: Gentileza MALBA

 

La muestra que inaugura el jueves en tres salas del Malba es la más exhaustiva de las series de Ramona Montiel y Juanito Laguna creadas entre 1958 y 1978, determinantes de un momento bisagra en la producción de Berni. En la narración visual de esta saga alucinante, de la que se verán obras hasta hoy desconocidas por el público, está la matriz de un cambio de modelo de país.

Desde su posición política, la izquierda militante, y desde su posición estética, el realismo y la figuración, Berni construye sus criaturas: testigos de la industrialización y del crecimiento de las villas en los márgenes de las grandes urbes. Juanito está allí para contarlo visualmente. El rosarino toma distancia de la abstracción, de los concretos y del grupo Madí, movimientos surgidos a la lumbre del “nuevo modelo desarrollista”, pero lleva la fábrica, la chapa y los desechos de la sociedad de consumo a la tela misma. Ese desplante será su principal logro.

El Malba exhibirá 150 obras, entre pinturas, grabados, relieves y ensamblajes, más veinte tacos de xilografías que fueron exhibidos en la retrospectiva del Di Tella en 1965, poco después de su victoria en la Bienal de Venecia. La exposición, la mayor consagrada a su obra en Estados Unidos en los últimos cuarenta años, se presentó en noviembre de 2013 en Houston y siguió viaje al Phoenix Art Museum. Como parte del ambicioso proyecto fue editado un catálogo de 400 páginas en forma conjunta por el MFAH, el Malba y Yale University Press.

Un capítulo aparte lo constituyen los monstruos, representaciones de los temores de Juanito y las pesadillas de Ramona (foto arriba),a los que Berni bautizó “construcciones polimatéricas”. Un atajo singular y provocativo de raíz freudiana y materialización popular a lo Berni. Las obras de la muestra fueron cedidas en préstamo por la familia del artista y por 25 colecciones públicas y privadas de la Argentina, Estados Unidos, Uruguay, España y Bélgica.

@alicearte.

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Un Manet para la jequesa

Le printemps se llama el retrato de Edouard Manet que Christie’s rematará el 5 de noviembre. Obra maestra, calidad museo, bien puede estar en la shopping list de la jequesa de Qatar si busca compañía para su Cézanne de 250 millones de dólares, Jugadores de cartas, el cuadro más caro de la historia. Pintado en 1881 La Primavera estuvo en manos de la misma familia durante un siglo. Se trata de una obra”fresca” y, ya se sabe, esto empina de inmediato su cotización en el mercado. El cuadro pinta una escena feliz, muy bèlle époque, en la que no falta nada: flores, sombrilla, sombrero y un fondo de pinceladas vigorosas deudoras de la nueva pintura impresionista; una pincelada abocetada y suelta ajena al rigor de la Academia. La modelo de Manet es una conocida actriz  de la época, se llama  Jeanne Demarsy. Está tomada de perfil, ángulo que la vuelve moderna, aunque tenga reminiscencias con  los retratos de Goya que Manet ha mirado atentamente, en su gira española. El cuadro sale a la venta en un buen momento del mercado global (no así el local, prisionero del cepo), con récords de precios en todos los segmentos. El balance anual superó  los 65.000 millones de euros, un 8 por ciento más que en el anterior ejercicio. El precio estimado por la rematadora es de 35 millones de dólares. Si se paga… será  un récord.  El valor más alto por un Manet corresponde a  Autorretrato con una paleta, rematado en Londres en 2010 por 32 millones de U$.

El retrato de Jeanne  fue presentado en el Salon de París en 1882 y comprado de inmediato por un amigo del artista. Años más tarde, el marchand Durand-Ruel lo llevó “de gira” por los Estados Unidos, en pleno auge del coleccionismo de fortunas frescas. Lo vendió en el acto y la pintura pasó a formar parte de una pinacoteca familiar ligada a la filantropía y a la protección de medio ambiente. En los últimos años, Le printemps fue exhibida en la National Gallery de Washington en calidad de préstamo. Nuestro Museo Nacional de Bellas Artes tiene en su patrimonio un desnudo de  Manet fuera de serie.  Pintó muy pocos desnudos el francés, y éste es muy bueno. Hablamos  de la Ninfa Sorprendida (arriba), obra cumbre que bien merece una visita a las salas de Libertador y Pueyrredón, más en estos días que se inaugura la muestra de El Greco.

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Louis Vuitton tiene su museo

 

 

Gran fiesta en Paris y varios argentinos haciendo las valijas para visitar el Centro Fundación Louis Vuitton, signé Frank Gehry, que ayer fue abierto a la prensa en una visita exclusiva. El opening resultó tema de conversación entre coleccionistas en el almuerzo de apertura de BA Photo bajo el tilo del Centro Cultural Recoleta. Se dice que la filial  local de Möet Hennessy, capitaneada por Ramiro Otaño, tendría planes de organizar una visita a la colección de Bernard Arnault, cabeza del grupo LVMH en la flamante sede del Bois de Boulogne. Mejor lugar imposible, el pulmón verde de París es dos veces más grande que Central Park en New York y tres veces el área de Hyde Park en Londres.  La deconstructiva y vidriada sede que alberga la colección de Bernard Arnault es noticia en el mundo del arte. Sale a dar batalla a su más cercano competidor Francois Pinault  (Christie’s, Au Printemps, Converse, Chateau Lafitte), que tiene su museo propio en Venecia bautizado Punta Della Dogana, proyecto minimalista en  la vieja aduana del mar del gran Tadao Ando donde se luce la obra de Jeff Koons.  La Fundación Vuitton  tiene velas de vidrio a la manera Gehry y es orgánica como la nave de titanio del Guggenheim de Bilbao junto a la Ría del Nervión. El permiso para construir un museo privado en un terreno público fue tema  de largos debates en el Parlamento galo y ayer inspiración para criticos y periodistas culturales que consideran este audaz proyecto “la nueva estrella del firmamento museístico de París”. El Centro Fundación Louis Vuitton será inaugurado el 27 de octubre próximo. La gente le pone nombre al edificio de Gehry y habla de: Velas de vidrio, de un  Iceberg… Bernard Arnault, primera fortuna de Francia, prefiere decir que “es un edificio abstracto”. La palabra clave para definirlo es INNOVACION.  Un formato único en el mundo, que ya es materia de estudio en la escuela de arquitectura de Harvard.  La Fundación  Louis Vuitton logró el permiso  y levantó la sede para la colección en un terreno que es propiedad de la ciudad de París con la condición de que en 50 años el edificio será de la Municipalidad. Dicho con otras palabras, un regalo de lujo que le hace el grupo LVMH a Francia para exhibir una fabulosa colección que va de Picasso a Warhol. Nada modesto, el mandamás del grupo dijo en rueda de prensa que “el impacto de su museo será similar al de la Torre Eiffel en 1887″. ¡¡¡Oh la la!!!  En respuesta a la pregunta ¿cuánto le ha costado el museo?, Arnault respondió: “Un sueño no tiene precio”. Chapeau, Bernard!!

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Macbeth de Verdi, del Met al Obelisco

Espera larga en el Aeropueto de Pajas Blancas Córdoba, momento para bloguear. Les cuento. El sábado, gracias a mi amigo Angel, engripado y con antibióticos, disfruté de la función de Macbeth en simultáneo con el Metropolitan Opera de Nueva York. Apertura de temporada de otoño, la rentrée en Manhattan, y … también en Buenos Aires del ciclo de la Fundación Beethoven. Sentada en la cómoda butaca de El Nacional en fila 6 disfruté la puesta de Macbeth de Verdi. Dos filas atrás Sergio Renán y dos filas adelante el embajador Laperche. Una sala llena de melómanos, entradas a precios accesibles, nada de millas ni pasajeros frecuentes: el  Metrobus 17. A las dos de la tarde comenzó la magia HDLive gestionada para Fundación Beethoven por Puppi Sebastiani (hija de Pia). Una idea que vía Bloomberg se repite en grandes capitales del mundo. Buenos Aires es una de ellas. Toda la temporada de Opera en vivo y en directo.  Anna Netrebko es Lady Macbeth. Soprano grandiosa, phisique du rol, encarna una ambición temible. Imponente. Una Anita Ekberg desbordantre en una ambientación seductora. El asesino enloquecido Macbeth es Zeljko Lucic. La cámara descubre en pantalla gigante lo que el ojo jamás vería; hasta el cambio de escenografía cuando baja el telón y las reflexiones certeras de la briosa anchor woman que presenta el espectáculo. Con Joseph Calleja y René Pape. Dirección musical de Fabio Lusi. En las próximas funciones de Bodas de Figaro, Carmen y Barbero de Sevilla. El Met se muda al Obelisco; cosas que tiene Buenos Aires.

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Benzacar, de Florida 1000 a Villa Crespo

 

 

 

 

El miércoles 1 de octubre con lleno total sub30 comenzó la despedida de Florida 1000, emblemático bunker de Ruth Benzacar donde sentó las bases del mercado de arte contemporáneo en Buenos Aires, en las últimas décadas del siglo XX. Ruth, la zarina de los marchands, original de samarkanda, hizo sus primeras armas vendiendo pintura argentina a los coleccionistas que compraban otrora arte europeo en un depto  de la calle Valle en Caballito. Amalita Fortabat, Nelly Arrieta de Blaquier, Carlos Pedro, Romero Brest, Jorge Helft, Rafaelito Oliveira Cézar, entre muchos otros compartieron el despegue del arte argentino en el coleccionismo vernáculo de la la mano de Ruth.

Su personalidad arrolladora le aseguró siempre un pasaporte al crecimiento y así fue como mudó su galería a Florida 1000, un espacio bajo tierra convertido en white cube por el talentoso Tatato Benedit arquitecto y pintor. Di Stefano, Norberto Gómez, el mismo Benedit, Victo Grippo, Iommi , Minujin, Polesello, Kosuth, Liliana Porter, Nicola Costantino, Jorge Macchi, Pablo Reinoso, Leandro Elich, Di Girolamo, Marcos López, Villar Rojas, Flavia Da Rin, Pablo Siquier y Berni, Berni, Berni... pasaron por  Florida 1000. En un gabinete de mesa blanca cuadrada Ruth almorzaba su dieta celíaca y recibía a los coleccionistas. Era la alquimia perfecta: buena obra, mucha garra y un enorme poder de seducción. A la fundadora siguió la heredera, que con olfato supo hacer la transición a la joven guardia cuando todavía estaba Ruth. En la foto con Macchi, Ballesteros y Siquier.

Nuevo destino es una ex fábrica  en Villa Crespo, vecindario donde fue pionera Teresa Anchorena y Arte x Arte, y tienen su talleres Huffmann, Macchi, Siquier y Erlich. Fronteras expandidas en el formato de Gagosian de Chelsea para exhibir arte actual en todos los formatos. En la mayor apuesta de su carrera, Orly suma a la tercera generación con Mora Bacal, su hija. El miércoles último, en el hall de piso en damero de su ultrachic depto de Palermo con vista a un jardín francés, celebraron la mudanza Eduardo Basualdo, Julia Converti, Valeria Balut, Pata Madanes, Alberto Sendrós, Max Gómez Canle, Solana Molina Viamonte, Maia Güemes y la tribu del arte en pleno

 

 

 

 

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La Boca, meca del arte

Ya está en marcha el proyecto de replicar la milla de los museos en el SUR de la ciudad. La Pica en Flandes fue la Fundación Proa, presidida  con entusiasmo impar por Adriana Rosenberg,

y el símbolo indiscutido ha sido desde los albores del siglo XX el puente transbordador Nicolás Avellaneda (arriba, fotografiado por Horacio Coppola), inaugurado en 1916 para unir las márgenes con la Isla Maciel. Hacer de la Boca una meca para el arte cumple con un destino marcado desde los orígenes de ese vecindario de chapa y color, donde maduró la Escuela de La Boca y se inspiró Quinquela Martín. El museo con su nombre es ya  una escala obligada en la Vuelta de Rocha, parte medular  de esa milla potencial que tendrá también un Museo de la Radio y otro de la Fotografía. Se suman iniciativas privadas de carácter innovador, híbridas, a mitad de camino entre la galería comercial, el taller de artista y la nave experimental para obras de arte contemporáneo en gran escala. En eso están Nahuel Ortiz Vidal, que inaugurará en noviembre BARRO, con una muestra de Matías Duville, y Alberto Sendrós, quien, asociado con un destacado developer inmobiliario, está  decidido a doblar la apuesta tras haber cerrado su galería del centro (Tres Sargentos). El nuevo plan se llama Prisma, un ámbito de experimentación. Piedra de toque fue dos años atrás la apertura de la Usina del Arte en un edificio soberbio de cuño ladrillero, construido entre 1912 y 1916, según proyecto del arquitecto Juan Chiogna, para albergar la nave industrial de la Companía Italo Argentina de Electricidad (CIAE).

Ese inesperado palazzo neorrenacentista florentino es hoy un centro cultural de creciente influencia en el ruedo porteño, pródigo por su agenda de actividades multidisciplinaria. Detrás del programa de acción de hacer del sur un norte están Hernán Lombardi y  Pancho Cabrera, ministros de Macri, que jugaron sus cartas por el  SUR. Imaginar las artes visuales como un factor dinamizador del crecimiento no es una mala idea. Es el modelo según el cual crecieron el SOHO neoyorquino; el Este de Londres; Lavapiés, en Madrid y el Marais, en París.

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La Gioconda no se vende

Imposible. Es como vender la Torre Eiffel o el Guernica. La Gioconda no solo es el cuadro más visitado, reproducido e  imitado del planeta, es también un activo de Francia. 9,7 millones de personas visitaron el Louvre en 2012 a un promedio de 20 euros la entrada (12 cuesta la más barata y 53 euros la visita guiada) da un número cercano a los 200 millones euros  POR AÑO. La naturaleza muerta de Cézanne que compró la jequesa de Qatar, hoy el cuadro más caro de la historia, se pago 250 millones de dólares, Y los argumentos pueden seguir. TODAS las personas que visitan el Louvre tienen como primer objetivo VER a la Gioconda, aunque un vidrio antibalas proteja la sonrisa enigmática de  la obra maestra de Leonardo da Vinci pintada circa 1504, comprada por Francisco I en 1757 y robada en 1911 por un tal señor Peruggia que quería llevarla de vuelta a Italia. Pero hubo final feliz y la señora del Giocondo es hoy un ícono de la humanidad.

Los números hablan. Paris es la ciudad más visitada del mundo, 32 millones de personas pasaron el  año último por la capital de Francia. Uno de cada tres turistas tiene como primer destino el Louvre para encontrarse con lal Mona Lisa y grabarla en su móvil. La bella dama incrementó su atractivo tras la edición  del Codigo Da Vinci de Dan Brown.

La Gioconda no se vende. Pero, puede alquilarse? La lista de museos “clientes” es interminable,. Para comenzar el Louvre de Abu Dhabi, diseño del francés Jean Nouvel que necesita con urgencia obras que actúen como imanes. Además de los nuevos museos privados, como el Jorge Pérez de Miami o el Brandhorst de Munich, las “naves insignia” multiplican sus  sucursales. El Hermitage tiene sede en Londres, en Amsterdam, en Qatar, en Ferrara y proyecta abrir la última en la Aduana de Barcelona en 2016. El Guggenheim además de la promopionada “caseta del perro” , como le dicen los vascos (por el perro de flores de Jeff Koos), al pájaro de Titanio diseñado por Frank Gehry para Bilbao, tiene filiales  en Venecia (la primera en la casa de la gran coleccionista y amiga del arte Peggy Guggenheim ) y ya está la fecha  puesta para la apertura de la sede Abu Dhabi salida del tablero del constructuvista Frank Gehry. Ese Guggi será el más grande de la tierra. Gioconda for rent puede ser una salida para las agobiadas finanzas de Mr. Hollande, quien además del frente polìtico amenazado por  el alza de Marine Le Pen en las encuestas,  debe cuidar el frente interno, puesto en jaque por la despechada periodista, ex redactora del Match, madame Valerie Trierweller. Sus cuitas de alcoba… se venden como pan caliente.

 

 

 

 

 

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Bansky por medio millón de euros

Arriba, Los amantes del móvil (Mobile Lovers), la obra del grafitero comprada hace dos días por medio millón de euros. Lo pagó un coleccionista inglés y beneficiará a un club de Bristol en bancarrota. El Robin Hood del Arte conquista al mercado y a los coleccionistas a los que él mismo condena

La basura debajo de la alfombra, chicos. El grafitero más famoso del planeta ha vendido una obra en medio millón de euros. Una ola de empatía despierta este artista callejero y genial que ha hecho de la protesta contra el establishment y el mercado la bandera del arte. Ayer encontré en las bateas españolas el libro Siete años con Bansky  explición cercana de un fenómeno que para muchos sigue sin explicación. Banksy es el seudónimo del street artist británico. Se cree que nació en 1974, pero tal vez deliberadamente, y para sumar el marketing del misterio, no hay detalles demasiado precisos sobre su vida.

Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se lanzó a las paredes con un aerosol durante los años del boom del grafiti en los ochenta. Usa la técnica del stencil para “imprimir” en las paredes su mensaje satírico, corrosivo y contestario que tiene millones de seguidores. Basta saber que El mural de Los amantes del móvil (Mobile Lovers) de Bansky fue vendido 48 horas atrás por 403.000 libras (506.000 euros). El dinero ayudará a mantener un centro de jóvenes en Bristol, Gran Bretaña, que iba a cerrar por falta de fondos. Bansky nació en Bristol.

El graffiti fue pintado en abril y comprado por un coleccionista inglés. La imagen muestra a una pareja abrazada, pero ambos pendientes del móvil. Escena de la vida cotidiana. Bansky pinta lo que todos vemos, y esa mirada crítica de lo cotidiano, como un arltiano cross en la mandíbula, lo convierte en un héroe contemporáneo.

La obra apareció en el Broad Plain Boys Club de Bristol, ciudad donde nació el Robin Hood de las artes visuales. Al estar en su muro... los propietarios del CLUB se apoderaron de él… con  la aprobación del artista. God save Bansky!!

Banksy.co.uk

 

 

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El ruso dueño del arte

 

 

 

 

Confirmado. Moscú será la nueva capital del arte. El archifamoso director de la última Bienal de Venecia de Arquitectura, el venerado y laureado holandés  Rem Koolhaas le ha puesto el cascabel al gato al construir un segundo pabellón en Moscú para el arte contemporáneo. El edificio de más de 7000 metros cuadrados con fachada de policarbonato completa el programa lanzado por Garage,  bunker del arte actual considerado la Tate moscovita. Nada de esto se explica sin la presencia del big collector, nominado en los primeros puestos de la lista Forbes, dueño del equipo de futbol Chelsea (desde 2003)  y de un Bacon de museo (2008). Hablamos de Roman Abramovich (derecha), que pagó cinco atrás 83 millones de dólares por el Triptico de Bacon, uno de los últimos  cuadros del torturado Francis que quedaban  en manos privados. Compró también por cerca de 30 millones Enfermera durmiendo, retrato del exceso con las pinceladas de la crueldad propias de Lucien Freud, nieto de Sigmund padre de Bella, y discípulo de Bacon. La ficha de Abramovich se completa con su musa, la bella Dasha Zhukova a quien The Guardian  le atribuye la cotizada Audrey Hepburn quality, dicho de otro modo: elegante recato chic. Dasha es la heredera de un magnate del petróleo asociado con el negocio de armas en los balcanes. Su madre Elena Zhukova  especializada en biología molecular, trabajó en la UCLA donde ganó prestigio internacional. Quiso para Dasha  (1981) una carrera como la suya, pero la joven prefirió el mundo fashion y los amigos del arte, entre los que se cuenta el fenomenal Jeff Koons.  La historia de Abramovich es la mejor explicaciòn de la otra revolución rusa: la victoria de los millonarios ganadores de la perestroika. Los nuevos zares. Huérfano a los 4 años, militó en el ejército ruso, antes de dedicarse con un éxito formidable a los negocios inmobiliarios, una cuerda en la que funcionan muy bien los compatriotas de Roma, como lo llaman sus amigos. Con la reforma económica de la Unión Soviética, Abramóvich blanqueó sus negocios, invirtió en la industria petrolera (bien conocida por el papá de Dasha) y se colocó en la cima de los ricos de su país.

En 1995 compró la  participación mayoritaria en la  petrolera Sibneft, con inmediatas y pingües ganancias. En 2006 era la undécima fortuna del mundo según Forbes. Tenía 40 años. Además de una propiedad palaciega, con más de 100 habitaciones, Roma tiene un barco  de  112 metros, salido de un astillero alemán con el nobre de Le gran Bleu. Es probable que el romance con Zhukova haya influido en la compra de las dos pinturas más famosas de su colección, la Enfermera dormida, abajo, de Lucien Freud y  el Tríptico, de Bacon. Aunque los enterados dicen que la rusa se inclina por las poéticas instalaciones del mexicano Lozano Hammer.  Roma y Dasha tienen dos hijos: Aaron de 3 años y Leah de 1.

 

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Mundial 2014, Arte y Fútbol

Como madre de varones, muchos domingos de Fútbol de Primera abonan mi pasión por el fútbol que en esta edición del Mundial Brasil 2014 se tradujo en una catarata de tuits, patrón expresivo de multitudes.

Pegarle a la pelota es un arte, y atajar un penal en ese arco enorme que achicó Romero con sus manos, también lo es. Pero, ¿qué decir del momento en que Mascherano estira el pie pegado al palo y le saca a Robben un gol cantado?.

La estética del fútbol ha cambiado de manera sideral y basta con mirar los botines con lunares que parecen inspirados en una obra de la nipona Yayoi Kusama. Pero también hay otra estética en las camisetas adherentes, en los hipercuidados cortes de pelo,  hechos para ser vistos por tevé.

Las cámaras ralentizan los movimientos y hasta pueden hacer del penal no cobrado del arquero alemán al delantero Higuain un registro para el recuerdo… de lo que no se debe hacer

Bill Viola, un maestro de la cámara lenta como identidad visual, se hubiera hecho un picnic con cualquiera de estas escenas. Con los abrazos después de cada gol, con la palomita de Messi o con la piña del Kun Aguero que dejó ensangrentada la cara del alemán en una de las pocas acciones que concretó en la final.

La cámara habla y dice cosas que el ojo no ve. Hasta se puede ver en el gesto el alcance de la intención.Dos imágenes me vienen a la mente y las dos tienen que ver con el Real Madrid, el equipo merengue de donde salió Raúl “el angel del gol”, tal vez uno de los más notables coleccionistas de fotografía de España, alentado por la gran galerista Helga de Alvear.

Primera imagen: la camiseta blanca del Real defendida altri tempi por la “saeta rubia”, el argentino Di Stefano. Dicen que fue dueño de un fútbol superlativo jugado cuando no había cámara lenta. El arte de jugar a la pelota. Nada más. En las fotos de la despedida publicadas en El País de Madrid se lo ve a Di Stefano embarrado hasta la mandíbula, con unos bombachudos de potrero y sin ninguna marca. No había llegado todavía la era de los sponsors, pero la saeta rubia acumulaba copas a sus pies.

La otra imagen ligada a los “merengues” es arte en estado puro. Y me refiero al  video filmado por los artistas Douglas Gordon y Philip Parreno durante el último partido que  Zinedine Zidane jugó en el Santiago Bernabeú. Fue contra el Villareal en abril de 2005. “Retrato del siglo XXI” se llama el documental, filmado en tiempo real, durante los 90 minutos del partido, con 17  cámaras sincronizadas que solo enfocaron los pies, la cara , el gesto y  la bravura de un jugador impar que terminó su carrera con un cabezazo de película.

El video de Zidane se proyectó en el Estadio St. Jacques de Basilea, en 2006 , durante una edición de la ya célebre feria Art Basel. Los autores fueron saludados con aplausos tras 90 minutos de silencio y, luego,  el film fue adquirido por el MOMA de Nueva York para su colección. El fútbol hecho arte según Zidane por Gordon y Parreno se puede ver en Internet Movie Database. Joya.

 

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